Entre el 9 y el 16 de octubre de 2025 va a celebrarse la 8ª edición de Kronos Art Bcn, el cual estrena sede en el espacio de Utopia 46, en el Carrer Sant Pere Més Alt 46 en Barcelona.
¿Qué es Kronos Art Bcn?
Kronos Art Bcn es un festival internacional de arte contemporáneo que busca además de su faceta artística, generar reflexión actuando socialmente y sirviendo, a su vez, de plataforma para artistas tanto emergentes como consagrados.
Parte de los beneficios obtenidos con la venta de las obras durante el festival irá destinado a ONG’s e iniciativas de apoyo social.
Irene Pérez junto a su obra «El juego del futuro», participante en Kronos Art Bcn 2025
Su eje temático central girará nuevamente entorno al concepto del Tiempo, contextualizando las obras propuestas en “Pasado”; “Presente” y “Futuro”.
La programación de este año recogerá trabajos en pintura, fotografía, instalaciones, videoarte y performance, realizados por más de 25 artistas como Carlos Spogo, Eva Alonso, David Moreno, Laia Nuñez entre otros.
Inéditad Gallery colabora en esta edición con las obras de los artistas Alex Domènech, Eduardo Urdiales, Irene Pérez y Stefano Mussato.
Arte contemporáneo actual
Alex Domènech, Irene Pérez, Eduardo Urdiales y Stefano Mussato serán también protagonistas de esta 8ª edición de Kronos Art Bcn como representantes además del panorama del arte contemporáneo más actual.
El talento del fotógrafo Alex Domènech (Santpedor, Barcelona, 1986) se reafirma continuamente en su habilidad para elevar lo íntimo a la categoría de arte. Para ello transforma lo injustamente prohibido en poesía visual e invita al espectador a compartir sentimientos fruto del deseo, del dolor y de la esperanza.
«OBSESSION» de Alex Domènech. Obra que se expondrá en Kronos Art Bcn
“OBSESSION” (imagen digital impresa en fine art con tintas pigmentadas en papel fotográfico Epson Enhanced Matte 190g/m2) será la obra que llevará su firma en este festival.
El poder de la imagen en la obra de Eduardo Urdiales (Roquetas de Mar, Almería, 1999) reside en la atracción por ese carácter teatral que refleja en sus creaciones. Sus composiciones se nutren de iluminaciones dirigidas a exaltar sus personajes, densas atmósferas que producen ambientes emocionales a la par que dramáticos. Recursos que traslada al lenguaje del dibujo a favor de un discurso que no solo depende de la representación literal, sino también del contexto.
Su obra “Pulsar START y dejarse corroer” dibujada en grafito y carboncillo sobre papel fijado a tabla (55 x 65 cm), ha sido creada expresamente para esta edición de Kronos Art Bcn.
La obra de Irene Pérez (Santander, 1996) busca transmitir ese cúmulo de emociones y sentimientos que todos guardamos en nuestro interior, y que no siempre somos capaces de exteriorizar. Su técnica cabalga entre el realismo más figurativo y lo abstracto, abrazando lo que más le aporta de cada estilo, un equilibrio entre lo controlable y lo espontáneo que se refleja también en su obra “El juego del futuro” (óleo y técnica mixta sobre lienzo, 130 x 105 cm) y que se expondrá de forma inédita.
El trabajo de Stefano Mussato (Turín, Italia, 1990) nos habla de lo espiritual, del hecho de terminar un ciclo y empezar otro, de movernos entre el pasado y el futuro. Una forma de alejarnos del peso estático que tiene la pintura en su propia naturaleza, para convertirla en un espacio de observación constante, donde desaparece la idea clásica de representación detenida en el tiempo.
Siguiendo esta línea en esta edición de Kronos Art Bcn participará con 3 obras: “Lívido Amniótico” (óleo sobre madera, 136 x 68 cm); “Intus Motus”, un cubo de 60 x 60 x 60 cm con pinturas al óleo sobre madera en sus seis caras y montadas en estructura de metal, mismo formato que su última obra “Amic”, que con un tamaño en este caso de 21 x 21 x 21 cm representa el implacable paso del tiempo a través del deterioro de un osito de peluche que pertenece al artista desde su infancia.
«Intus Motus». Obra de Stefano Mussato. Escultura metálica formada por pinturas al óleo en cinco de sus caras
«Amic». Obra de Stefano Mussato. Cubo geométrico de pintura al óleo sobre madera montado en estructura de metal
Kronos Art Bcn podrá visitarse con entrada gratuita desde el 9 al 16 de octubre en el espacio de Utopia 46:
Carrer Sant Pere Més Alt 46, Ciutat Vella, Barcelona.
Horario de visita: de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2025/10/Irene-Perez-en-Kronos_web.jpg9601200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2025-10-06 18:47:002025-10-06 20:04:32KRONOS ART BCN celebra su 8ª edición
Una exposición de arte LGTBI que desafía estereotipos. El punto de partida de la muestra Orgullo y Prejuicio gira en torno a esta pregunta: ¿hay discriminación dentro del colectivo LGTBIQ+? ¿Tenemos prejuicios por ejemplo en forma de gordofobia, plumofobia, gerontofobia o incluso de transfobia?
La respuesta podría ser previsible, pero lo interesante en cualquier caso es abordar qué es lo que nos produce este rechazo. ¿Nos provoca repulsa por que no nos sintamos atraídos? ¿Estamos influenciados por cánones de belleza que nos impiden apreciar lo diferente respecto a lo estereotipado? Si precisamente nuestro colectivo reivindica el respeto por la diversidad, ¿no deberíamos trabajarlo mejor internamente, ya sea de forma individual o grupal? Por otro lado, el colectivo LGTBIQ+ no vive en una burbuja, de hecho, formamos parte de una sociedad que construye prejuicios continuamente en torno a la edad, el físico y el sexo; entonces, ¿no es normal, o incluso lícito, que actuemos de la misma manera? ¿O deberíamos exigirnos dar ejemplo de lo contrario?
All men are dogs. Fotografía de Pablo Sola. 2014
Activismo Artístico
En base a este debate, la exposición colectiva de arte LGTBI Orgullo y Prejuicio organizada por Inéditad Gallery, quiere precisamente abordar estas cuestiones a través del talento de 16 artistas que hacen del arte queer un ejemplo de visibilidad y normalización: Abel Carrillo, Alex Domènech, Carlos Enfedaque, Silvia Flechoso, Jamalamaja, Daniel Jaen, Claudio Petit-Laurent, Jean Carlos Puerto, Fernando Romero, Pablo Rodríguez, Pepa Salas Vilar, Jack Smith, Pablo Sola, Bran Sólo, Elia Tomás y UtüRūo.
Las Marcas del Arcoiris. Pepa Salas Vilar. Óleo sobre lienzo. 40 x 50 cm. 2022
No Sugar No Mami. Silvia Flechoso. Óleo sobre tela. 73 x 54 cm. 2023
Todos ellos presentarán al público sus propuestas del 08 al 22 de junio en el Carrer de Palau núm. 4 de Barcelona (local de Canal Gallery, espacio que hemos alquilado para materializar esta exposición). En total más de 50 obras que van desde la pintura a la ilustración pasando por la fotografía o arte digital. Muchas de ellas han sido hechas expresamente por este proyecto y otras, fueron creadas durante la pandemia, pero no gozaron en su momento de la oportunidad de ser expuestas con normalidad. El objetivo: una imponente selección de obras de arte LGTBI que propongan al espectador celebrar la diversidad, creando un espacio inclusivo para compartir historias, cuestionar nuestras percepciones y actitudes, así como fomentar el diálogo.
Rubber II. Carlos Enfedaque. Óleo sobre lino. 80 x 53 cm. 2023
Retoquitos. Abel Carrillo. Pintura digital e intervención con posta sobre papel Hahnemühle Bright White 310 grs. 70 x 50 cm. 2023
Subversión de Normas en el Arte LGTBI
Como ya ocurría en la famosa novela homónima, este proyecto nos habla también de superación. Si bien en el libro de Jane Austin se trataba de vencer al orgullo de clase; en este caso, el objetivo de esta muestra es, por un lado, superar la discriminación, y por otro, hacer atractivo lo que está fuera de los patrones sociales. Porque efectivamente en un cuerpo no normativo hay belleza; en la pluma hay belleza; fuera de la juventud hay belleza; en la diversidad de género hay belleza. Invertir los prejuicios a través del arte LGTBI para convertirlos en una reflexión sobre los obstáculos y los triunfos a los que se enfrentan las personas LGTBIQ+ en su lucha por la igualdad y la aceptación. Éste es el otro reto que proponemos al visitante.
Beach Blues: Neo and Celest. Jack Smith. Acrílico sobre lienzo. 50 x 50 cm. 2023
El Joven de la Perla. Claudio Petit-Laurent. Óleo sobre madera. 30 x 30 cm. 2023
Desde Inéditad Gallery defendemos el arte LGTBI como un instrumento necesario para estrechar lazos de respeto y fraternidad tanto dentro como fuera del colectivo, pero, sobre todo, necesario para no dar munición a aquellos que buscan atentar contra él. La autocrítica es necesaria para crecer y hacernos más fuertes. Revisar nuestros defectos para revertir la marginación que, consciente o inconscientemente, ejercemos contra lo que nos resulta diferente, nos da armas para seguir luchando contra la homofobia, la bifobia, la lesbofobia o la transfobia y defender la igualdad de derechos que todas las siglas del colectivo se merecen en nuestra comunidad.
On my heels. Fernando Romero. Óleo y acrílico sobre lienzo. 92 x 73 cm. 2022
La Nostalgia. Pablo Rodríguez. Acrílico sobre lienzo redondo. 25 cm. 2023
Tengo muchos motivos por los que sentirme orgulloso.
Pero antes necesito afrontar mis propios prejuicios.
Desmontar los estereotipos con los que he crecido
y que otros sin permiso han validado por mí.
Nuestra identidad es tan admirable como cualquier otra
porque somos especiales y comunes a la vez.
La imperfección es sin embargo una aliada perfecta
para generar empatía donde antes existía incomprensión.
Superar mis propios recelos y convencionalismos
me ayuda a tapar cada una de estas grietas
por donde el odio y la discriminación quieren filtrarse.
La diversidad forma parte de mi autenticidad
por eso valoro cuánto aprendo de lo que es desigual.
Y aunque a veces olvide que está en mi mano
no derribar las ilusiones que otros han construido,
Cartel Exposición. Fotografía «Orgullo» de Alex Domènech. 2023
Art LGTBI i Qüestionament d’Estereotips. Exposició Orgull i Prejudici
(CAT) Una exposició d’art LGTBI que desafia estereotips. El punt de partida d’aquesta mostra gira entorn a aquesta pregunta: hi ha discriminació dins del col·lectiu LGTBIQ+ ? Tenim prejudicis per exemple en forma de gordofòbia, plomofòbia, gerontofòbia o fins i tot de transfòbia?
La resposta podria ser previsible, però el que és interessant en qualsevol cas és abordar què és el que ens produeix aquest rebuig. Ens provoca repulsa perquè no ens sentim atrets? Estem influenciats per cànons de bellesa que ens impedeixen apreciar allò que és diferent respecte a lo estereotipat? Si precisament el nostre col.lectiu reivindica el respecte per la diversitat, no ho hauríem de treballar millor internament, ja sigui de forma individual o grupal? D’altra banda, el col·lectiu LGTBIQ+ no viu en una bombolla, de fet formem part d’una societat que construeix prejudicis continuament al voltant de l’edat, el físic i el sexe; aleshores, no és normal, o fins i tot lícit, que actuem de la mateixa manera? O ens hauríem d’exigir donar exemple de lo contrari?
Samantha Hudson. UtüRūo. Oli sobre tela. 74 x 60 cm. 2023
Malquerido. Bran Sólo. Óleo sobre madera. 40 x 30 cm. 2023
Activisme Artístic
En base a aquest debat, l’exposició col.lectiva Orgull i Prejudici organitzada per Inéditad Gallery vol precisament abordar aquestes qüestions a través del talent de 16 artistes que fan de l’art LGTBI un exemple de visibilitat i normalització: Abel Carrillo, Alex Domènech, Carlos Enfedaque, Silvia Flechoso, Jamalamaja, Daniel Jaen, Claudio Petit-Laurent, Jean Carlos Puerto, Fernando Romero, Pablo Rodríguez, Pepa Salas Vilar, Jack Smith, Pablo Sola, Bran Sólo, Elia Tomás i UtüRūo.
Prova per santificació. Jean Carlos Puerto. Oli i pa de coure sobre fusta. 40 x 31 cm. 2021
La culpa. Jamalamaja. Acrílico, tinta china y lápiz sobre papel Bouffant color natural 250gr. 21 x 21 cm. 2023
Tots ells presentaràn al públic les seves propostes del 08 al 22 de juny al Carrer del Palau num. 4 de Barcelona (local de Canal Gallery, espai col.laborador d’aquesta exposició). En total més de 30 obres que van des de la pintura a la il.lustració passant per la fotografia o l’art digital. Moltes d’elles han estat fetes expressament per aquest projecte i d’altres, van ser creades durant la pandèmia però no van gaudir al seu moment de l’oportunitat de ser exposades amb normalitat. L’objectiu: una selecció imponent d’obres que proposin a l’espectador celebrar la diversitat, creant un espai inclusiu on compartir històries, qüestionar les nostres percepcions i actituds, aixi com fomentar el diàleg.
Checking who´s nearby. Daniel Jaen. Oli sobre tela. 30 x 40 cm. 2023
Subversió de Normes a l’Art LGTBI
Com ja passava a la famosa novel·la homònima, aquest projecte ens parla també de superació. Si bé al llibre de Jane Austin es tractava de vèncer l’orgull de classe; en aquest cas, l’objectiu d’aquesta mostra és, d’una banda, superar la discriminació, i de l’altra, fer atractiu allò que està fora dels patrons socials. Perquè efectivament en un cos no normatiu hi ha bellesa; a la ploma hi ha bellesa; fora de la joventut hi ha bellesa; a la diversitat de gènere hi ha bellesa. Invertir els prejudicis per convertir-los en una reflexió sobre els entrebancs i els triomfs als quals s’enfronten les persones LGTBIQ+ a la seva lluita per l’igualtat i l’acceptació. Aquest és l’altre repte que proposem al visitant.
Des d’Inéditad Gallery defensem l’art queer com un instrument necessari per estrènyer llaços de respecte i fraternitat tant a dins com a fora del col·lectiu, però, sobretot, necessari per no donar munició a aquells que busquen atemptar contra ell. L’autocrítica és necessària per créixer i fer-nos més forts. Revisar els nostres defectes per revertir la marginació que, conscient o inconscientment, exercim contra allò que ens resulta diferent, ens dóna armes per seguir lluitant contra l’homofòbia, la bifòbia, la lesbofòbia o la transfòbia i defensar la igualtat de drets que totes les sigles del col·lectiu ens mereixen a la nostra comunitat.
Tinc molts motius pels quals sentir-me orgullós.
Però abans necessito afrontar els meus propis prejudicis.
Desmuntar els estereotips amb els què he crescut
i que altres sense permís han validat per mi.
La nostra identitat és tan admirable com qualsevol altra
perquè som especials i comuns alhora.
La imperfecció és però una aliada perfecta
per generar empatia on abans hi havia incomprensió.
Superar els meus propis recels i convencionalismes
m’ajuda a tapar cadascuna d’aquestes esquerdes
per on l’odi i la discriminació es volen filtrar.
La diversitat forma part de la meva autenticitat
per això valoro quant aprenc del que és desigual.
I encara que de vegades oblidi que està a la meva mà
no enderrocar les il·lusions que altres han construït,
no alimento el meu orgull amb els meus prejudicis.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2023/05/All-men-are-dogs_Fotografia-de-Pablo-Sola_Ineditad-Gallery_web.jpg10001500ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2023-05-27 15:34:512023-06-05 11:40:42El Arte LGTBI y el Cuestionamiento de Estereotipos
¿Se puede visibilizar (y reivindicar) la diversidad sexual y las distintas identidades de género a través del arte y desde la habitación de un hotel?
Esto es lo que nos hemos propuesto el equipo de Inéditad Gallery en nuestra próxima participación en Hybrid Art Fair. Una de las ferias que tendrán lugar en la próxima Semana del Arte en Madrid, concretamente del viernes 24 al domingo 26 de febrero en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara (Pl. Santa Bárbara nº 10).
Para ello vamos a trasladar hasta la habitación 108 nuestro proyecto Visibilizar para Normalizar representado en esta ocasión por la obra de los artistas Abel Carrillo, Bruno Ciancio, Alex Domènech, Jamalamaja, Daniel Jaen y Pablo Rodríguez.
Hijo. Abel Carrillo. Collage y acrílico sobre papel mate 170gr. 13 x 18 cm. 2023
Desde sus inicios nuestra galería ha desarrollado en paralelo con su actividad este proyecto que busca conquistar espacios artísticos de primer nivel como es el caso de museos y conocidas ferias de arte. El objetivo es que dichos espacios se conviertan en lugares de legitimación donde el arte LGTBIQ+ forme parte de su programación habitual ocupando el merecido lugar que le corresponde. De este modo, no sólo se está empoderando la trayectoria de artistas LGTBIQ+, cuestión absolutamente necesaria, sino que además se da protagonismo a aquellas obras que, independientemente de la orientación sexual de su creador, hagan activismo a través de su mensaje.
Qué ves cuando me ves #2. Bruno Ciancio. Acrílico y lápiz sobre papel perforado sostenido en cristal. 50.5 x 40 cm. 2023
Éste es el caso del proyecto que el artista argentino residente en Barcelona, Bruno Ciancio (Mendoza, Argentina, 1991), va a presentar en primicia en esta feria. Se trata del proyecto “Qué ves cuando me ves”, mismo título que su obra inspirada en el estribillo de la canción “¿Qué ves?” del grupo de rock argentino Divididos. ¿Qué ves cuando me ves?, que modificándolo y sacándolo de contexto, funciona como detonante de una idea que busca, a través de dos planos superpuestos, dar a conocer lo que cada persona quiere o desea mostrar al mundo: su identidad o el sentimiento más profundo del querer ser. Es por ello por lo que las obras de este proyecto trabajan estos dos planos, uno exterior, en el cual se representa la “envolvente”, con la que podríamos decir que venimos configurados, y un segundo plano el cual manifiesta la elección propia, el querer y el decidir ser aquello que nosotros sentimos y queremos mostrar a los demás. Es aquí donde la frase “qué ves cuando me ves” toma sentido, ya que no es una pregunta, sino más bien una afirmación. En esta línea, Bruno Ciancio expondrá en paralelo una obra en la cual la interacción con el visitante es clave, ya que dicha interacción quedará materializada en un espejo. Con ello el artista busca colocar al observador en el papel de la reflexión y de la empatía, es decir, ponerse en la piel del otro, de aquel que se mira al espejo y no se ve identificado con lo que ve. En este caso el título del proyecto vuelve a mutar para transformarse en una pregunta: ¿Qué ves cuando te ves?, pudiendo ser esta pregunta el principio de una transformación interna y externa.
Qué ves cuando me ves #4. Bruno Ciancio. Acrílico y lápiz sobre papel perforado sostenido en cristal. 30 x 30 cm. 2023
Abel Carrillo (Murcia, 1992) expondrá en primicia nuevas obras realizadas en collage y/o en pintura digital. El trabajo de este artista murciano tiene su esencia en el resurgimiento, en la recomposición física y mental que sobreviene tras las heridas provocadas por esa sociedad que golpea, prejuzga y desgarra.
Los dibujos de Jamalamaja (Madrid, 1988) suelen tener dos protagonistas, que en muchas ocasiones son casi indivisibles: la soledad y el cuerpo masculino. En Hybrid Art Fair vamos a tener la oportunidad de ver sus últimas obras realizadas en acrílico y lápiz sobre papel.
Color 5. Jamalamaja. Acrílico y lápiz sobre papel Bouffant 250 gr. 28 x 21 cm. 2023
Qué mejor que una habitación de hotel para exhibir obras de arte cuyas escenas transcurren precisamente en una habitación de hotel. Daniel Jaen (Sao Paulo, Brasil, 1988) nos trae desde Londres, ciudad en la que reside actualmente, unos óleos en pequeño formato pintados expresamente para esta feria con escenas homoeróticas que transcurren en la cama o en el baño. Unas obras que guardan el mismo hilo conductor y que forman parte de una misma narrativa. El erotismo al servicio de la reivindicación.
Los retratos hiperrealistas de Pablo Rodríguez (Málaga, 1982) establecen distintos discursos, pero entre ellos prevalece la crítica al narcisismo en plena era de los “selfies”. No en vano su obra nos habla de dudas, de prejuicios, de insolencia e incluso de tentaciones y de secretos. Todo ello a través de su perfilada técnica en acrílico y lápiz de color.
Please do not disturb. Daniel Jaen. Óleo y letrero de puerta sobre lienzo. 30.5 x 30.5 cm. 2023
El Capricho. Pablo Rodríguez. Acrílico sobre lienzo. 25 cm. 2023
Además de la parte expositiva, este proyecto busca especialmente que el público no sea un mero observador. Nos interesa que las personas que nos visiten participen y sean protagonistas necesarias de lo que va a suceder en la habitación 108. Por eso vamos a llevar a cabo en paralelo las siguientes iniciativas con las que el espectador va a poder interaccionar:
En el cuarto de baño tendrá lugar la instalación sonora de «Skin Fields» del artista y fotógrafo Alex Domènech (Santpedor, Barcelona, 1986). Los visitantes podrán escuchar cuando entren al baño cerca de una veintena de historias que son experiencias que a menudo pasan desapercibidas para quien no las sufre, pero que afectan a un gran número de personas que se han sentido, se sienten o se sentirán discriminadas, ofendidas o angustiadas en más de una ocasión. Esta instalación tendrá el soporte de un juego de luces y el apoyo visual de algunas de las obras propuestas.
Hostility (serie Skin Fields). Alex Domènech. Fotografía a partir de negativo en B/N de 35mm. 30.6 x 45.7 cm. 2023
El viernes 24 a las 16:30 el ilustrador Jamalamaja va a llevar a cabo una intervención en directo pintando ante el público una obra sobre el espejo de la habitación. Titulada Nuestra identidad no es un espejismo, esta actividad quiere poner en valor la diversidad implícita en el concepto de identidad. Para ello se utilizará como metáfora aquello que vemos reflejado de nosotros mismos en un espejo, pero alterado con el resultado final de la obra creada en vivo.
Al mismo tiempo y en horario continuado, se proyectará en el monitor de la habitación la pieza de vídeo arte creada por Alex Domènech con relación a su proyecto Skin, proyecto por el que ganó en el 2020 el Premio al Nuevo Talento Fnac de Fotografía. Este proyecto rodado en Kirguistán, Siria, Líbano y España entre 2018 y 2020, aborda cómo en territorios hostiles los derechos fundamentales para las personas del colectivo LGTBIQ+ quedan relegados a espacios de absoluta intimidad. Un viaje que cruza territorios geográficos, políticos y religiosos donde la libertad de expresarse libremente queda atrapada en un refugio construido a la fuerza. Habrá unos auriculares a disposición de los visitantes para que puedan escuchar la pieza íntegramente.
Fotograma Vídeo Proyecto Skin. Alex Domènech
Como hilo conductor a esta pieza de vídeo arte, también se expondrán en la habitación algunas de las obras fotográficas de Alex Domènech pertenecientes a sus proyectos “Skin Fields” y “Cruising Jungle”.
También se proyectará una obra de vídeo arte en animación realizada por Abel Carrillo.
Por último, nos gustaría resaltar que la diversidad se manifiesta de hecho en la originalidad y en la pluralidad de las identidades que conforman la sociedad, y el arte es sin duda un magnífico instrumento para demostrarlo. ¡Venid a comprobarlo!
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2023/02/Please-make-up-the-room_panorama_web.jpg8061200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2023-02-09 14:50:222023-02-17 22:41:21Hybrid Art Fair y Visibilizar para Normalizar
La idea de llevar a cabo esta exposición surgió cuando estaba cursando la asignatura de Los espacios de intervención cultural en el Máster de Gestión Cultural. Ahí tuve la oportunidad de escuchar en Youtube una conferencia de la especialista en arte y feminismo Marián López Fernando Cao. En dicha conferencia, me di cuenta que muchos de los aspectos reivindicativos que ella apuntaba sobre el arte realizado por mujeres, eran puntos perfectamente aplicables al arte queer: reivindicar mayor presencia en espacios culturales, luchar contra la violencia simbólica sobrevenida por el hecho de «no aparecer» o ser «invisibles»; y por último, ofrecer una alternativa a la sobrerrepresentación histórica de lo heteronormativo.
Arte y Género
La abogada, investigadora y docente Paula Viturro, a la cuestión sobre si ¿es posible hablar de arte trans? tiene la teoría de que cualquier intento de acercamiento a la cuestión trans en el arte debe comenzar por analizar sus conexiones teóricas, políticas y estéticas con la historia del concepto de género y con el arte feminista. En este caso vamos a sustituir en nuestro argumento el arte trans por el arte queer de forma global.
El Abrazo. Carlos Enfedaque. Óleo sobre lino. 196 x 120 cm. 2022
Resistencia. Alex Domènech. Fotografía en papel Hahnemühle Studio Enhanced. 2022
En este contexto, conocí en paralelo a Beatriz Pereira en septiembre de 2021. Ella participaba también con su galería en el festival Obertura Carabanchel. Congeniamos muchísimo, no sólo porque su galería fuese online como es el caso de Inéditad, si no porque ella desarrolla su actividad bajo la perspectiva de género, dando visibilidad únicamente al trabajo realizado por mujeres, Un aspecto que me pareció muy interesante, especialmente por confirmar que hay una generación de galeristas que apostamos por dar difusión a un tipo de arte que agite conciencias.
Perspectiva de (Diversidad) de Género
A partir de ahí fue cuando tras unir todas estas piezas que os he comentado se me ocurrió proponerle organizar una exposición en Madrid que uniera tanto la perspectiva de género, a través de seis de sus artistas, como la perspectiva de diversidad de género representada en esté último caso por seis artistas queer de mi galería. La idea de desarrollar una muestra conjunta entre Galería Beatriz Pereira y Galería Inéditad le pareció fantástica. Acto seguido le propusimos el proyecto al director de Galería Nueva, Daniel Silvo, que sabíamos que dispone de un espacio en la calle Fourquet destinado a organizar exposiciones externas, y a él también le sedujo muchísimo este proyecto.
Por parte de Inéditad, Silvia Flechoso, Jean Carlos Puerto, Carlos Enfedaque, Pablo Rodríguez, Alex Domènech y Fernando Romero expondrán en esta exposición sus últimos trabajos proponiendo al espectador conocer una realidad que va más allá de heteronormas y binarismos.
Solve et Coagula. Silvia Flechoso. Óleo sobre lienzo. 2022
La Ausencia. Pablo Rodríguez. Acrílico sobre lienzo redondo. 60 cm. 2022
La Galería Beatriz Pereira presentará los trabajos de las artistas Clara Barquín, Isabel Flores, María JL Hierro, Marina Benito, Paula Rosell y Pilar del Puerto como muestra de la visión y de la relación de las mujeres en el arte.
Immobile. Paula Rosell. Impresión en papel Hahnemühle Matt Fibre 200 gr. 2018
A fragment of sensation II. Isabel Flores. Acramina ecológica sobre Georgette de seda y forja. 2022
Arte queer y arte hecho por mujeres
Mujeres artistas y artistes queer tienen muchos puntos en común en cuanto a la exclusión a la que se han visto sometidos sus discursos. Cuando en el ámbito de la cultura se elude o se obvia la obra realizada por mujeres o por artistas LGTBIQ+, se está ejerciendo sobre unas y otres una violencia simbólica en forma de violencia cultural cuyo resultado contribuye a la invisibilidad sistemática en la sociedad de la diversidad, vehículo de las diferentes perspectivas e identidades. Ese “yo no aparezco” lo que propicia en realidad es una reproducción de la desigualdad mediante la sobrerrepresentación de lo heteronormativo o de lo propiamente masculino.
Súbete a mi silla. Fernando Romero. Acrílico y óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. 2022
El Clavel Verde. Jean Carlos Puerto. Óleo sobre madera. 60 x 48 cm. 2022
Por ello esta exposición busca desnaturalizar esa subalteridad y empoderar tanto el arte hecho por mujeres como dignificar en paralelo las obras realizadas por artistas queer. Todo ello desde un punto de vista integrador capaz de combatir la exclusión y el estigma social.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2022/10/Carlos-Enfedaque_Abrazo-I_Ineditad-web.jpg18001103ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2022-10-04 23:26:022022-10-12 22:41:59Arte Queer y Arte Feminista. Exposición Perspectivas e Identidades
¡Nuestra primera exposición de la temporada ya empieza a tomar forma! El jueves 08 de septiembre a las 19:00 inauguramosAve y Eva, una exposición comprometida, arriesgada y valiente.
Diez artistas de Inéditad han hecho alarde de su talento para colocar al género trans y no binario en los protagonistas de sus obras. En un momento en el que la dicotomía sobre lo que es masculino y lo que es femenino se convierte en un debate estéril, las obras de Silvia Flechoso, Pablo Rodríguez, Alex Domènech, Fernando Romero, Bran Sólo, Pablo Sola, Jean Carlos Puerto, El Dibujo, Marco Laborda y Abel Carrillo van a ayudar al espectador a reforzar el concepto de identidad, pero más específicamente el de identidad sexual individual. Aunque no sea fácil de asimilar para aquellos sectores aferrados al binarismo, existen tantas identidades de género como personas.
Este proyecto cuenta además con la colaboración de Canal Gallery, cuyo director Balu, nos cede su espacio ubicado en el Carrer del Palau 4 de Barcelona hasta el 01 de octubre. Todo ello con el objetivo de que esta exposición sea lo más omnicanal posible, tanto online por nuestra parte, como físicamente con el apoyo de Canal.
¡Ya nos han llegado algunas de las 29 obras que van a formar parte de esta muestra única y las queremos compartir con vosotres!:
Silvia Flechoso (Burgos, 1991) presenta en esta exposición un tríptico compuesto por “0”, “1” y “Kristo-Rebis”. Tres sorprendentes obras en óleo sobre lienzo cargadas de simbología que reinterpretan el Adán y Eva de Durero y el Cristo Crucificado de Velázquez respectivamente, haciéndolo bicéfalo, en este último caso, con las cabezas de la cantante y activista Samantha Hudson y la versión masculinizada de la propia Silvia.
Kristo-Rebis de Silvia Flechoso. Óleo sobre lienzo. 97 x 97 cm. 2022
Pablo Rodríguez (Málaga, 1982) hace alarde de su técnica hiperrealista con “Sobre Negro”, “El Prejuicio” y “La Duda”. Unas obras que realzan el derecho a la ambigüedad sexual sin tener que ser juzgado por ello.
El Prejuicio. Pablo Rodríguez. Acrílico sobre lienzo. 60 cm. 2022
Alex Domènech (Santpedor, Barcelona, 1986) eleva la intimidad sexual a la categoría de público con un conjunto de cuatro fotografías entre las que destaca “Autorretrato y encuentro” por su gran formato laminado en metacrilato con bastidor de aluminio.
Autorretrato y encuentro. Alex Domènech. Fotografía reproducida en color a partir de negativo de 120mm. 2022
Bran Sólo (Abarán, Murcia, 1985) tiene la virtud de convertir sus obras en poesía. En esta exposición participa con cuatro obras con mensajes como éste “lo que llamamos maleza, son simplemente las flores que a algunos no les gustan. Para mí, estas flores que tienen que aprender a quererse a pesar de los demás, son las más bonitas.”
Llanto a mares. Bran Sólo. Óleo sobre bastidor de madera. 50 x 40 cm. 2022
El fotógrafo Pablo Sola (Madrid, 1984) nos invita a deconstruir la realidad con unas bellas fotografías que fusionan la estética futurista con la propia ambigüedad inherente en el cuerpo humano. Dos propuestas que trabajan esta percepción más allá de la representación artística.
Hit me like a man / Love me like a woman. Pablo Sola. Fotografía sobre papel algodón Silk 1000 puntos. 2022
El Dibujo (Águilas, Murcia, 1992) nos propone “Pensadores”, un díptico indivisible en óleo sobre madera que “representa las ideologías sobre género arraigadas en nuestra cultura y cómo éstas nos impiden ver nuestro propio yo y descubrir nuestra identidad de forma natural.
Una de las obras del díptico Pensadores: El Dibujo. Óleo sobre bastidor de madera. 70 x 50 cm. 2022
Marco Laborda (Barcelona, 1987) presentará en primicia su proyecto Blossom con unos retratos fotográficos en gran formato de Mina Serrano y Vanina Bruc. Dos obras que simbolizan la belleza de lo diferente en un momento en el que precisamente lo divergente está tan cuestionado.
Blossom Symphony 1. Marco Laborda. Fotografía en papel Epson Enhanced Matte 200g. 2020
Abel Carrillo (Murcia, 1992) participa con cuatros obras inéditas de su serie Cicatrices. Una serie que fusiona el gouache, la pintura digital y el collage para recordarnos que toda herida, física o emocional, nos deja una cicatriz. En nuestras manos está el evitar que esta herida genere más dolor.
Cambio. Abel Carrillo. Técnica mixta. Collage y gouache. 40 x 30 cm. 2022
Fernando Romero (Barcelona, 1980) rinde homenaje a las activistas trans Marsha P. Johnson y Sylvia Rivera con su obra “STAR 73” y en paralelo empodera la transgresión de lo establecido con “Queen”, ambas pintadas en óleo y acrílico sobre lienzo.
Queen. Fernando Romero. Óleo y acrílico sobre lienzo. 55 x 46 cm. 2022
Jean Carlos Puerto (Caracas, Venezuela, 1981) hace del realismo pictórico un estilo necesario para contar historias, donde sentimientos como la soledad, el rechazo o el apego quedan reflejados en sus obras. En Ave y Eva participa con tres magníficos óleos con pan de cobre sobre madera, uno de los cuales es un retrato en colaboración con el artista y drag Hugáceo Crujiente.
El vuelo sin sombra. Jean Carlos Puerto. Óleo y pan de cobre sobre madera. 60 x 40 cm. 2022
¡También os podemos adelantar una gran noticia! Para completar el ciclo expositivo y dar mayor dimensión a esta propuesta, contaremos con la presencia de dos artistas multidisciplinares que son a su vez activistas y referentes del género no binario, como son Ángelo Néstore, quien dará una conferencia el 15 de septiembre (porque además os tenemos que contar que el título de Ave y Eva lo hemos tomado prestado de uno de sus poemas); y Hugáceo Crujiente que hará otra el 22 de septiembre.
Como veis queremos hacer de este proyecto un evento sin precedentes que sirva para ensalzar el arte como un poderoso instrumento de cambio. Con Ave y Eva queremos invitar al espectador a la reflexión, a que respire libertad, a que desarrolle su pensamiento crítico y a que empatice con otras realidades que probablemente no disten mucho de la suya propia.
Si te interesan alguna de estas obras o te gustaría hacer una visita personalizada a la exposición, ¡envíanos un Whatsapp o un mail a galeria@ineditad.com y lo organizamos!
Ave y Eva
Una exposición de Inéditad.
Inauguración 08 de septiembre del 2022 a las 19:00
Dónde: Canal Gallery (Carrer del Palau 4 de Barcelona)
Clausura: 01 de octubre del 2022
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2022/09/Blossom-Symphony-1-by-Marco-Laborda.-Galeria-Ineditad_web.jpg18001200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2022-09-02 00:32:532022-09-13 12:28:13El género trans y no binario protagonizan Ave y Eva
Alex Domènech (Santpedor, Barcelona, 1986) fue ganador el pasado año de la XIX Edición del Premio Nuevo Talento FNAC de Fotografía por su serie “Skin”.
Un proyecto que se caracteriza por captar a través de su cámara espacios de intimidad en países como Kirguistán, Siria o Líbano. Zonas de conflicto donde el expresarse con libertad no es un derecho sino un acto relegado al ámbito privado.
Miembro de Galería Inéditad desde marzo de este año, pocos artistas fotográficos se involucran tanto en el proceso creativo de su obra. Por eso y por muchas otras razones teníamos tantas ganas de hacerle esta entrevista. Una oportunidad magnífica para conocer a la persona que hay detrás del objetivo.
Alex Domènech ganador XIX Edición del Premio Nuevo Talento FNAC de Fotografía 2020
Alex, esta pandemia nos ha puesto a todos contra las cuerdas, tanto en lo emocional como en lo profesional. ¿Qué aprendiste tú a nivel personal en las semanas de confinamiento?
Me ha sorprendido sobre todo nuestra capacidad de adaptación. Tendríamos que ser más conscientes de ello y acordarnos de momentos como este, pero por desgracia nuestra memoria es selectiva y a veces nos hace olvidar situaciones traumáticas. Hemos tenido que superar y asimilar mucho en muy poco tiempo, y habiendo pasado por días más duros que otros, el balance global creo que es cuanto menos interesante.
¿Qué acciones llevaste a cabo para conseguir que los días de encierro se te hicieran menos duros?
Pasé por distintas fases. Lo típico. La del deporte en la terraza, la de tomarme el encierro como unas vacaciones. Estuve trabajando de lleno en mi proyecto “skin” y eso me mantuvo bien ocupado. También tengo muy buenos recuerdos de unas reuniones que hacíamos por Skype con un grupo de fotógrafxs. Lo llamamos “guateque fotográfico” y nos reuníamos semanalmente para compartir proyectos y darnos feedback. Eso me ayudó a mantenerme motivado y también fue bonito el reencuentro de después, sin pantallas de por medio. ¡Parece que hayan pasado años ya de eso! Me alegro de no haber pasado por la fase de raparme el pelo.
Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?
Creo que el colectivo artístico lleva superando etapas difíciles desde el inicio de los tiempos. No es nada nuevo el tener que buscar alternativas para llegar al público en contra de las adversidades. Creo que esta pandemia nos ha mostrado la importancia de estar conectados a través de redes sociales, internet en general se ha impuesto como algo real, si es que alguien lo dudaba. Durante los meses de confinamiento ha sido nuestro principal contacto con el mundo exterior y eso ha ayudado a crear redes que creo han sido importantes a la hora de relacionarnos entre la gente del mundo del arte.
«Listen» de Alex Domènech. Reproducción a partir de negativo 24 x 36 mm en blanco y negro . 1/10. 2020
Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?
La verdad es que llevo reinventándome toda la vida, si hablamos de sobrevivir, de trabajar de lo que sea, de dejarse llevar por la intuición y de empaparse de lo que nos rodea. Y así seguiré haciéndolo.
¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?
Me gustaría pensar en una sociedad más sensible y tolerante, con una consciencia social y de grupo sincera… pero no creo que eso vaya a pasar. Las dinámicas del sistema en el que vivimos son muy difíciles de cambiar, y por desgracia parece que se agraven las desigualdades, el acceso a oportunidades y bienestar, etc. ¡Aunque tenemos que seguir intentándolo!
Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se podría extraer de esta crisis?
Las cosas más importantes en la vida no cuestan dinero.
“No creo que todo el arte tenga que ser transgresor, todo arte tiene su público y eso es totalmente lícito.”
Dejamos de lado la pandemia para adentrarnos en tu opinión sobre el mundo del arte. Alex, ¿debe ser el arte que nos rodea más transgresor de lo que aparenta?
Depende de lo que uno entienda como transgresor… No creo que todo el arte tenga que ser transgresor, todo arte tiene su público y eso es totalmente lícito. El arte de por sí ya es una forma de expresión, así que en mayor o menor medida tocará una u otra sensibilidad.
Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?
Mickael Akerman, Antoine d’Agata, Daido Moriyama, Ren Hang y Mapplethorpe entre otros.
Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?
Me encantaría mantener una correspondencia visual con cualquiera de los fotógrafos que he mencionado anteriormente (de los vivos claro) y que eso terminara convirtiéndose en un libro.
«Glòria #2» de Alex Domènech. Obra fotográfica perteneciente al proyecto «Waves Meet Shores». 2020
Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?
Parece que la precariedad define al artista emergente, a quien, si no le faltan becas, echa en falta salas dónde exponer y concursos celebrando su talento. Pero eso es un problema que difícilmente se puede solucionar a no ser que se eduque a las siguientes generaciones sobre una base de sensibilidad y valoración del arte como herramienta necesaria para nuestra sociedad.
¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?
A Bigger splash de David Hockney y la foto de la bombilla en el techo rojo de William Eggleston.
¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?
Las redes sociales hay que saberlas llevar y darles un buen uso antes de que te lleven ellas a ti. Para mi Instagram es el la red social-portfolio que más utilizo, además me mantiene activo y produciendo contenido.
“Creo que el colectivo artístico lleva superando etapas difíciles desde el inicio de los tiempos.”
Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?
¿Solo una? The Recipe (Bonus track) – Kendrick Lamar & Dr. Dre.
¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?
Tate Modern en Londres. El edificio es una antigua central eléctrica que alberga exposiciones interesantísimas a lo largo de todo el año.
¿Y un libro que todo el mundo debería leer?
Ensayo sobre la ceguera de José Saramago.
«Beirut» de Alex Domènech. 2019. Obra disponible en nuestra galería. Edición 1/10 en papel Hahnemühle Photo Rag 308g
¿La botella medio llena o medio vacía?
Siempre medio llena.
¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?
No tener miedo a hacer lo que a unx le dé la gana, ya sea copiar, crear atrocidades u obras sin sentido. Creo que se tiene que probar todo lo que unx quiera hasta encontrar el camino que se quiere seguir. ¡Raramente hay atajos!
¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?
Hasta donde pueda seguir haciendo las cosas desde la honestidad y la verdad.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2021/09/Alex-Domenech-entrevista_web.jpg6751200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2021-09-29 23:06:482021-09-29 23:23:13Alex Domènech. “No es nada nuevo el tener que buscar alternativas para llegar al público."
Obertura Carabanchel arranca el próximo jueves de 9 de septiembre. Un festival que nace con el objetivo de conectar a los coleccionistas de arte con galerías de una forma distinta y original. Inéditad va a participar con las obras de cinco de sus artistas: Cristóbal Tabares, Jaime Sancorlo, Pepa Salas Vilar, Irene Cruz y Alex Domènech.
«Despiértame cuando todo haya pasado IV». Papa Salas Vilar. Acrílico sobre lienzo. 2020. 30 x 24 cm
Organizada por Daniel Silvo, comisario, artista y director de Galería Nueva, su propuesta consiste en transformar el apartahotel de Cielo Madrid (C/ Matilde Hernández 40), en un punto de encuentro con el arte contemporáneo durante 4 días. Desde el jueves 9 hasta el domingo 12 de septiembre, tanto la veintena de coleccionistas alojados por la organización en este espacio, como los visitantes que asistirán al festival, serán testigos de primer orden de todos los eventos que aquí van a tener lugar.
¿Qué es Obertura Carabanchel?
El distrito de Carabanchel se ha convertido en los últimos
años en una ebullición continua de nuevos talleres artísticos, galerías y
espacios de creación que se han descentralizado de la capital madrileña. Un
caldo de cultivo muy propicio para llevar a cabo acciones culturales heterogéneas
a la par que atractivas.
En este contexto y como alternativa a Apertura Madrid Gallery Weekend 2021, se va a celebrar Obertura Carabanchel con 3 actividades principales:
Garaje Abierto
Justamente en el garaje del hotel, el cual tendrá acceso abierto, se llevará a cabo una feria de arte contemporáneo compuesta por la presencia, incluyendo a Inéditad, de 8 galerías: Granada Gallery (Palermo, Argentina); Espacio Líquido + La Gran (Madrid); Galería Beatriz Pereira (online con presencia física); Galería Isabel Croxatto (Santiago de Chile); Deborah Abizanda (estudio cerámico de Madrid); Galería Wadström Tönnheim (Nueva Andalucía, Marbella) y Galería Galería (Ciudad de México).
Como comentábamos anteriormente nuestro stand en este
espacio contará con obras de Jaime Sancorlo, Pepa Salas Vilar y Cristóbal
Tabares.
Jaime Sancorlo presentará en primicia su obra en gran formato “MA$TERCLA$$” (óleo sobre lienzo, 114 x 146 cm).
«MA$TERCLA$$». Jaime Sancorlo. Óleo sobre lienzo. 114 x 146 cm. 2021.
Mientras que el artista canario Cristóbal Tabares expondrá cuatro de sus bodegones contemporáneos, dos de los cuales ha realizado expresamente para este festival: «Plástico de la suerte» y «Plástico ruso«.
«Plástico de la suerte». Cristóbal Tabares. Óleo sobre lienzo. 60 x 73 cm. 2021
«Plástico ruso». Cristóbal Tabares. Óleo sobre lienzo. 60 x 73 cm. 2021
Los horarios del Garaje Abierto serán los siguientes:
Jueves 9: Inauguración de 17:00h a 22:00h
Viernes 10: 16:00h a 22:00h
Sábado 11: 13:00h a 20:00h
Domingo 12: 20:00h a 13:00h a 20:00h
Cielo Arde
En la terraza del hotel y bajo el nombre de Cielo Arde,
todas las noches entre las 20:00h y las 22:00h se desarrollarán actividades
relacionadas con el vídeo arte, la performance y la música.
Concretamente el viernes 10 es cuando tendrá lugar el visionado de diferentes piezas de vídeo arte en las que nuestra galería también participa con los trabajos “Lockdown 2020” de Irene Cruz y “Skin” de Alex Domènech.
Fragmento de «Skin». Obra de vídeo arte de Alex Domènech
Curated Studios
Todos los días del festival, de jueves a domingo de 11:00h a 13:00h se realizarán recorridos por los talleres y estudios de artistas ubicados en el distrito de Carabanchel. El Hotel Cielo Madrid será el punto de partida de estos itinerarios comisariados.
IMPORTANTE: Por cuestión de aforo es absolutamente recomendable que os inscribáis previamente en todas aquellas actividades que os interesen en el formulario habilitado en la web de Obertura Carabanchel.
Aprovechamos para agradecer a Daniel Silvo por hacernos partícipes de esta interesante iniciativa 🙂 ¡Os esperamos!
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2021/09/The-Offensive-Jaime-Sancorlo-2-portada.jpg6061078ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2021-09-06 18:13:532021-09-06 21:55:59Obertura Carabanchel nos abre sus puertas
Alex Domènech se incorporó el pasado 9 de marzo a nuestra galería de arte online. Con el objetivo de que la fotografía de autor cobre una dimensión lo más relevante posible, Inéditad apuesta por jóvenes promesas que atrapan tanto por su lenguaje como por su talento. Ganador de la XIX Edición del Premio Nuevo Talento FNAC de Fotografía en el año 2020, este fotógrafo barcelonés se une a nuestro proyecto proponiéndonos tres obras en exclusiva de su proyecto «Waves Meet Shores».
Este artículo trata precisamente de este proyecto y de cómo Alex trabaja la fotografía mediante un proceso prácticamente artesanal.
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Sobre «Waves Meet Shores»
El proyecto Waves Meet Shores tomó consistencia sobre todo cuando Alex Domènech se dio cuenta de qué era lo que estaba queriendo decir con esas imágenes, y de la narrativa de la que formaban parte. En este tipo de proyectos, que se construyen durante la edición, uno siempre se ve tentado a seguir editando y a veces es difícil ver el final. De hecho, él mismo considera que no está terminado del todo. A veces ve imágenes que cree que podrían encajar en él y en su lenguaje, y las añade o las extrae.
A nivel personal esta serie le ha aportado profesionalmente muchas herramientas a la hora de editar, de narrar, de estructurar, de imaginar enlaces entre imágenes ya existentes que a priori no tenían nada que ver. También le ha hecho darse cuenta de esquemas y estructuras mentales que son característicos de su manera de hacer fotos y de conectarlas. Además, ha propiciado que momentos que creía olvidados salieran a la luz de nuevo, e incluso le ha hecho volver a escribir.
«Glòria #2». Alex Domènech. 2020. Reproducción a partir de negativo 24 x 36 mm en blanco y negro.
Sobre el proceso de revelado
A Alex Domènech le gusta disparar en analógico, y trabajar en especial el blanco y negro jugando con la exposición de los negativos. Acostumbra a forzarlos para conseguir captar más luz en situaciones oscuras. A la hora del revelado, eso lo compensa con los tiempos durante los cuales se sumergen los negativos en el líquido revelador. Al final es una cuestión de equilibrios y de química. Si se subexpone, se tiene que sobre revelar. Hay varios factores en juego a la hora de modificar la luz: la óptica, el negativo, el tiempo de exposición, los líquidos utilizados y/o los tiempos de revelado. Factores propios de la fotografía de autor.
«Beirut». Alex Domènech. 2019. Edición de 10 copias de 30 x 45 cm en papel Hahnemühle Photo Rag 308gr
Sobre la impresión de las imágenes
En cuanto a la impresión de las imágenes, Alex Domènech
ha buscado especialmente que los negros tengan densidad. Eso lo ha conseguido
utilizando un soporte en Hahnemühle Photo Rag 308g, un papel de alto gramaje
baritado, parecido al que se utiliza en el laboratorio cuando se hacen copias
directas del negativo. Las características de este papel le hacen ganar a la
imagen una capa extra de protección y deja la tinta por debajo de la capa de
barita, ganando así profundidad en toda la gama tonal.
El resultado es este proyecto de fotografía de autor genuina que únicamente ha sido publicado en la página web de Alex Domènech y, que a partir de ahora, se materializa con una edición limitada y firmada de 10 reproducciones de estas 3 imágenes a la venta sólo en nuestra galería online:
«Listen». Alex Domènech. 2020. La obra se vende en marco negro de madera natural teñida y cristal con passepartout blanco.
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Fotografías de autor para decorar
Desde Inéditad queremos ofrecer este proyecto en formato de experiencia completa. Por este motivo, estas fotografías únicas de Alex Domènech están disponibles en una edición numerada y firmada de sólo 10 copias de 30 x 45 cm en papel libre de ácido Hahnemühle Photo Rag 308gr. Cada una de ellas se vende en marco negro de madera natural teñida y cristal óptico con passepartout ecológico color blanco.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2021/03/Beirut_Alex-Domenech_Ineditad-web.jpg6671000ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2021-04-06 23:07:322021-04-06 23:07:34Comprar fotografía de autor
