Israel Jiménez artista en Ineditad Galería

Israel Jiménez. “Creo que a veces es bueno que aquello que veamos nos moleste o inquiete.”

Israel Jiménez Medina (Las Palmas de Gran Canaria, 1983) quería ser astronauta cuando era pequeño, fascinado con la idea de lo que podría haber allá fuera. Y aunque el destino le tuviera preparada una profesión diferente, probablemente ha podido explorar a través del arte territorios que jamás habría descubierto utilizando el telescopio.

Residente actualmente en Vedra (A Coruña) y con un Ciclo Superior de Ilustración y Grado en Bellas Artes, entrevistamos a este artista Inéditad para hablar sobre cómo afrontar esta incierta etapa y sobre el mensaje que propone lanzar a través de sus obras.

Israel, ¿qué aprendiste a nivel personal e incluso profesional de las semanas de confinamiento?

A nivel personal muchas cosas buenas. Tengo más tiempo para estar con mi pequeña hija de la cual aprendo cosas que ya tenía por perdidas. Me gustaría destacar que la visión sin filtros de los niños es altamente beneficiosa para la creatividad de un adulto. Recuperamos cosas que ya no recordábamos o que teníamos descartadas, quizás por no querer sacar al niño que a veces llevamos dentro. Es gratificante.

En cuanto al profesional se puede decir que me da tiempo a reflexionar sobre una nueva obra; gano inspiración para elaborar nuevas series, planteamientos, bocetos, etc.

¿Qué acciones llevaste a cabo para conseguir que aquellos días de encierro se te hicieran menos duros?

Es complicado salir de la zona de confort con la estábamos acostumbrados día a día. Ahora parece que nos han dado la vuelta completamente hacia otra dirección, pero para mí la mejor manera de afrontarlo fue trabajar en mi profesión, ocuparme de las tareas del hogar, mantener el contacto con amigos y familiares.

Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Esto es una lucha interna constante y ahora parece que debemos de enfrentarnos a algo mucho más colosal. Lo afrontaría con las mejores armas que tenemos, creatividad para salir de esta y nunca bajar la guardia.

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«Cecas a Caronte DMR» de Israel Jiménez. Óleo sobre lienzo. 24 x 33 cm. 2019

Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

Lo veo muy positivo y necesario. Y como idea me encantaría ofrecer visitas guiadas a mi estudio para que se conozca mi obra y me vean trabajar.

¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

La sociedad ha pasado por múltiples situaciones muy complicadas. Confío que esto será pasajero y que iremos retomando el tacto con los demás. Somos seres que necesitamos contacto físico y psíquico. Es algo básico, como respirar.

Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

Cambiando de tema Israel, ¿cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

Principalmente busco la reflexión en el espectador, quiero que piense qué es lo que está sucediendo dentro de la obra y fuera de ella. Sobre todo, transmitir y contar historias. Incluso sentirse identificado con ella de algún modo.

«La sociedad ha pasado por múltiples situaciones muy complicadas. Confío que esto será pasajero y que iremos retomando el tacto con los demás.»

Si tu estilo fuera un rasgo de personalidad, ¿cuál sería?

Inquietud.

¿Hay alguna disciplina artística que aún no hayas probado y que te gustaría experimentar?

La escultura.

¿Debe ser el arte que nos rodea más transgresor de lo que aparenta?

Es necesario tener gente en el arte que transgreda en mayor o menor medida, sino sería monótono tener que sentir lo mismo. Creo que a veces es bueno que lo que vemos nos moleste o inquiete y que nos haga reflexionar de manera negativa o positiva.

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

Musas tengo miles y referentes tanto de lo mismo. Puedo hablar de los más cercanos como puede ser mi amigo y artista Roberto González Fernández con el que me siento muy identificado con su temática y estética y por supuesto los de la Escuela de Londres como Frank Auerbach, Bacon y Freud. Actuales como Michaël Borremans, Glenn Brown, Ron Mueck e incluso Gerhard Richter.

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«Cecas a Caronte AJM» de Israel Jiménez. Óleo sobre lienzo. 24 x 33 cm. 2019

Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?

Con la escritora Ana Valín García (mi esposa) sería una de las primeras personas con la que trabajaría para poder ilustrar sus escritos. Su metáfora y líneas argumentativas parecer haber salido de una película francesa. Y como he dicho anteriormente con Roberto G.F por su amplitud temática, actualizada y sensibilidad artística.

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

La falta de ayudas en este sector y la crisis acentúan el ingenio para salir del agujero cada vez más profundo. Es cierto que en este país (políticamente hablando) nos están dejando absolutamente de lado, como si el arte fuera algo simple. El mercado del arte es lo que es, explotación comercial. Se fijan precios por libre juego de oferta y demanda. Luego están las ferias que, para mí, son lo más cercano tanto a la persona como al bolsillo del ciudadano. Soy de la opinión de que toda obra tiene que acercarse más al sector de clase media y no al elitista.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

Complicado, me faltaría mucha pared para colgar, ¡jajaja!

«Soy de la opinión de que toda obra tiene que acercarse más al sector de clase media y no al elitista.»

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

Son necesarias para la difusión de toda índole. Utilizo Instagram como página para mostrar el proceso de las obras que voy realizando.

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

No siempre trabajo con la misma música. Voy desde la clásica al rock pasando por dubstep y acabando por electrónica experimental. Me gustan muchas.

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

Indiscutiblemente El Prado, pero voy a ir más lejos aún. Pasaría por el Rijksmuseum de Amsterdam. Las historias que cuentan sus obras van desde la propia moda de la época, su política, costumbres cotidianas, fauna, flora e incluso maquetas navales y casitas de muñecas de la época.

“La Lechera” de Johannes Vermeer. Óleo sobre lienzo. (1658-1660). Una de las obras más destacadas del Rijksmuseum
“La Lechera” de Johannes Vermeer. Óleo sobre lienzo. (1658-1660). Una de las obras más destacadas del Rijksmuseum

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

“La historia del arte” de Ernst Gombrich.

¿La botella medio llena o medio vacía?

Medio llena, siempre hay que buscar optimismo hasta en los peores momentos.

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Que crean en su trabajo. Y a poder ser, que saquen tiempo hasta de debajo de las piedras.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Me encantaría que mi obra pudiera moverse por diferentes lugares del mundo.

¿El futuro es…?

Sólo cerrando las puertas detrás de uno se abren ventanas hacia el porvenir. (Françoise Sagan).

El artista Israel Jiménez en su estudio
Juan Rivas artista digital

Juan Rivas. “No hay nada más creativo que los problemas.”

Juan Rivas (Santiago de Compostela, 1991) es graduado en ilustración y un virtuoso en arte digital. No todo el mundo sabe que cuando era pequeño quería ser travesti, a raíz de que su abuela le llevase a ver sus espectáculos en Benidorm. Artista en nuestra galería desde octubre del pasado año, hoy tenemos la oportunidad de saber más acerca de su genial proceso creativo y de todo aquello que le ha inspirado en este periodo pandémico.

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Juan Rivas. «El campo de los cactus». Ilustración y collage digital. 2020

Juan, ¿qué aprendiste a nivel personal e incluso profesional durante las semanas de confinamiento?

A reconciliarme con la cámara frontal del móvil.

¿Qué acciones llevaste a cabo para conseguir que aquellos días de encierro se te hicieran menos duros?

Crear compulsivamente. Crear hasta la extenuación. Ni pan, ni pasteles, ni yoga, ni ordenar los armarios, ni escribir a mi ex. Nada de eso.

Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Ajustándonos a la situación. No hay nada más creativo que los problemas. Procurando contar aquello que se quiere contar, pero siendo consciente de la situación y sus trabas. El arte para ser actual debe de ser ajustado a su tiempo y el talento o los vientos de cola dan ventajas de por sí, pero son las limitaciones las que realmente destruyen o encumbran una obra.

Juan Rivas_Detalle obra Una pared de Chueca después de la pandemia
Juan Rivas. Detalle de «Una pared de Chueca después de la pandemia». Cianotipia en técnica giclée. 2020

Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

La reinvención es radical para el progreso. Ser maleable y dúctil. La constante actualización de metas es mi mejor método de reinvención. Dejar atrás metas estúpidas y abrazar las nuevas por diferentes que puedan parecer, que no es si no descubrir la verdadera identidad de las metas personales, diferenciando, por supuesto, entre lo que tú de verdad necesitas y lo que la sociedad necesita que necesites.

¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

Wifi en las casas rurales y sillas de escritorio más cómodas en las casas. Poco más.

Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

Me cuesta encontrar algo positivo en el hecho en sí, pero estoy seguro que traerá efectos positivos colaterales, y muchos, aunque no los tengo muy claros. Quizás de todo el ojo del huracán podríamos decir que nuestra capacidad para frivolizar es un dique infranqueable. Sobrevivió el humor y la ironía a pesar de las olas de tragedia en contra, y eso es muy positivo. En materia de derechos, y esto quizás sea cruel decirlo, Occidente en su mayoría prefirió ver contagiar a sus ciudadanos que violar sus derechos. Cosa que no fue así en países orientales empezando por China o Corea del Sur.

“El arte para ser actual debe de ser ajustado a su tiempo y el talento o los vientos de cola dan ventajas de por sí, pero son las limitaciones las que realmente destruyen o encumbran una obra.”

Juan, ¿opinas que el arte que nos rodea debería ser más transgresor de lo que aparenta?

En mi opinión es suficientemente transgresor, pero necesita de una mirada a su propio ombligo. Falta perder el respeto a las ideas propias y atacarlas sin piedad. El arte es transgresor cuando pincha el globo de las ideas. Intentamos retorcer las de otros, pero no las propias. Hay una especie de narcisismo intelectual hacia nuestras propias conclusiones del mundo y eso no sé si es muy positivo. Para transgredir hay que empezar por los principios de uno, no encariñarse de ellos, y embestirlos si es preciso. Que nuestro propio ideario no sea un freno a nuestra libertad intelectual.

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

Tengo tantos: Tàpies, Marrero, Ingres, Fontcuberta, Ryden, Ansel Adams, Laxeiro… No podría decantarme por uno.

Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?

Si tuviera que escoger uno que ya no estuviera entre nosotros sería Tàpies, sin duda. Al modo de la colaboración Basquiat-Warhol. Si no a Lita Cabellut, por su fuerza animal en la intervención de sus obras o Joan Fontcuberta por su carga teórica tan sólida.

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Juan Rivas. «Busto griego». Cianotipia en técnica giclée. 2020

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

Ha habido una democratización del arte con más obras accesibles a todos los públicos. Menos elitismo, pero sin perder las grandes inversiones. A su vez, estalló esa gran burbuja del arte contemporáneo al estilo del tiburón o la calavera de Hirst vendidas por millones al ser tratadas las obras simple y llanamente como activos especulativos.

El arte emergente parece huir del relato que amparó a gran parte de los artistas del siglo XX y rendirse cada vez más a la artesanía y a la técnica, bailando entre los mundos imaginarios de lo digital y la nostalgia por la fisicidad de la obra. También percibo una mayor residualidad de la abstracción frente a una apuesta por lo figurativo. Una especie de revisión trasnochada del canon de Durero.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

Cualquier retrato mortuorio del Egipto ptolemaico de los siglos I y II. Son una delicia acojonantemente moderna.

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

De cabecera tengo Instagram, sin duda. Soy un millenial y la generación manda. En cuanto al lugar de las redes en nuestra sociedad creo que ha ido cambiando. Instagram domina lo que antes dominó Facebook que ha ocupada el lugar de Twitter y este último, a su vez, el lugar de las páginas porno. Con esto quiero decir que no sólo se han integrado sino que han evolucionado y enraizado en nuestra sociedad. Como cómputo total, y creo que la pandemia ha reforzado esta tesis, continúan siendo una especie de mezcla entre la biblioteca de Alejandría, la barra de un bar y el exhibicionismo más primario. Quizás el único aspecto en contra sea la inmediatez del mensaje. Esa reducción al mínimo del contenido comunicativo. Acaban reduciendo todo al titular, al gif o a la imagen de lectura simple.

Con respecto al arte, se han convertido a la par en el gran escaparate y la gran fuente de inspiración. Del mismo modo que puedes hacer llegar tu obra al otro lado del mundo puedes consultar a golpe de scroll la última obra de Ryden o un Velázquez que ha subido el Museo del Prado a sus historias de Instagram.

Juan Rivas artista Ineditad Galeria
Juan Rivas en su estudio de Madrid.

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

El Thyssen de Madrid. Es divertidísimo.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

“La emboscadura” de Jünger.

“El arte emergente parece huir del relato que amparó a gran parte de los artistas del siglo XX y rendirse cada vez más a la artesanía y a la técnica.”

¿La botella medio llena o medio vacía?

Rebosando, Soy un optimista patológico.

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Que tengan paciencia, que sepan todo lo que pueda sobre técnica y sintaxis artística. Sobre todo, ansia de libertad intelectual y ganas de expresar.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Al punto en el que puedes hacer suficientes colaboraciones con otros artistas de diferentes disciplinas para combatir esa soledad tan jodida de donde salen las obras individuales. No sé si he sido muy concreto.

¿El futuro es…?

Un lugar probablemente tan complicado como maravilloso. Con pantallas más unificadas. Costumbre de consumo cada vez más individualizado de los productos culturales. Los ordenadores personales se relegarán a los ámbitos profesionales y serán las tabletas y los smartphones quienes ocuparán su lugar en la esfera doméstica. Cada vez tendremos más acceso a la información de un modo más personalizado, a la vez que iremos cayendo en la trampa de nuestro propio algoritmo de búsquedas e intereses. No sé si eso nos monotemizará.

A su vez, los productos de consumo cultural irán siendo más condensados y simplificados dada la mayor inmediatez con la que requerimos la información. Titulares, tweets, gifs…. creo que será difícil encontrar una película de tres horas y media dentro de diez años.

En el terreno sociológico imagino que el individuo irá ganando fuerza como ente particular, o esa sensación tendremos, a la vez que irán agrupándose las entidades más altas (estados, marcos económicos…) para formar estructuras más unificadas y amplias. Una identidad grupal más condensada que encontrará una contrapartida en una identidad individual más perfilada, incluso narcisista.

Juan Rivas. «Una pared de Chueca después de la pandemia». Cianotipia en técnica giclée. 2020

Juan Carlos Mora Ilustración Digital

Juan Carlos Mora. “El arte es mensaje, y como en toda vía comunicativa, no se hace en una sola dirección.”

Juan Carlos Mora (Igualada, Barcelona, 1990) aprendió durante el confinamiento a cuidarse mentalmente. Esa atención la trasladó a su vertiente personal y profesional. Dentro del marco de nuestro proyecto “Visibilizar para Normalizar”, hoy hablamos con este artista Inéditad sobre el mensaje que trasciende a sus obras y sobre si el arte debe ser o no transgresor.

Juan Carlos, ¿qué aprendiste a nivel personal e incluso profesional de las semanas de confinamiento?

Probablemente lo que más he aprendido es la importancia de cuidarse mentalmente, lo cual me llevo tanto al terreno personal como al profesional.

¿Qué acciones llevaste a cabo para conseguir que aquellos días de encierro se te hicieran menos duros?

Pues hice prácticamente de todo. Desde cursos online, punto de cruz, escribir mucho, ilustraciones, leer, ver películas, cocinar… y también estar en contacto con la gente que me importa.

Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Son tiempos difíciles tanto para el colectivo artístico como para la vida profesional en general, creo que la mejor manera de afrontarlo sería reforzar la idea de colectivo y apoyarnos mutuamente con acciones menos individualistas. El arte tiene que ser un hecho democrático y la mejor forma, es compartiendo entre creadores.

Collage Digital de Juan Carlos Mora en Ineditad Galería
«Tenías» de Juan Carlos Mora. Collage digital impreso en papel Hahnemühle Photo Rag Utra Smooth 305g

Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

Creo que la reinvención es algo que siempre está ahí porque estamos en continua evolución. No he llegado a ninguna idea en concreto, pero la sigo buscando y estoy abierto a posibilidades.

¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

Mucho se ha hablado de que cambiaría nuestra sociedad, que valoraríamos otras cosas, que seríamos una comunidad mucho más solidaria… Pero no sé si realmente estamos preparados para el cambio. Somos una sociedad que olvida rápido y creo que se necesita mucho más para poder ver un cambio real.

“Creo que la reinvención es algo que siempre está ahí porque estamos en continua evolución.”

Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

A pesar de que olvidamos rápido, sí que podemos extraer la unión que ha habido entre las personas, la necesidad que hemos tenido de estar en contacto con la gente que queremos, la importancia de la cultura y sobre todo, el valorar la vida que tenemos y saber que en mayor o menor medida, somos afortunados.

El artista Juan Carlos Mora. Fotografía de César G. Cisneros

Según tu punto de vista, ¿debe ser el arte que nos rodea más transgresor de lo que aparenta?

Creo que todo arte, incluso aunque no sea la intención puede ser transgresor. Porque el arte es mensaje, y como en toda vía comunicativa no se hace en una sola dirección. Por lo tanto, toda obra puede ser transgresora o política según la perspectiva y la interpretación que haga la persona que la recibe. 

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

No podría nombrar unos referentes en concreto. Todo lo que me rodea, lo que observo, leo, busco… todo forma parte del imaginario que me he creado y que después se ve reflejado en mi obra.

“Toda obra puede ser transgresora o política según la perspectiva y la interpretación que haga la persona que la recibe.” 

Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?

Pues el primero que se me ha pasado por la cabeza es Daniel Canogar. Me encantaría poder combinar lo visual y tecnológico de su obra con textos míos. Siempre que he visto exposiciones suyas me han fascinado.

Detalle obra Quedarte de Juan Carlos Mora
Detalle de «Quedarte» de Juan Carlos Mora. Collage digital impreso en papel Hahnemühle Photo Rag Utra Smooth 305g

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

La situación del arte nunca ha sido favorable. La cultura en general siempre ha estado relegada a un segundo plano por parte de las políticas del Gobierno, lo cuál hace difícil que como artista se pueda sobrevivir. La mayoría necesitamos un trabajo en una empresa, que nos dé el sustento mínimo para la supervivencia.

Quedan muchas cosas por cambiar, pero el mercado del arte todavía está muy anclado en la idea antigua de galería de arte rancia y elitista. Es cierto que las nuevas generaciones valoramos el trabajo de artistas que, muy probablemente, conocemos a través de las redes sociales. Pero es muy complicado que nos consideren dentro de un mercado del arte, que como concepto debería quedar obsoleto y adaptarse a los nuevos tiempos.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

Recuerdo la sensación que tuve cuando vi en directo La Primavera de Boticelli. en la Galería Uffici de Florencia. Tenía 16 años y me quedé embobado delante del cuadro. Me sentí solo en aquella sala gigante, solo estábamos la obra y yo. Para mí eso es el Arte. Así que colgaría de mi pared esta pintura, que ocuparía prácticamente toda mi casa.

Juan Carlos Mora Collage Digital

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

Las redes sociales son tan necesarias como dañinas. Son un escaparate maravilloso para darnos a conocer como artistas, pero también es muy fácil que puedan robarte obras, la comparación y sobre todo, la censura. Mi red social de cabecera es Instagram, aunque estoy muy en desacuerdo con sus políticas de censura. Son muy hipócritas. No soy capaz de entender que no se pueda mostrar un cuerpo desnudo porque lo consideren contenido sexual, pero en cambio sí que se puedan cometer delitos de odio, amenazas…

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

«Fjogur Piano» de Sigur Ros.

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«Los hombres de anteayer» de Juan Carlos Mora. Collage digital impreso en papel Hahnemühle Photo Rag Utra Smooth 305g.

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

Recomiendo muchísimo la Fundación Serralves de Oporto porque tanto el contenido como el continente tienen una simbiosis perfecta. Hay obras muy escenográficas, muy espaciales y a la vez puedes pasear por unos jardines inmensos, visitar el Palacio que tiene una arquitectura espectacular. Es un lugar muy físico y muy acogedor. Además Oporto me parece una ciudad realmente maravillosa.

“El mercado del arte todavía está muy anclado en la idea antigua de galería de arte rancia y elitista.”

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

“Ensayo sobre la ceguera” de José Saramago.

¿La botella medio llena o medio vacía?

Me gustaría decir que medio llena, pero muchas veces necesito verla medio vacía para poder llenarla.

Juan Carlos Mora Inéditad Galeria

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Que no se comparen. Es muy fácil por las redes sociales compararte con lo que hacen otros artistas, con el éxito que tengan, con las técnicas que utilicen… Pero lo mejor es hacer, crear con lo que te sientas bien y no sentirte menos que nadie.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

No me pongo ninguna meta en particular, pero sí me gustaría escribir un libro, dirigir una película y … ¿quién sabe? 

¿El futuro es…?  

Seguir girando.   

Obras Juan Carlos Mora en Ineditad Galería
Juan Francisco Gómez Cambronero Entrevista Inéditad Galería

Juan Francisco Gómez Cambronero: “es importante que sigamos contando la importancia que tiene la cultura y el arte en la sociedad”

Juan Francisco Gómez-Cambronero (Madrid, 1976) ya tenía muy claro en su adolescencia que quería ser o bien ingeniero o bien pintor. Tras realizar la selectividad, se decantó por el camino que él consideró en aquel momento el más fácil. Así fue como se licenció en ingeniería técnica de Obras Públicas. Pero lejos de abandonar su pasión artística, los sistemas de representación y el dibujo técnico que aprendió durante la carrera condicionaron en cierto modo su relación con la pintura.

Cuando recibimos en Inéditad su propuesta para colaborar con nuestra galería de arte online en mayo del pasado año no lo dudamos ni un instante. Contar con el talento y la técnica de un artista de su categoría es para nuestro emprendedor proyecto artístico todo un privilegio.

Como el privilegio es que hoy tengamos la oportunidad de publicar esta entrevista con el objetivo de que vosotrxs también seáis partícipes de sus inquietudes, de sus retos y de sus propósitos para afrontar esta etapa tan incierta.

¿Juanfra, ¿qué has aprendido a nivel personal e incluso profesional de las semanas de confinamiento?

Sobre todo, que el ritmo de vida actual que llevamos, el estrés, las prisas y la necesidad de aparentar, anula todo lo sencillo y natural que nos hace personas, así como la capacidad de escucharnos a nosotros mismos. Con la pandemia hemos podido vivir esto en primera persona. Hemos descubierto que podemos ser creativos cuando no tenemos tantos medios a nuestra disposición y que realmente no los necesitamos tanto. Hemos descubierto el valor que tiene un simple gesto como un abrazo, un apretón de manos y muchas otras cosas que damos por hechas a diario. En lo profesional, la pandemia se ha convertido en una oportunidad para mí. Gracias a ese tiempo disponible, he retomado proyectos más arriesgados que no me atrevía a llevar a cabo antes, he experimentado con nuevas técnicas y he podido difundir mi obra fuera de España a través de redes sociales y participaciones en certámenes online. Eso me ha abierto puertas para próximas exposiciones que ya están programadas en el extranjero. En todas las crisis siempre hay oportunidades y creo que he sabido encontrarlas.

¿Qué acciones has llevado a cabo para conseguir que aquellos días de encierro se te hicieran menos duros?

En lo familiar, pude pasar y recuperar con mis dos hijos y mi mujer ese tiempo que le robamos a veces con el exceso de trabajo y ha servido para afianzar y reforzar nuestra relación y lazos familiares. En lo profesional estuve trabajando en obras de técnica mixta y collage con cuerdas, y clavos para crear paisajes geométricos y también he estado experimentando sobre la aplicación de acuarela sobre tabla de madera. También he hecho algunas obras de retratos a carbón en gran formato con un aire moderno para sacar esta técnica del clasicismo al que generalmente está sometida. También he grabado y editado un video mostrando mi estudio y algunas de mis obras.

Juan Francisco Gómez Cambronero en su estudio
Juan Francisco Gómez Cambronero posa con su obra «Mensaje Nocturno» disponible en nuestra galería online.

Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Creo que es importante que sigamos contando al resto del mundo la importancia que tiene la cultura en la sociedad y el arte como medio de expresión y como medio histórico de contar lo que sucede en un espacio de tiempo determinado. Debemos exigir a las administraciones encargadas de la gestión cultural que apuesten fuerte por ella y la promuevan, organizando exposiciones, concurso, residencias, becas, etc, en vez de borrarlas como está sucediendo en la actualidad. Finalmente, el colectivo de artistas debe permanecer más unido para ser más fuerte en vez de hacer cada uno la guerra por su lado. Por otro lado, el artista debe afrontar un cambio inevitable hacia lo digital (redes sociales, venta online, etc) si quiere permanecer en el mercado.  

Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

Por supuesto. Adaptarse a los tiempos en los que vivimos es necesario y casi una obligación si se quiere ir al mismo ritmo y en la misma dirección. El pintor, para vender debe mostrar sus trabajos. Antes se invitaba a coleccionistas y posibles clientes a su estudio y hacia acuerdos con galerías físicas para dar visibilidad a sus obras y aumentar las posibilidades de venta, a parte de la participación en exposiciones y certámenes. Eso, hoy en día hay que seguir haciéndolo, pero no hay que olvidar la oportunidad que nos brinda internet y las redes sociales. Tenemos en nuestras manos un escaparate al mundo. La venta online a través de galerías especializadas como Ineditad, son imprescindibles para el pintor de hoy en día.  También hay otras herramientas que hay que aprovechar como Youtube, para publicar videos de nuestro estudio, de algún proceso de una obra, una entrevista, etc, o las redes sociales como Facebook e Instagram que permite tener informado de todas las novedades a un grupo de seguidores afines e interesados por el arte… La reinvención del pintor pasa por adaptar su proceso y su manera de mostrar su obra hacia lo digital.

Juan Francisco Gómez Cambronero obras
«Night Lights I» de Juan Francisco Gómez Cambronero. Óleo sobre bastidor. 2020

¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

En nada o casi nada. El hombre es egoísta y olvidadizo por naturaleza. Ya lo hemos visto tras la crisis económica del 2008.

Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

Que siempre hay oportunidades hasta en los peores momentos si se saben ver y que la gente es capaz de unirse y colaborar cuando las cosas se ponen feas.

“el colectivo de artistas debe permanecer más unido para ser más fuerte en vez de hacer cada uno la guerra por su lado.”

¿Cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

En las pinturas y dibujos de hace unos años, mostraba mi lado más crítico con la sociedad a través de obras de corte expresionista y deformaciones de la realidad. El alcoholismo, la desproporción de las ideas, la excesiva ambición humada, la violencia… eran temas recurrentes.

Con el paso de los años, he moderado mi mensaje de crítica y estilo pictórico, virando hacia un estilo figurativo realista con tintes creativos, espontáneos y sueltos. Mis temáticas se suelen centrar en momentos y gestos sencillos y cotidianos pero importantes y generadores de sentimientos como puede ser una mirada o una sonrisa. Pero también en temas urbanos y nocturnos en los que las luces de la noche o el reflejo de los faros de un coche en una calle mojada evocan situaciones emotivas.

oleo sobre tabla
«Night Lights II». Juan Francisco Gómez Cambronero. Óleo sobre tabla. 2020

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

No estudié Bellas Artes y por lo tanto no nadé en algunas aguas que podrían haberme marcado más en cuanto a referentes. En mi proceso de aprendizaje de la técnica me he valido de muchos cursos que unido a la conexión de las redes sociales y que me ha llevado a tener como referentes a muchos pintores actuales de distintas edades. Extranjeros me gustan Shaun Othen, Casey Baugh o Cesar Santos. Nacionales, sin lugar a dudas, Antonio López.

Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?

Puestos a pedir, pues evidentemente del que más sabe, que es Antonio López. Su trayectoria, sus experiencias acumuladas y su visión del mundo del arte, sin duda serían valiosísimas y enriquecedoras. Él ya ha pasado por muchos destinos a los que yo aun no he llegado.

“La reinvención del pintor pasa por adaptar su proceso y su manera de mostrar su obra hacia lo digital.”

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

En España no se acaba de valorar la pintura. Tener un oficio de pintor es el equivalente a tener una profesión de segunda o tercera división. Dignas todas ellas, pero a otro nivel. A los pintores no se les acaba de ver bien en España. El dedicarnos a algo que no es de primera necesidad nos relega al sótano, aparte de tener que soportar a veces estereotipos asociados a ser vagos o «perroflautas». También hoy en día, en muchas ocasiones, es más importante una firma que la obra en sí, o la capacidad que tengas de influir sobre otras personas, lo cual resta seriedad a la profesión y la transforma en un mercadeo a merced de modas. Mucho de lo que arrastra este oficio nos lo hemos ganado a pulso. Por todo esto el pintor emergente lo tiene más complicado. O es bueno de verdad y gana algún premio importante que lo posicione en el mercado, o le espera por delante mucho trabajo para abrirse hueco.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

Siempre me ha gustado mucho Amadeo Modigliani. Puestos a elegir, el «Retrato de Jeanne Hébuterne con jersey amarillo». Fue de los primeros pintores que de joven me atrajeron y lo asocio a esa época de sueños de pintor y energía incombustible.

Retrato de Jeanne Hébuterne con Jersey Amarillo
«Retrato de Jeanne Hébuterne con jersey amarillo». Amadeo Modigliani. 1918. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

Una revolución en todos los sentidos. Una puerta abierta al mundo. He conocido muchos pintores y grandes trabajos a través de Facebook que es la que más utilizo y también de Instagram. Por poner algún ejemplo gracias, a las redes sociales, me han invitado a exponer en Budapest y en Estocolmo y también me han servido para vender alguna obra o realizar algún encargo.

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

Depende de la obra y temática. Si es grande y necesito energía, no me falta alguna de Led Zeppelin para arrancar. Cuando llego a partes más delicadas o son obras pequeñas bajo el ritmo y pongo a Sade, Eliane Elias o Jazz. Generalmente pinto siempre con música de fondo.

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«Mensaje Nocturno». Juan Francisco Gómez Cambronero. Óleo sobre bastidor.2020

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

Hace unos años visité el Museo de Arte Abstracto Español Fundación Juan March de Cuenca. Siempre he sido un poco anti-abstracto o quizás no se valorarlo. Tras la visita a este museo, afiancé dos ideas. Una que ya tenía y otra nueva. La primera, que seguía sin saber valorarlo y reafirmaba mi teoría de que una firma vale más que una obra. La otra idea, que también hay arte abstracto bueno, de calidad y creativo. Me ayudé a abrir un poco la mente y a eliminar algunos prejuicios. Ir a sitios que te hacen replantear tus ideas siempre merece la pena.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

«Un mundo feliz» de Aldous Huxley. A veces me da la sensación que la utopía que cuenta el libro la superamos por momentos…

“A los pintores no se les acaba de ver bien en España. El dedicarnos a algo que no es de primera necesidad nos relega al sótano.”

¿La botella medio llena o medio vacía?

Siempre medio llena. Eso marca la diferencia en la mayoría de las cosas. Los escalones se suben mejor viendo todo con positivismo, aunque cuando se aprende realmente es en las derrotas. Eso no se debe olvidar. Yo cada vez que tropiezo trato de alegrarme.

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Únicamente diría que disfruten con lo que hacen y que sean constantes y trabajadores. El resto es futuro y ese está por llegar, y muchas veces en función de nuestros actos.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Al hacer una carrera universitaria la consecución de la Diplomatura o Licenciatura corresponde con el culmen de la misma. En la pintura no existen esos límites. No dibujo ningún paréntesis para acotar mi andadura. Voy a campo abierto. Está claro que algún premio importante o exponer en algún centro o museo reconocido es algo que la mayoría de los pintores queremos, pero tampoco mis objetivos van por ahí. Más bien hablan de conocer gente interesante, conocer países y lugares (una de mis pasiones es viajar) y exponer en Berlín o Paris sería algo increíble y todo con la pintura como telón de fondo. Tan solo quiero disfrutar de la pintura de aquellas cosas que puede ofrecerme, pero no busco el reconocimiento que algunos pintores ansían.

¿El futuro es…?

El futuro son nuestros hijos.

Artistas prometedores
Juan Francisco Gómez Cambronero en su estudio

Nacido en Madrid en 1976, Juan Francisco Gómez Cambronero reside actualmente en Daimiel (Ciudad Real). Ingeniero Civil de profesión y artista de vocación, su entorno familiar estuvo siempre envuelto en la pintura y el arte. Con exposiciones en galerías de Roma, Suecia, Texas (Estados Unidos), Barcelona o Málaga, actualmente se perfila como un pintor de gran proyección y con sello propio.

En Inéditad Galería tenemos la suerte de contar con tres obras nunca vistas ni expuestas anteriormente. ¡Disfrútalas!

Jaime Sancorlo entrevista Inéditad Galería

Jaime Sancorlo. «El mercado del arte se comporta de manera irracional y subjetiva”

Jaime Sancorlo (Madrid, 1980) soñaba con muchas profesiones diferentes cuando era niño, llamándole especialmente la atención el mundo militar, el cual le venía de familia. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, hoy entrevistamos a este artista que tras pasar un periodo alejado de la pintura se ha reencontrado de nuevo con su pasión y de qué manera. Un buen ejemplo de su afinada técnica la tenemos en su serie War Affairs, una serie que no deja de sorprendernos en nuestra galería de arte online .

Jaime Sancorlo en Ineditad Galería

¿Jaime, qué has aprendido a nivel personal e incluso profesional de las semanas de confinamiento?

He aprendido a simplificar, sobre todo en lo material, se puede hacer mucho con poco.  A valorar más las experiencias compartidas. También lo mucho que se echa de menos la libertad y el contacto físico con los seres queridos cuando no los tienes cerca.

¿Qué acciones has llevado a cabo para conseguir que los días de encierro se te hayan hecho menos duros?

La verdad es que estoy acostumbrado a pasar muchas horas en mi estudio, que afortunadamente tengo en casa, por lo que no se me ha hecho especialmente duro el confinamiento. Simplemente he mantenido mi rutina de trabajo, comida sana, algo de ejercicio físico diario, lectura y videollamadas con amigos y familiares.

Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Creo que toca seguir trabajando con energía, intentar crear redes de apoyo entre todos y tratar de ser optimistas.

«No creo que el arte deba ser nada más que arte. Que sea capaz de emocionar al espectador, que sea capaz de emocionarse con él. «

Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

Creo que sí, es fundamental tener capacidad de adaptación. A lo largo de nuestra vida nos van cambiando las circunstancias en los diferentes ámbitos y a pesar de la incertidumbre y vértigo que los cambios producen, no queda otra opción que aceptarlos y adaptarnos para poder seguir adelante.

Mi actitud hacia lo que esté por venir es la de aceptar lo que no puedo cambiar y el poder quedarme tranquilo de haber hecho todo lo posible por cambiar lo que sí está en mi mano poder mejorar. Para mí, eso es lo importante. En mi caso el simple hecho de dedicarme a pintar ya es un gran cambio después de llevar años trabajando en un ámbito totalmente distinto. No sé qué nos deparará el futuro, pero de una forma u otra saldremos adelante.

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«Color Exercise» de Jaime Sancorlo. Óleo sobre lienzo. 2020

¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

No soy muy bueno haciendo pronósticos, pero supongo que a la larga la sociedad no cambiará mucho. A corto plazo sí creo que, inevitablemente, cambiará el modo de relacionarse, evitando el trato cercano y el contacto físico entre la gente debido al distanciamiento social por el miedo al contagio.

Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

La verdad es que es difícil sacar alguna lectura positiva de la crisis. Sin entrar en detalles, las cifras son escalofriantes y la incertidumbre total. Por mencionar algo positivo, parece que la contaminación se ha reducido en las ciudades notablemente durante el confinamiento.

¿Debe ser el arte que nos rodea más transgresor de lo que aparenta?

No creo que el arte deba ser nada más que arte. Que sea capaz de emocionar al espectador, que sea capaz de emocionarse con él.

“el simple hecho de dedicarme a pintar ya es un gran cambio después de llevar años trabajando en un ámbito totalmente distinto”

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

Mis referentes son muchísimos, por citar algunos grandes: El Bosco, Durero, Velázquez, Rivera, Rembrandt, Repin, Meissonier, Degas, Sorolla, Dalmau, Rockwell, Wyeth, Lucian Freud…. Y tantísimos otros. De toda la pintura que veo en vivo siempre extraigo algo que me enriquece.

Jaime Sancorlo artista Ineditad

Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?

Alejandro Carpintero, del que me fascina la frescura de su pintura y el uso que hace del color.

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

La situación actual es bastante complicada para todos, hay que moverse mucho y trabajar duro además de tener “un poco” de suerte.

Sobre el mercado del arte, pues que se comporta de manera irracional y totalmente subjetiva.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

“El Jardín de las delicias “de ‘El Bosco’. Siempre me ha fascinado y tuve una reproducción colgada de la pared de mi habitación de casa de mis padres desde que visité El Prado por primera vez.

El Jardín de las Delicias. El Bosco. Museo Nacional del Prado
Tríptico del Jardín de las Delicias pintado por El Bosco entre 1490 y 1500. Museo Nacional del Prado


¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿Tienes alguna de cabecera?

Reconozco que no soy muy activo ni experto en redes sociales, cosa que tengo pendiente de potenciar y mejorar. La que utilizo básicamente es Instagram, creo que a día de hoy es una herramienta indispensable para compartir tu trabajo, para descubrir otros artistas y ver lo que están haciendo. Me sirve para estar al día de exposiciones, concursos, etc. Pero sobre todo valoro mucho la inmediatez de la comunicación directa con gente de cualquier lugar del mundo que aprecia lo que haces.

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«Deflation». Obra de Jaime Sancorlo disponible en nuestra galería. Óleo sobre lienzo. 2020

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

9º Sinfonía de Beethoven.

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

Como madrileño no puedo dejar de decir El Prado, que es el que más veces he visitado. Pero el año pasado tuve ocasión de visitar el MET de Nueva York y me pareció una experiencia increíble. Una maravilla el poder disfrutar de tantas y tan dispares expresiones artísticas, estilos y épocas distintas en un mismo lugar.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

El hombre en busca de sentido” de Viktor Franckl.

¿La botella medio llena o medio vacía?

Medio llena siempre, creo que una actitud positiva es siempre mejor para afrontar la vida.

pinturas al óleo
«The Offensive». Jaime Sancorlo. Óleo sobre lienzo. 2020

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

No me veo legitimado a dar consejos, yo mismo estoy empezando y lo que me intento aplicar es trabajo, constancia y disfrutar con ello.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Para mí la meta es seguir pintando.

¿El futuro es…?   

Un lienzo en blanco.

Jaime Sancorlo entrevista Ineditad Glaría

Poder vivir del arte es algo desgraciadamente muy excepcional. Arriesgarlo todo para hacer realidad tu vocación es algo que sólo se puede llevar a cabo con valentía, esfuerzo y tesón. Jaime Sancorlo ha sabido apostar por su talento y desde Inéditad celebramos enormemente poder contar con él en nuestro proyecto galerístico.

Nacho Hernandez entrevista Ineditad Galería

Nacho Hernández Álvarez. «La situación de los artistas emergentes en nuestro país es muy precaria»

El arte contemporáneo vive momentos de incertidumbre. Con esta afirmación no nos estamos refiriendo a la falta de creatividad o del buen hacer de los artistas, sino a una situación que por estar supeditada a la mercantilización masiva o a un ‘todo vale’ como arte, se le suma además una crisis económica y social sin precedentes.

A pesar de que el arte actual afronta un tiempo complejo, los auténticos artistas siguen amando lo que hacen. Viven y sienten su vocación.

Nacho Hernández Álvarez (Valladolid, 1975) es un buen ejemplo de ello. Un creador nato que no deja indiferente a nadie. Sus pinturas al óleo son capaces de desnudar (y desfigurar) a un personaje tan polémico como Hitler. Sus obras defienden la libertad de expresión rechazando cualquier atisbo de censura, como son sus trabajos Yerma, o la imposibilidad de ser madre o El Abrazo.

Ahora somos nosotros quienes proponemos a este artista Inéditad que se desnude, emocional y profesionalmente. En esta entrevista buscamos conocer su lado más personal, saber más sobre su trayectoria y comprender cómo trabaja dos de sus principales obsesiones: el sexo y la religión.

Nacho Hernández Álvarez entrevistado por Ineditad
Nacho Hernández Álvarez en su taller de Barcelona. Foto: Lucas Amillano para Inéditad

Nacho, ¿qué aprendiste a nivel personal e incluso profesional de las semanas de confinamiento?

Capacidad de soñar como tabla de salvación a nuestros miedos. Revisitar los clásicos de los catálogos de mi biblioteca para reinventarme con ellos; contemporizándolos, reinterpretándolos.

¿Qué acciones llevaste a cabo para conseguir que los días de encierro se te hicieran menos duros?

Dibujar proyectos propios y abocetar pinturas clásicas para inspirarme en cuadros futuros ya que tengo más tiempo para estudiarlos con más detenimiento. Leer y ver buen cine. Aunque nací en León, desde los 3 años me eduqué en Valladolid, el amor al cine y la cinefilia me viene de la SEMINCI. El cine es también inspirador.

Entrevista Nacho Hernández Álvarez
Tríptico «Yerma o la imposibilidad de ser madre». Foto: Lucas Amillano para Inéditad

Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Ante todo, más que nunca hacernos oír. La cultura hace libre a los hombres y hay que cuidarla más que nunca. Hacer más colectivas e incluso trabajar en proyectos comunes.

Se habla mucho en estos momentos del término ‘reinventarse’ como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

La reinvención existe desde siempre. Para mí la mejor estrategia es establecer diálogos con todos aquellos artistas que más nos interesan, analizar mejor su obra, ya que tenemos más tiempo estos días y crear a partir de ello hasta conseguir un distanciamiento y ser nosotros. Trabajar sobre algo ya propio.

“la mejor estrategia es establecer diálogos con todos aquellos artistas que más nos interesan”

¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

Soy bastante fatalista en este aspecto. Creo que esto será una jauría humana. El ser humano olvida rápido, quizá se haga más egoísta.

Nacho Hernández Álvarez entrevista para Inéditad Galería
Nacho Hernández Álvarez. Foto: Lucas Amillano para Inéditad

Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

Quizá aprender a conocernos más a nosotros mismos. Saber quiénes somos realmente y hacia dónde queremos ir, ya que estos días convivimos en nuestro propio ecosistema.

Nacho, ¿cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

Las ideas o conceptos que me provocan cierta obsesión son el sexo y la religión. Me gustaría encontrar un vínculo entre ambos y generar imágenes clásicas confundiéndolas entre ellas. También me interesan todos aquellos aspectos relacionados con los “freaks”, la deformidad y la confusión de identidad. “PERSONA” de Ingmar Bergman es uno de mis referentes.

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

Todo aquello que me genere amor y deseo es mi musa y por supuesto la figura de Cristo.

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«El Abrazo» de Nacho Hernández Álvarez. Obra disponible en nuestra galería online.

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

La situación de los artistas emergentes en nuestro país es muy precaria, en tanto que yo con 45 años sigo siéndolo, viéndome obligado a trabajar en algo ajeno al arte para poder vivir. Y una actividad me dificulta ejecutar más rápido mis trabajos al no disponer de todo mi tiempo.

En cuanto al mercado del arte actual, mientras esté manejado por prensa sensacionalista y por gente adinerada que les preocupa más que la obra les combine con el salón de sus casas…no me interesa nada.

“La situación de los artistas emergentes en nuestro país es muy precaria, en tanto que yo con 45 años sigo siéndolo”

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

“El descendimiento de la Cruz” de Rogier van der Weyden, por toda la carga espiritual y esencia de la pintura. Porque me transmite quietud y serenidad.

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿Tienes alguna de cabecera?

No me manejo mucho en ellas. Sigo siendo bastante analógico. Si suelo consultar con cierta frecuencia la página de cine “Cine Maldito”.

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

Soy melómano y me interesa mucho la música, especialmente la clásica y el Black metal. Pero como he de responder una, cualquiera de las de Nick Cave…”Red right hand” por ejemplo.

Nacho Hernádez Álvarez con obras disponibles en Ineditad Galería
Nacho Hernández Álvarez posa con el tríptico «Hitler, la sexualidad como castigo». Foto: Lucas Amillano para Inéditad

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

El Prado. Están la mayoría de los grandes y concretamente uno de mis favoritos: Ribera.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

Sin lugar a dudas, el Quijote.

¿La botella medio llena o medio vacía?

Medio vacía, hay que vivir.

Artistas Ineditad
Nacho Hernández Álvarez. Foto: Lucas Amillano para Inéditad

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

No renunciar jamás. Uno deja de ser artista cuando renuncia a ello.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

A que mi arte absorbiera mi vida. Sólo trabajar para expresarme, sin necesidad de recurrir a otros trabajos para vivir. Me conformo con vivir humildemente, pero sólo del arte.

Hasta donde llegue está por definir. El artista y el arte es un Gregor Samsa, es “Metamorfosis” es Kafka.

“Me conformo con vivir humildemente, pero sólo del arte”

¿El futuro es…?

Contradicción.

Entrevistas de Ineditad Galeria
Nacho Hernández y Luis López, director de Inéditad Galería. Foto: Lucas Amillano

Nacho Hernández Álvarez (Valladolid, 1975) se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Residiendo actualmente en Barcelona, su disruptiva obra se sostiene en dos pilares que él mismo confiesa que le obsesionan: el sexo y la religión. A través de ellos denuncia aspectos como la censura, la discriminación y la búsqueda de identidad. Tal y como el mismo afirma. “Sólo existe transgresión en lo oculto, en lo que no se ve.”

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Raúl Álvarez: «en lo único que pienso es en trabajar y mejorar como artista»

Es posible que con tan sólo seis meses de recorrido sea muy pretencioso por nuestra parte pensar que Inéditad pueda estar entre las mejores galerías de arte online. Por eso nos alegramos mucho cuando expertos en la materia, como es el caso de Toni Torrecillas, nos incluye a través de la revista AD entre las 10 TIENDASONLINE donde comprar buen ARTE (a un precio fantástico).

Convertirnos en un espacio que sea de referencia para la divulgación y compra de arte contemporáneo es sin duda uno de nuestros objetivos, y a pesar de las actuales circunstancias no cesamos en nuestro empeño para alcanzarlo.

Sin embargo, dicho esfuerzo carecería de sentido sino fuera por el talento de todos los artistas que nos acompañan en esta andadura. Y hoy queremos poner el foco en uno de ellos. Raúl Álvarez (Madrid, 1982) es un pintor que tiene la habilidad de conseguir el efecto “wow” en cada uno de sus trabajos. Amante del agua, es precisamente la magistral técnica que emplea para reproducir su universo acuático lo que le hace un artista fuera de lo común. Hoy en este post le ponemos el micrófono delante (metafóricamente hablando) para que le conozcáis un poco mejor y os dejéis también seducir por su magnífica obra:

Entrevista a Raúl Álvarez Jiménez

– Hablando de tus trabajos Raúl, ¿cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

Mi obra siempre ha girado hasta ahora alrededor de la figura humana en conexión con elagua, intento que haga reflexionar y que transmita sentimientos o sensaciones que nos son comunes a todos. Momentos relajantes y de disfrute en entornos de agua.

Utilizar el agua como nexo en todas mis series me ayuda y creo que hace más atractivo el tema del que quiero hablar. Me gusta usar algún tipo de simbolismo en mi obra para hacer pensar un poco.

Últimamente mi obra tiene una vertiente más crítica y ecológica.

Por medio de un oxímoron quiero hablar de la situación hacia la que nos dirigimos si no le ponemos remedio de una manera real y eficiente. Lógicamente es una exageración y algo irreal, pero busca una imagen que impactara mucho visualmente y fuese atractiva y es el proyecto en el que estoy trabajando ahora “Burning Ice”.

También habrá serie o temas en los que no aparezca el agua, tengo muchas ideas y aunque algunas se quedan en el “cajón” y no salen adelante otras tengo claro que tengo que hacerlas o retomarlas.

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

Pufff ¡muchos! ¡Las referencias son inevitables! Desde los clásicos: Velázquez, Sorolla, Rembrant, Caravaggio, Miguel Ángel, Leonardo, Dalí, Monet … ¡infinidad! Me dejo a muchos, hasta muchos contemporáneos. Los que tengo más cerca y con los que tengo más relación es de los que más aprendo y en los que más te fijas.

Últimamente estoy encontrando una gran fuente de inspiración en la música, cosa que no me había pasado nunca.

pintura óleo
«Deep Blue Sea IX». Óleo sobre madera (2020)

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

El mundo del Arte siempre ha sido un mundo complejo y difícil. Actualmente lo era y creo que después de la crisis del Covid-19 las cosas se van a poner bastante cuesta arriba para todos no solo para los artistas.

La ventaja que podemos tener nosotros es que siempre estamos remando contra la adversidad y nuestra capacidad de resiliencia es muy alta, así que seguiremos haciendo nuestro oficio y lo que creemos pase lo que pase y saldremos adelante mejor o peor durante una temporada.

Esto también va a afectar al mundo del arte y creo que va a tener que reinventarse y entre artistas, galeristas, comisarios, etc remar todos juntos e intentar dar oportunidades y visibilidad a muchos artistas que tal vez no las teníamos para poder abrir horizontes y llegar a más público.

Yo desde luego hasta ahora no me puedo quejar, pero creo cuantas más vías de apoyo consigamos los artistas más sencillo será para todos. También desde las instituciones, empresas públicas o privadas se puede hacer más.

El arte siempre ha sido necesario y lo seguirá siendo somos trabajadores como cualquier otro y aportamos un bien cultural para la sociedad, es importante quitarnos ese estigma de vivir precariamente continuamente.

– Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?

Pues me gustaría hacer una obra con muchos/as artistas que conozco y sin menospreciar a ninguno/a si solo pudiera elegir a uno seria a Roberto González Fernández. Es un gran referente para mí, tanto artísticamente a como se debe comportar un artista y una de las mejores personas que he conocido en mi vida, tengo una relación muy especial con él, es como un “padre” artístico para mí y tiene una humildad y una humanidad brutales.

Tuve la suerte de exponer con él y eso ya fue un antes y un después para mí. ¡Y espero que no sea la última!

cuadros para decorar
«Tropical». Óleo sobre lienzo (2018)

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

Sería más fácil que yo me fuera a vivir a un museo jajajajajajajaja.

No podría decirte solo una, tengo muchas favoritas.

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

Hoy en día son una herramienta fundamental para dar o conocer nuestro trabajo a nivel global, cosa que hace unos años era imposible e impensable.

Mi red social de referencia es Instagram, es muy directa y muy versátil para mostrar tu trabajo, es muy fácil que tu trabajo llegue a mucha gente, lo puedan compartir o se pongan en contacto contigo.

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

The pretender” de Foo Fighters, muchas veces me la pongo en bucle en mi estudio.

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«Under the Sea». Acrílico sobre lienzo (2013)

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

El Prado sin duda. Por todo, no sabría decirte una sola razón, es todo el conjunto y un orgullo tener un museo así en nuestro país y en la ciudad de donde soy.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

“La agonía y el éxtasis” de Irving Stone. Relata la vida de Miguel Ángel y describe muy bien la vida y las luchas del artista consigo mismo y con su entorno, a mí me encantó.

¿La botella medio llena o medio vacía?

Siempre medio llena. Soy optimista por naturaleza.

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«Poseidón XXXII». Óleo sobre madera (2020)

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Que crean en ellos mismos y en su trabajo. Y que sean perseverantes y muy muy muy trabajadores, esto es una carrera de fondo y da muchas vueltas, hay que tener constancia y estar ahí para cuando lleguen las oportunidades, unas saldrán mejor y otras peor, pero de todas se aprende. Lo importante es estar.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Pues la verdad es que no es algo que piense mucho. Este es un camino tan largo y tan incierto que en lo único que pienso es en trabajar y mejorar como artista en todos los aspectos, la gente más veterana me dice que voy muy bien y me aconsejan bien, por lo que procuro hacerles caso y seguir a mi instinto.

Trabajo, constancia y humildad ya veremos donde me llevan.

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Con más de 25 exposiciones individuales desde el año 2009, Raúl Álvarez sigue cosechando premios y reconocimientos entre los que destacan el Jackson´s Open Art Prize (Londres) en el que quedó finalista en el año 2016 o el XXIII Certamen Nacional de pintura Ciudad de Antequera (Málaga) en el que fue seleccionado en el 2019. Su obra ha estado presente en ferias como Room Art Fair (Madrid, 2014); We are fair! (Madrid, 2017) o Keyhole Art (Málaga, 2019).

Dresu pintura de paisaje

Dresu: comprar arte online en forma de paisaje.

Comprar arte online debe convertirse en una forma habitual de adquirir un trabajo artístico de cualquier disciplina. Al margen de pandemias que intenten sabotear iniciativas emprendedoras como la nuestra, desde el momento en el que Inéditad empezó a dar sus primeros pasos el pasado mes de enero, hemos apostado claramente por un modelo de negocio que coloca al arte online al mismo nivel que el offline.

En este sentido, las propuestas que procuramos ofrecer llevan la firma de artistas que destilan originalidad, autenticidad y creatividad. Y eso es precisamente lo que pensamos cuando el protagonista de nuestra nueva entrevista nos contactó por Instagram.

Una pintura de paisaje distinta a la que habíamos visto hasta ahora. El lenguaje visual con el que este artista nacido en Pedro Muñoz (Ciudad Real) reinterpreta las escenas que contempla en sus viajes es prácticamente mágico. Un estilo que refleja contemporaneidad, belleza y singularidad.  Como amantes que somos de lo diferente, no dudamos en absoluto en incorporar su talento a nuestro proyecto.

Hoy nos gustaría compartir con vosotros lo que esta aprendiendo en estos momentos tan extraños; el mensaje que lanza a través de sus obras; cuáles son sus musas y referentes y por supuesto, la opinión que le merece el actual mercado del arte. ¡Te presentamos a Dresu en primera persona!

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– Dresu, ¿qué has aprendido a nivel personal e incluso profesional durante las semanas de confinamiento?

A nivel personal he aprendido a ser mucho más paciente conmigo mismo, soy un culo inquieto y siempre estoy pidiendo más horas al día. Me ha venido muy bien el parar, pensar qué cosas mejorar y en cuales otras voy por el buen camino. Profesionalmente no sabría diferenciar, ya que pienso que el pintor es pintor las 24h del día lo quieras o no, pero ha sido muy productivo a la hora de depurar, sintetizar y darle forma a todos esos conceptos que uno tiene en la cabeza.

– ¿Qué acciones llevaste a cabo para conseguir que esos días de encierro se te hicieran menos duros?

Yo intento seguir la misma rutina diaria, llevar un cierto horario de trabajo, comidas, deporte, ocio y demás… aprovechando y exprimiendo el día para intentar que no existan horas vacías.

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«Albufera». Técnica mixta sobre lienzo (2020)

– Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Personalmente creo que el apoyo colectivo en el arte siempre es necesario y más aún en esta etapa. Uno se hace más culto mostrando sus conocimientos y absorbiendo conocimientos de los demás.

Para mí, es una profesión en la cual no existe competencia, es un trabajo muy diferente a cualquier otro y por ello, somos los primeros que debemos apoyarnos entre nosotros mismos para poder entendernos y sobre todo seguir adelante profesionalmente.

– Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

Todos los artistas y creadores viven reinventándose, adaptándose al medio y a las necesidades. Uno tiene que hacer lo que siente en cada momento y sobre todo contar su verdad.

No creo que haya que reinventarse, únicamente pienso que hay que dar más caña a nuestra visibilidad en redes, venta online y demás, pero tarde o temprano volverán las exposiciones, eventos…

Tenemos la “fortuna” de poder trabajar desde casa… es hora de aprovechar al máximo los días, crear contenido y de sacar un mejor resultado.

Currar, currar y currar.

– ¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

Solo espero que la gente tome consciencia de la importancia que tiene todo lo que nos rodea, respete el medio, seamos más solidarios, intentemos hacer mejor las cosas y no tomarse la vida como un partido de fútbol (pero no estoy muy seguro de ello).

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«Humedal». Técnica mixta sobre lienzo (2020)

– Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

Pues ante todo, creo que hemos tenido que pegarnos la hostia para darnos cuenta de que debemos ser más humanos por encima de cualquier cosa.

– Hablando de tus trabajos, ¿cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

Dependiendo de la obra… pero sí que todas mis obras tienen una vivencia, una verdad y un por qué. El mensaje y el concepto es algo que trabajo muchísimo y la mayoría de las veces es lo que más cuesta realizar.

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

Mi musa sin duda es el viaje. Descubrir diferentes lugares, cultura, respirar y observar la naturaleza para mí es algo que me remueve por dentro y me hace reflexionar y hacerme muchas preguntas.

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Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

Pues sinceramente creo que en nuestro país se habla de artistas “emergentes” cuando ya precisamente emergentes no lo son, y eso pienso que es una falta de respeto para ellos y para los demás.

Creo que se debería apoyar muchísimo más a la gente joven y a los artistas que se dejan la vida por ello. Pienso que en general el mercado del arte está infectado por intereses más que por gustos personales y es algo que nunca llegaré a entender. 

– Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?

Creo que depende del día te respondería de una manera u otra… cualquier artistazo de los grandes de nuestra historia hubiese sido genial, pero por decirte alguno actual y por su manera de entender el arte, el paisaje y la naturaleza, me gusta muchísimo la cabeza de Rubén Martin de Lucas.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

Sin dudarlo colgaría el Guernica, por lo que representa, y por hacer bello y crítico algo tan visceral.

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

Es la carta de presentación de los creadores de hoy en día y son muy necesarias para el futuro.

Una ventaja muy grande para estar al día de movimientos artísticos, de trabajo de otros artistas y de poder mostrar tu obra a cualquier parte del mundo en cualquier momento.

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«La Mancha». Técnica mixta sobre lienzo (2020)

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

Esta es otra de las preguntas que según el día podría contestarte de una manera u otra. De normal me gusta mucho el silencio y suelo trabajar mucho sin música, sobre todo cuando pinto al aire libre.

Hoy me apetece decirte Jammin de Bob Marley.

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

El Museo Del Prado porque es de esos museos donde de verdad te sientes desbordado gratamente.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

Obviamente El Principito, tanto niños, y sobre todo adultos.

¿La botella medio llena o medio vacía?

Medio llena siempre y sin tapón.

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«Perdido en ruta». Técnica mixta sobre lienzo (2020)

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Que siempre cuenten su verdad, que estén preparados para caerse y levantarse día tras día, pero que disfruten muchísimo de los pequeños éxitos personales.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Dar la vuelta al mundo y poder pintarlo TODO.

¿El futuro es…? 

HOY.

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Conocido como Dresu, Francisco José Girón Polo (Pedro Muñoz, Ciudad Real, 1992) se inició artísticamente en el mundo del graffiti y del arte urbano. Su trayectoria viene avalada por los más de cien premios y selecciones multidisciplinares que ha conseguido a nivel nacional e internacional. Principalmente su obra está inspirada en lo que descubre en sus viajes, reinterpretando aquello que observa mediante un estilo situado entre la figuración y la abstracción.

Entrevista a Fernando Romero

Fernando Romero.»Lo que hago ahora es centrarme en el presente.»

Hace tiempo que sigo el trabajo de este artista que hoy centra la atención de este post. Mucho antes incluso de que Inéditad se transformara en una galería de arte online, su estilo y su técnica pictórica ya eran mi debilidad cuando me cruzaba con sus obras en Instagram.

Con él se volvió a hacer realidad una de mis expresiones favoritas: “arthunter”. No tenía ninguna duda que en el momento en el que este proyecto cobrara vida, él tenía que formar parte de él. Y tuve suerte, por que su talento se dejó cazar.

Construir un escenario donde comprar arte online no es sencillo, especialmente cuando aún este modelo se ve con cierta reticencia incluso por una parte importante del propio sector. Por este motivo, conseguir rodearse de propuestas de gran nivel como las que nos ofrece este artista barcelonés es simplemente una satisfacción (personal y profesional).

En esta entrevista quiero que os dejéis seducir por su filosofía de vida, por su inspiración artística y por su reinvención constante. Un nuevo artista Inéditad al que “desnudamos” al completo. Bienvenid@s a la prometedora genialidad de Fernando Romero:

Inéditad entrevista a Fernando Romero
Foto: Lucas Amillano para Inéditad

-Fer, ¿qué has aprendido a nivel personal e incluso profesional de estas semanas de confinamiento?

Estoy aprendiendo a adaptarme a la situación: no sólo vivo de la pintura, y como no puedo ejercer mi otra actividad profesional, lo que estoy haciendo es pintar, pintar y pintar. Aprovechando la situación dedico la mayoría del tiempo a la pintura, que espero que sea parte del colchón donde se apoyará mi (sufrida) economía cuando volvamos a la normalidad.

– ¿Qué acciones has llevado a cabo para conseguir que estos días de encierro se te hayan hecho menos duros?

Además de pintar intento hacer todo tipo de actividades: deporte, he retomado mi estudio del alemán, leo, escucho música, miro películas… la clave está en tener horarios y disciplina para seguirlos.

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«Sunflowers». Óleo sobre lienzo. 2020.

– Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Como decía antes: crear, crear y crear. Eso a nivel artístico. A nivel gubernamental los políticos deberían ayudar al sector, pero desgraciadamente esa no es nuestra decisión.

– Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

Yo me estoy «reinventando» porque lo que estoy haciendo en casa no lo hacía antes. Estoy trabajando solamente con óleos y en formatos más pequeños. En definitiva, usando y disfrutando de lo que más tenemos ahora y que es algo que a veces nos falta a los artistas: el tiempo.

– ¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

Sinceramente no lo sé…

Entrevista a Fernando Romero
Foto: Lucas Amillano para Inéditad

– Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

Como resumen de lo que ya he dicho, estoy buscando lo positivo de esta situación: ahora tengo más tiempo que nunca, puedo dedicar toda mi energía a lo que más me gusta, y además estoy buscando nuevas formas de expresar lo que pinto y cómo lo pinto. A pesar de que no sé qué pasará en el futuro y ya temiendo en cómo esta situación nos afectará a todos, lo que hago ahora es centrarme en el presente.

– Hablando de tus trabajos, ¿cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

Más que un mensaje lo que intento transmitir es un estado emocional. Quiero que mi obra haga preguntas, provoque dudas, cree empatía, o incluso que genere angustia. Quiero que quien mire mis obras tenga de necesidad de dejar todo lo que esté haciendo y dedique un (largo) momento a experimentar lo que está viendo.

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

Mis musas es todo aquello que llame mi atención y me emocione, puede ser una mirada que acaricia, unas manos que hablan o una lengua que se insinúa. En cuanto a referentes, son muchos y muy variados los artistas que me gustan: Velázquez y su tenebrismo, la ingenuidad de Klimt, el misticismo de Rothko… ¿Cuál es el punto en común de todos?  La emoción que me provocan sus obras.

Pintura al óleo de Fernando Romero
«Rojo». Acrílico y óleo sobre lienzo. 2018.

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

La situación en nuestro país es pésima para artistas emergentes porque el mercado del arte es muy limitado aquí. Para mí el problema es cultural, en este país la gente no gasta dinero en arte, prefiere gastar dinero en un buen coche o una televisión más grande. En este sentido la educación es fundamental, se debería inculcar desde niños el (nunca mejor dicho) “amor al arte”.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

“El beso” de Klimt, pero diría cualquiera de sus obras, porque es el único artista que me ha hecho llorar en un museo.

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«Bye Corona». Óleo sobre lienzo. 2020

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

Mi opinión es muy buena porque es un escaparate prefecto para cualquier artista. Instagram es la única que utilizo.

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

“Il cielo in una stanza” de Mina.

El arte de Fernando Romero
Foto: Lucas Amillano para Inéditad

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

Belvedere en Viena, por Klimt.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

La Biblia. Es broma. “Brave New World” de Aldous Huxley.

¿La botella medio llena o medio vacía? Llenándose.

La Sonrisa de Fernando Romero
«La Sonrisa». Acrílico sobre lienzo. 2020.

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Sigue e insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste…

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Hasta poder dedicarme 100% al arte.

¿El futuro es…?  Fe.

Entrevista a Fernando Romero
Foto: Lucas Amillano para Inéditad

Fernando Romero (Barcelona, 1980) inició su formación artística hace 10 años en Da Vinci Escuela de Arte (Barcelona) donde comenzó a tomar contacto con la pintura al óleo y el estudio de las naturalezas muertas. También en este momento se inició en el perfeccionamiento del modelo desnudo.  Posteriormente en Núria Duran Taller d’Art de Barcelona empezó a experimentar tanto con la pintura acrílica como con las técnicas mixtas, collages y grabados.

Sus obras han logrado ser finalistas en varios concursos como la XXX Edición de Pintura Sanviens (2016) o el Premio Vila Casas en el Museo Can Framis en el mismo año.

Siempre firma sus trabajos como Fe.

Abel Carrillo ilustrador digital

Abel Carrillo. «Espero que podamos sentirnos orgullosos de este cambio de chip.»

La primera vez que entré en contacto con la obra de este artista murciano residente en Madrid fue con motivo de “Asfixia”, un proyecto que realizó para una edición de Hybrid Festival en septiembre del 2018.

Quedé realmente impresionado no sólo por la delicada ejecución de su trabajo, sino por su capacidad de lanzar mensajes verdaderamente reivindicativos a través de la simbología y de la metáfora.

Siempre he defendido la idea de que el arte puede resultar una herramienta de denuncia social muy poderosa. Una herramienta que merece ser difundida. La obra de Abel Carrillo (Murcia, 1992) es un alegato en contra de los roles binarios y de una sociedad anacrónica que durante siglos se ha sustentado en la cultura del heteropatriarcado. Por todo ello, en el momento en el que Inéditad empezaba a gestarse como galería de arte online no dudé un instante en proponerle que se incorporara al proyecto.

Precisamente comprar arte online supone todavía todo un reto en nuestro país. Su mercado aún no está habituado a esta tendencia. Sin embargo, artistas tan vanguardistas como Abel han sabido adaptarse sin duda a los nuevos tiempos. No en vano, es además todo un prodigio en el manejo de la pintura digital.

Hoy queremos que conozcáis a la persona que vive bajo la piel del ilustrador. Sus temores, sus ideales, sus propósitos de futuro. En un momento en el que el término incierto es uno de los más utilizados, nos gustaría trasladaros el punto de vista de un prometedor artista como es Abel Carrillo. Ésta es su entrevista.

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-Abel, ¿qué estás aprendiendo a nivel personal e incluso profesional de estas semanas de confinamiento?

Una de ellas que echo mucho de menos a mi familia, llevo dos meses sin verlos y no pude bajar ni en Semana Santa. Tengo un sobrino pequeño y me muero de ganas de morderle los mofletes. Otra es que tenemos que ser flexibles a la hora de trabajar y afrontar las cosas. Por último, que tenemos que dedicarnos más tiempo a nosotros mismos.

– ¿Qué acciones has llevado a cabo para conseguir que estos días de encierro se te hayan hecho menos duros?

Pues hay momentos que se hace duro porque soy muy de estar en la calle que si de exposiciones, en terrazas tomando una sidrita con los amigos, en el teatro, en el césped de Madrid Rio… Pero en realidad no paro ni un momento, no tengo tiempo para aburrirme. Trabajo, hago deporte con mis compis en el salón, maratón de pelis, empezar un libro nuevo, pintar, cocinar rico ya que cuando iba a la oficina no tenía tiempo para cocinarme… Las videollamadas que le ha dado muy fuerte a la gente con esto jaja.

arte reivindicativo
«Cinco». Pintura digital sobre papel Hahnemühle Bright White 310g. 2019.

– Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Aprovecharlo para terminar esas cosas que dejamos a medio o afrontar un nuevo proyecto que nos motive.

– Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

Reinventarse siempre es bueno para uno mismo, todo lo que sea aprender cosas nuevas, sacar tu creatividad y curiosidad de diferentes maneras es vida. Yo además de estar teletrabajando entre semana, los findes me estoy haciendo un curso online.

– ¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

Muy a mi pesar creo que cambiará, sobre todo la hora de relacionarse con la gente. Yo soy muy sobón con mis mejores amigos y mi familia, no me gustaría perder eso por el miedo, pero seguro que cambia bastante. Pero una cosa que si espero es que la gente sea consciente de como estábamos contaminando y le hemos dado un respiro al planeta, que siga siendo así y podamos estar orgullosos de ese cambio de chip.

– Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

Soy consciente de lo mal que lo está pasando mucha gente, gente cercana se ha quedado sin trabajo o ha perdido algún familiar y es muy duro no poder estar con ellos en estos momentos, pero tenemos que ser positivos y ver las cosas buenas que sacar de esto, malas hay muchas, todo el día vivimos un bombardeo en las noticias y redes sociales… Apartarnos un poco de eso viene genial para despejar la mente y enfocarnos en nosotros. Yo estoy sacando mucho tiempo (que esto te alegra mucho Luis) para pintar y crear obra nueva, siempre estaba con el mantra de no tengo tiempo, no tengo tiempo… pues ahora toca exprimirlo al máximo.

– Hablando de tus trabajos, ¿cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

Pues infinidad de mensajes, con cada obra pretendo transmitir uno. A veces lo que me motiva a crear una obra es una vivencia personal o un simple comentario que escucho a mi alrededor que se me queda clavado y necesito sacarlo a mi manera. Como manera de hacer reflexionar a la gente y a mí mismo. Si te fijas en la mayoría de mis obras hay una gran carga de simbolismo ya sea con objetos, posiciones, números o símbolos que potencian ese mensaje. Pero sobre todo creo que la Tolerancia y la libertad de uno mismo es en lo que más abundo últimamente.

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

En realidad, referentes tenemos continuamente en todo lo que nos rodea, ya sea artistas que seguimos en Instagram, un cartel en la calle o una prenda en una tienda de ropa. Estamos expuestos a estímulos visuales por todas partes, pero algunos artistas que me encantan son Matthieu Bourel, Edoardo de Falchi, Harold Diaz, Susana Blasco, Charles Wilkin, Lola Dupré, Simon Casson estos son sobre todo relacionados con collage y míticos como David Hockney, Dalí, René Magritte, Edward Hopper.

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«Evagrio». Pintura Digital sobre papel Hahnemühle Bright White 310g. 2020.

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

Pfff… Es bastante complicado el panorama que tenemos, conozco muy poquitos artistas que puedan vivir únicamente del arte, yo por ejemplo tengo mi trabajo como director de arte/diseñador que doy gracias de poder trabajar en lo que me gusta, pero “mis obras” las tengo que hacer en el poco tiempo libre que tengo. Fuera de eso cuando quieres que el mundo vea tus creaciones, hay que trabajar muy duro y hacerse un pequeño hueco para sobrevivir, en cuanto a las ventas mucha gente intenta aprovecharse e infravaloran el trabajo, pero luego encuentras gente maravillosa que realmente valora tu obra, y eso motiva a seguir haciendo lo que te apasiona.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

“Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar”, de Dalí, siempre ha sido un cuadro que me ha gustado mucho, así que supongo que ese lo tendría en mi humilde salón.

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

Pues tengo un amor odio constante, son buenísimas para ciertas cosas, pero también deshumanizan a gente que vive para y por las redes sociales, como en un mundo paralelo.

Yo uso sobre todo Instagram y sí que me ayuda a conectar con otros artistas y diseñadores de todo el mundo.

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

Pff… difícil respuesta, varia muchísimo según mi estado de ánimo. Lo mismo me pongo a (The Blaze, Nick Murphy, Metronomy o Polo&Pan) que pongo algo más suave como (ALT-J, Lana del Rey, Sufjan Stevens) te hago un repertorio de (Etta James, Aretha y Nina Simone) o una poquita de indie español.

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¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

Por ahora va ganando la famosa Tate Modern de Londres. Flipe mucho con ese museo y tiene exposiciones buenísimas, pero lo dicho, de momento ya que pienso viajar mucho mucho y visitar todos los museos que pueda.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

Los renglones torcidos de Dios, es una novela psicológica que me pillo en un momento de mi vida agitado y ayudó a olvidarme de nuestras tonterías del primer mundo.

¿La botella medio llena o medio vacía?

Haya poca o mucha yo me la bebo, jaja.

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«Nueve». Pintura digital sobre papel Hahnemühle Bright White 310 g. 2020.

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Mi consejo es que hagan lo que realmente les gusta y busquen su propio estilo en el que se sienten cómodos sin guiarse por las tendencias ni lo que te dicte alguien.

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Hasta donde me dejen jaja. Me gustaría que mi arte llegue a mucha gente y poder transmitir todo lo que tengo dentro.

¿El futuro es…? 

Incierto, pero ilusionante a la vez.

Abel Carrillo

Con experiencia laboral en Germinal Comunicación (Murcia), Abel Carrillo es director de arte, diseñador y artista. Ha estado detrás de proyectos como “Pastillas contra el dolor ajeno”; y en Wonton Design (Madrid) a cargo de trabajos de branding para compañías tan destacables como “Écija”.

Actualmente forma parte del laboratorio creativo de Equipo SOPA especializado en transformar ideas en imágenes, como el diseño de las películas “Carmina o revienta”, “Carmina y Amén” o “KIKI. El amor se hace”, además del de las series de Movistar+ “La Peste”,“Justo antes de cristo” o “ARDE madrid”,entre otras.

Como artista, su obra ha sido expuesta en más de nuevo ocasiones desde el año 2014.