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Daniel Jaen artist

Hybrid Art Fair y Visibilizar para Normalizar

¿Se puede visibilizar (y reivindicar) la diversidad sexual y las distintas identidades de género a través del arte y desde la habitación de un hotel?

Esto es lo que nos hemos propuesto el equipo de Inéditad Gallery en nuestra próxima participación en Hybrid Art Fair. Una de las ferias que tendrán lugar en la próxima Semana del Arte en Madrid, concretamente del viernes 24 al domingo 26 de febrero en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara (Pl. Santa Bárbara nº 10).

Para ello vamos a trasladar hasta la habitación 108 nuestro proyecto Visibilizar para Normalizar representado en esta ocasión por la obra de los artistas Abel Carrillo, Bruno Ciancio, Alex Domènech, Jamalamaja, Daniel Jaen y Pablo Rodríguez.

Abel Carrillo en Inéditad Gallery
Hijo. Abel Carrillo. Collage y acrílico sobre papel mate 170gr. 13 x 18 cm. 2023

Desde sus inicios nuestra galería ha desarrollado en paralelo con su actividad este proyecto que busca conquistar espacios artísticos de primer nivel como es el caso de museos y conocidas ferias de arte. El objetivo es que dichos espacios se conviertan en lugares de legitimación donde el arte LGTBIQ+ forme parte de su programación habitual ocupando el merecido lugar que le corresponde. De este modo, no sólo se está empoderando la trayectoria de artistas LGTBIQ+, cuestión absolutamente necesaria, sino que además se da protagonismo a aquellas obras que, independientemente de la orientación sexual de su creador, hagan activismo a través de su mensaje.

Qué ves cuando me ves #2. Bruno Ciancio. Acrílico y lápiz sobre papel perforado sostenido en cristal. 50.5 x 40 cm. 2023

Éste es el caso del proyecto que el artista argentino residente en Barcelona, Bruno Ciancio (Mendoza, Argentina, 1991), va a presentar en primicia en esta feria. Se trata del proyecto “Qué ves cuando me ves”, mismo título que su obra inspirada en el estribillo de la canción “¿Qué ves?” del grupo de rock argentino Divididos. ¿Qué ves cuando me ves?, que modificándolo y sacándolo de contexto, funciona como detonante de una idea que busca, a través de dos planos superpuestos, dar a conocer lo que cada persona quiere o desea mostrar al mundo: su identidad o el sentimiento más profundo del querer ser.  Es por ello por lo que las obras de este proyecto trabajan estos dos planos, uno exterior, en el cual se representa la “envolvente”, con la que podríamos decir que venimos configurados, y un segundo plano el cual manifiesta la elección propia, el querer y el decidir ser aquello que nosotros sentimos y queremos mostrar a los demás. Es aquí donde la frase “qué ves cuando me ves” toma sentido, ya que no es una pregunta, sino más bien una afirmación. En esta línea, Bruno Ciancio expondrá en paralelo una obra en la cual la interacción con el visitante es clave, ya que dicha interacción quedará materializada en un espejo. Con ello el artista busca colocar al observador en el papel de la reflexión y de la empatía, es decir, ponerse en la piel del otro, de aquel que se mira al espejo y no se ve identificado con lo que ve. En este caso el título del proyecto vuelve a mutar para transformarse en una pregunta: ¿Qué ves cuando te ves?, pudiendo ser esta pregunta el principio de una transformación interna y externa.

Bruno Ciancio Inéditad Gallery Hybrid Art Fair
Qué ves cuando me ves #4. Bruno Ciancio. Acrílico y lápiz sobre papel perforado sostenido en cristal. 30 x 30 cm. 2023

Abel Carrillo (Murcia, 1992) expondrá en primicia nuevas obras realizadas en collage y/o en pintura digital. El trabajo de este artista murciano tiene su esencia en el resurgimiento, en la recomposición física y mental que sobreviene tras las heridas provocadas por esa sociedad que golpea, prejuzga y desgarra.

Los dibujos de Jamalamaja (Madrid, 1988) suelen tener dos protagonistas, que en muchas ocasiones son casi indivisibles: la soledad y el cuerpo masculino. En Hybrid Art Fair vamos a tener la oportunidad de ver sus últimas obras realizadas en acrílico y lápiz sobre papel.

Jamalamaja en Hybrid Art Fair
Color 5. Jamalamaja. Acrílico y lápiz sobre papel Bouffant 250 gr. 28 x 21 cm. 2023

Qué mejor que una habitación de hotel para exhibir obras de arte cuyas escenas transcurren precisamente en una habitación de hotel. Daniel Jaen (Sao Paulo, Brasil, 1988) nos trae desde Londres, ciudad en la que reside actualmente, unos óleos en pequeño formato pintados expresamente para esta feria con escenas homoeróticas que transcurren en la cama o en el baño. Unas obras que guardan el mismo hilo conductor y que forman parte de una misma narrativa. El erotismo al servicio de la reivindicación.

Los retratos hiperrealistas de Pablo Rodríguez (Málaga, 1982) establecen distintos discursos, pero entre ellos prevalece la crítica al narcisismo en plena era de los “selfies”. No en vano su obra nos habla de dudas, de prejuicios, de insolencia e incluso de tentaciones y de secretos. Todo ello a través de su perfilada técnica en acrílico y lápiz de color.

Daniel Jaen en Inéditad Gallery
Please do not disturb. Daniel Jaen. Óleo y letrero de puerta sobre lienzo. 30.5 x 30.5 cm. 2023
Pablo Rodríguez en Hybrid Art Fair
El Capricho. Pablo Rodríguez. Acrílico sobre lienzo. 25 cm. 2023

Además de la parte expositiva, este proyecto busca especialmente que el público no sea un mero observador. Nos interesa que las personas que nos visiten participen y sean protagonistas necesarias de lo que va a suceder en la habitación 108. Por eso vamos a llevar a cabo en paralelo las siguientes iniciativas con las que el espectador va a poder interaccionar:

En el cuarto de baño tendrá lugar la instalación sonora de «Skin Fields» del artista y fotógrafo Alex Domènech (Santpedor, Barcelona, 1986). Los visitantes podrán escuchar cuando entren al baño cerca de una veintena de historias que son experiencias que a menudo pasan desapercibidas para quien no las sufre, pero que afectan a un gran número de personas que se han sentido, se sienten o se sentirán discriminadas, ofendidas o angustiadas en más de una ocasión. Esta instalación tendrá el soporte de un juego de luces y el apoyo visual de algunas de las obras propuestas.

Alex Domènech en Inéditad Gallery
Hostility (serie Skin Fields). Alex Domènech. Fotografía a partir de negativo en B/N de 35mm. 30.6 x 45.7 cm. 2023

El viernes 24 a las 16:30 el ilustrador Jamalamaja va a llevar a cabo una intervención en directo pintando ante el público una obra sobre el espejo de la habitación. Titulada Nuestra identidad no es un espejismo, esta actividad quiere poner en valor la diversidad implícita en el concepto de identidad. Para ello se utilizará como metáfora aquello que vemos reflejado de nosotros mismos en un espejo, pero alterado con el resultado final de la obra creada en vivo.

Al mismo tiempo y en horario continuado, se proyectará en el monitor de la habitación la pieza de vídeo arte creada por Alex Domènech con relación a su proyecto Skin, proyecto por el que ganó en el 2020 el Premio al Nuevo Talento Fnac de Fotografía. Este proyecto rodado en Kirguistán, Siria, Líbano y España entre 2018 y 2020, aborda cómo en territorios hostiles los derechos fundamentales para las personas del colectivo LGTBIQ+ quedan relegados a espacios de absoluta intimidad. Un viaje que cruza territorios geográficos, políticos y religiosos donde la libertad de expresarse libremente queda atrapada en un refugio construido a la fuerza. Habrá unos auriculares a disposición de los visitantes para que puedan escuchar la pieza íntegramente.

Fotograma Vídeo Proyecto Skin. Alex Domènech

Como hilo conductor a esta pieza de vídeo arte, también se expondrán en la habitación algunas de las obras fotográficas de Alex Domènech pertenecientes a sus proyectos “Skin Fields” y “Cruising Jungle”.

También se proyectará una obra de vídeo arte en animación realizada por Abel Carrillo.

Por último, nos gustaría resaltar que la diversidad se manifiesta de hecho en la originalidad y en la pluralidad de las identidades que conforman la sociedad, y el arte es sin duda un magnífico instrumento para demostrarlo. ¡Venid a comprobarlo!

Inéditad Gallery en Hybrid Art Fair

Habitación 108

24 – 26 febrero 2023

Hotel Petit Palace Santa Bárbara

Plaza Santa Bárbara 10

28004 Madrid

Marclo Laborda Proyecto Blossom

El género trans y no binario protagonizan Ave y Eva

¡Nuestra primera exposición de la temporada ya empieza a tomar forma! El jueves 08 de septiembre a las 19:00 inauguramos Ave y Eva, una exposición comprometida, arriesgada y valiente.

Diez artistas de Inéditad han hecho alarde de su talento para colocar al género trans y no binario en los protagonistas de sus obras. En un momento en el que la dicotomía sobre lo que es masculino y lo que es femenino se convierte en un debate estéril, las obras de Silvia Flechoso, Pablo Rodríguez, Alex Domènech, Fernando Romero, Bran Sólo, Pablo Sola, Jean Carlos Puerto, El Dibujo, Marco Laborda y Abel Carrillo van a ayudar al espectador a reforzar el concepto de identidad, pero más específicamente el de identidad sexual individual. Aunque no sea fácil de asimilar para aquellos sectores aferrados al binarismo, existen tantas identidades de género como personas.

Este proyecto cuenta además con la colaboración de Canal Gallery, cuyo director Balu, nos cede su espacio ubicado en el Carrer del Palau 4 de Barcelona hasta el 01 de octubre. Todo ello con el objetivo de que esta exposición sea lo más omnicanal posible, tanto online por nuestra parte, como físicamente con el apoyo de Canal.

¡Ya nos han llegado algunas de las 29 obras que van a formar parte de esta muestra única y las queremos compartir con vosotres!:

Silvia Flechoso (Burgos, 1991) presenta en esta exposición un tríptico compuesto por “0”, “1” y “Kristo-Rebis”. Tres sorprendentes obras en óleo sobre lienzo cargadas de simbología que reinterpretan el Adán y Eva de Durero y el Cristo Crucificado de Velázquez respectivamente, haciéndolo bicéfalo, en este último caso, con las cabezas de la cantante y activista Samantha Hudson y la versión masculinizada de la propia Silvia.

Silvia Flechoso Obras Disponibles
Kristo-Rebis de Silvia Flechoso. Óleo sobre lienzo. 97 x 97 cm. 2022

Pablo Rodríguez (Málaga, 1982) hace alarde de su técnica hiperrealista con “Sobre Negro”, “El Prejuicio” y “La Duda”. Unas obras que realzan el derecho a la ambigüedad sexual sin tener que ser juzgado por ello.

Pablo Rodríguez Ave y Eva Galería Inéditad
El Prejuicio. Pablo Rodríguez. Acrílico sobre lienzo. 60 cm. 2022

Alex Domènech (Santpedor, Barcelona, 1986) eleva la intimidad sexual a la categoría de público con un conjunto de cuatro fotografías entre las que destaca “Autorretrato y encuentro” por su gran formato laminado en metacrilato con bastidor de aluminio.  

Inéditad Galería Alex Domènech
Autorretrato y encuentro. Alex Domènech. Fotografía reproducida en color a partir de negativo de 120mm. 2022

Bran Sólo (Abarán, Murcia, 1985) tiene la virtud de convertir sus obras en poesía. En esta exposición participa con cuatro obras con mensajes como éste “lo que llamamos maleza, son simplemente las flores que a algunos no les gustan. Para mí, estas flores que tienen que aprender a quererse a pesar de los demás, son las más bonitas.”

Bran Sólo Inéditad Galería Exposición Ave y Eva
Llanto a mares. Bran Sólo. Óleo sobre bastidor de madera. 50 x 40 cm. 2022

El fotógrafo Pablo Sola (Madrid, 1984) nos invita a deconstruir la realidad con unas bellas fotografías que fusionan la estética futurista con la propia ambigüedad inherente en el cuerpo humano. Dos propuestas que trabajan esta percepción más allá de la representación artística.

Pablo Sola Inéditad Galería
Hit me like a man / Love me like a woman. Pablo Sola. Fotografía sobre papel algodón Silk 1000 puntos. 2022

El Dibujo (Águilas, Murcia, 1992) nos propone “Pensadores”, un díptico indivisible en óleo sobre madera que “representa las ideologías sobre género arraigadas en nuestra cultura y cómo éstas nos impiden ver nuestro propio yo y descubrir nuestra identidad de forma natural.

El Dibujo Galería Inéditad
Una de las obras del díptico Pensadores: El Dibujo. Óleo sobre bastidor de madera. 70 x 50 cm. 2022

Marco Laborda (Barcelona, 1987) presentará en primicia su proyecto Blossom con unos retratos fotográficos en gran formato de Mina Serrano y Vanina Bruc. Dos obras que simbolizan la belleza de lo diferente en un momento en el que precisamente lo divergente está tan cuestionado.

Marclo Laborda Proyecto Blossom
Blossom Symphony 1. Marco Laborda. Fotografía en papel Epson Enhanced Matte 200g. 2020

Abel Carrillo (Murcia, 1992) participa con cuatros obras inéditas de su serie Cicatrices. Una serie que fusiona el gouache, la pintura digital y el collage para recordarnos que toda herida, física o emocional, nos deja una cicatriz. En nuestras manos está el evitar que esta herida genere más dolor.

Cambio. Abel Carrillo. Técnica mixta. Collage y gouache. 40 x 30 cm. 2022

Fernando Romero (Barcelona, 1980) rinde homenaje a las activistas trans Marsha P. Johnson y Sylvia Rivera con su obra “STAR 73” y en paralelo empodera la transgresión de lo establecido con “Queen”, ambas pintadas en óleo y acrílico sobre lienzo.

queer art
Queen. Fernando Romero. Óleo y acrílico sobre lienzo. 55 x 46 cm. 2022

Jean Carlos Puerto (Caracas, Venezuela, 1981) hace del realismo pictórico un estilo necesario para contar historias, donde sentimientos como la soledad, el rechazo o el apego quedan reflejados en sus obras. En Ave y Eva participa con tres magníficos óleos con pan de cobre sobre madera, uno de los cuales es un retrato en colaboración con el artista y drag Hugáceo Crujiente.

Hugáceo Crujiente por Jean Carlos Puerto
El vuelo sin sombra. Jean Carlos Puerto. Óleo y pan de cobre sobre madera. 60 x 40 cm. 2022

¡También os podemos adelantar una gran noticia! Para completar el ciclo expositivo y dar mayor dimensión a esta propuesta, contaremos con la presencia de dos artistas multidisciplinares que son a su vez activistas y referentes del género no binario, como son Ángelo Néstore, quien dará una conferencia el 15 de septiembre (porque además os tenemos que contar que el título de Ave y Eva lo hemos tomado prestado de uno de sus poemas); y Hugáceo Crujiente que hará otra el 22 de septiembre.

Como veis queremos hacer de este proyecto un evento sin precedentes que sirva para ensalzar el arte como un poderoso instrumento de cambio. Con Ave y Eva queremos invitar al espectador a la reflexión, a que respire libertad, a que desarrolle su pensamiento crítico y a que empatice con otras realidades que probablemente no disten mucho de la suya propia.

Si te interesan alguna de estas obras o te gustaría hacer una visita personalizada a la exposición, ¡envíanos un Whatsapp o un mail a galeria@ineditad.com y lo organizamos!

Ave y Eva

Una exposición de Inéditad.

Inauguración 08 de septiembre del 2022 a las 19:00

Dónde: Canal Gallery (Carrer del Palau 4 de Barcelona)

Clausura: 01 de octubre del 2022

Galería Inéditad Exposición Ave y Eva
Obras de Cristóbal Tabares

Los mejores regalos de Navidad para sorprender

Regalar arte en Navidad. ¿Necesitas ideas para regalos originales? Además de acertar por su singularidad, te vamos a demostrar en este post que ¡hay presupuestos para todos los bolsillos!

Piezas originales de los artistas Eduardo Urdiales, Gyuk y Claudio Petit – Laurent

Arte para regalar en Navidad

Son tres los motivos por los que te proponemos regalar arte esta Navidad y los tres son absolutamente sugerentes:

Apoyo al arte emergente

Aunque en Inéditad no somos muy partidarios de emplear el término artista emergente (nos gusta mucho más artista prometedor), lo que es indiscutible es que consumir arte es la mejor forma de protegerlo. Nuestra galería está especializada precisamente en apostar por creadores que a través de su talento tienen mucho que decir. Por eso si estás pensando en un regalo de Navidad sorpresa, además de dejar pasmado a tu ser querid@ estarás colaborando a que muchos profesionales puedan seguir trabajando con pasión en su oficio.

Obras en óleo sobre lienzo de la artista Silvia Flechoso

Arte para todos los bolsillos

No te dejes influir por las leyendas urbanas. En nuestra galería te confirmamos que se pueden comprar obras de arte originales, 100% certificadas desde 80€. Sí, sí, una obra de arte auténtica por 300€ o menos es posible. Te animamos a que clickes en este enlace y veas todas las propuestas que tenemos a muy buen precio.

Óleos en pequeño formato de Claudio Petit – Laurent desde 80€ IVA inc.

Regalar arte en Navidad es regalar emoción

Cuando regalas una obra de arte, estás entregando además un objeto capaz de provocar sensaciones. Un instrumento que despierta los sentidos y que puede generar en la persona que lo recibe pensamiento crítico para entender el mundo que le rodea. Una pintura, un dibujo, una fotografía son también catalizadores de emociones, espejos con los que en cierto modo todos nos podemos sentir identificados. Una obra de arte crea inevitablemente un vínculo con el espectador, un diálogo muy especial que no consigue ninguna otra cosa que se quiera regalar. ¡Haz la prueba!

«Sofia 2» de Bruno Ciancio. Grafito y lápiz sobre papel. Obra única.

Qué regalar esta Navidad

Su versatilidad permite que puedas escoger entre muchas disciplinas a la hora de decantarte por regalar arte en Navidad. En nuestra galería disponemos de pinturas, dibujos y fotografías hechas en su mayoría en exclusiva para nuestro proyecto, con lo que además de regalar algo diferente, estarás también ofreciendo algo único.

¡Descubre a continuación toda la variedad de técnicas con las que podrías sorprender!

Obra original del artista Saúl G. Corona

Regalos de Navidad originales hechos a mano

La manualidad en su ejecución convierte una obra de arte en uno de los objetos más bellos que se puedan regalar. Ya sea a través de un pincel, de un lápiz e incluso a través de un revelado fotográfico analógico, el objeto final es puramente artesanal, único e irrepetible.

Obra del artista Sergio de la Flora. En exclusiva en nuestra web

¡No lo dudes! Tanto si eres coleccionista como si no, nada mejor que regalar por amor al arte. Déjanos ayudarte con los regalos para esta Navidad del 2021.

Arte Queer en Galería Inéditad

Arte Queer más activo que nunca

Arte queer es sinónimo de activismo. Más allá de la representación de obras de arte gay, el queer art se traduce en un movimiento cultural, reivindicativo y progresista que ejerce de vehículo transformador en una sociedad, que a través de la historia, ha necesitado de elementos subversivos para agitar conciencias y normalizar lo disidente.

Arte queer en la historia del arte

Pinturas homosexuales o pinturas gay han existido prácticamente desde que el mundo es mundo y el arte es arte. Sin ir más lejos se me viene a la mente los aprendices de Da Vinci, Francesco Melzi o Salaí, los cuales se decía que eran amantes de Leonardo, tal y como Giorgio Vasari insinuó en la biografía que escribió del genio florentino. Ambos fueron en muchas ocasiones sus musos masculinos, como en el caso de la obra “San Juan Bautista”, en la cual aparentemente Salaí le hizo de modelo.

San Juan Bautista. Leonardo da Vinci. Óleo sobre tabla. 1513-1516. Museo del Louvre
San Juan Bautista. Leonardo da Vinci. Óleo sobre tabla. 1513-1516. Museo del Louvre

La mitología ha servido de argumento a muchos grandes maestros para representar, de una forma más o menos explícita, las relaciones entre personas del mismo sexo. Sirva de ejemplo “Las Tres Gracias” (1630 – 1635) de Rubens, obra en la que el artista rinde homenaje (y al desnudo) a Aglaya, Eufrósine y Thalía, hijas de Zeus y Hera, presentes en todos aquellos acontecimientos en los que el placer fuera protagonista. En la misma línea encontramos, “La muerte de Jacinto” (1752-1753) de Giambattista Tiepolo, considerada por el Thyssen como icono gay del museo. Esta obra muestra el trágico final de la historia de amor del dios Zeus con Jacinto, incorporando en ella varios guiños al homoerotismo.

Arte queer. La muerte de Jacinto_Giambattista Tiepolo_1752-1753_Óleo sobre lienzo_Museo Thyssen_Bornemisza
La muerte de Jacinto. Giambattista Tiepolo. Óleo sobre lienzo. 1752-1753 Museo Thyssen-Bornemisza

Y ya en tierra patria no podemos pasar por alto la posible relación sentimental entre Francisco de Goya y su amigo y comerciante aragonés Martín Zapater, con intercambio incluido de dibujos de corazón y de pene a través de su correspondencia.

Última carta de Goya a Martin Zapater-1799. Museo del Prado
Última carta de Goya a Martin Zapater. 1799. Museo del Prado

Arte gay como agente de cambio

Lord Byron, Virginia Woolf, Frida Kahlo, Truman Capote, Francis Bacon, Rudolph Nureyev, David Hockney, Keith Haring, Tseng Kwong Chi, Andy Warhol, Rock Hudson, Tamara de Lempicka, Freddie Mercury, George Michael y un largo etc forman parte de una lista de artistas, cantantes, escritores que en su momento vivieron su homosexualidad o bisexualidad de forma más o menos clandestina, dejando a través de su obra resquicios testimoniales de su encriptada identidad.

Quizá muchos de ellos sin saberlo ya eran precursores del arte queer.

Arte Queer. David Hockney_Domestic Scene_1963_Óleo sobre tela_Colección Privada
Domestic Scene. David Hockney. Óleo sobre tela. 1963. Colección Privada

Galería de arte gay

Desde Inéditad Galería pretendemos poner en valor el arte queer. Por este motivo incorporamos a nuestro proyecto a grandes artistas LGTBIQ+ que logran mediante sus obras desafiar al heteropatriarcado y a sus estereotipos. Una forma de generar pensamiento crítico a través de la expresión artística y transgredir los límites de una moralidad no siempre bien entendida.

Superficial de Pablo Rodriguez en Ineditad Galeria
Superficial. Pablo Rodríguez. Lápiz y acrílico sobre papel emplacado. 2020. 52 x 62 cm
Comprar cuadros online
Un día después. Jean Carlos Puerto. Óleo sobre contrachapado de abedul. 2020. 40 x 35 cm
Arte queer
Fluid. Daniel Jaen. Óleo sobre lienzo. 2021. 33 x 24 cm
arte online
Jacobo. Nacho Hernández Álvarez. Óleo sobre lienzo. 2019. 200 x 140 cm

¿Quieres ver todas las propuestas de arte queer que tenemos disponibles en nuestra galería online? ¡Haz click a continuación!

Referencias

* Hettie Judah. BBC Culture. “Leonardo Da Vinci: la fascinante historia de los hombres a los que amó.” https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-50721505

*María de Sancha. Huffpost. “10 obras para entender la conexión entre arte y homosexualidad”.  https://www.huffingtonpost.es/2017/06/29/10-obras-para-entender-la-conexion-entre-arte-y-homosexualidad_a_23005702/

* Alegría Olmeda. Vein. “6 ARTISTAS HISTÓRICOS QUE TUVIERON RELACIONES CON PERSONAS DE SU MISMO SEXO”. https://vein.es/6-artistas-gays/

* Pablo Esparza. Especial para BBC Mundo. “8 tesoros del «arte gay» del Museo del Prado que ayudan a entender la historia de la homosexualidad en el arte.” https://www.bbc.com/mundo/noticias-40371673

* https://www.thestonewall.es/estos-artistas-gays-marcaron-la-historia/

Queer Art at Ineditad Gallery

Arte Queer. El desnudo frente a la censura

El Orgullo LGTBIQ+ contribuye a que estemos más concienciados sobre lo mucho que el arte queer aporta en la defensa de los derechos del colectivo. En Inéditad Galería destacamos precisamente el concepto de arte como instrumento de cambio, tal y como se muestra en nuestra sección Gay Art.

Los desnudos artísticos de nuestras obras reivindican la libertad de expresión de los artistas queer. Identidades de género y de diversidad sexual representadas en ocasiones por cuerpos sin ropa que incluyen, obviamente, la genitalidad.

Arte Queer y la censura en la red

De todos es sabido que Instagram es una de las redes sociales más potentes. Una muestra de ello es que, según el portal DataReportal, en enero de 2020 dicha plataforma registró un total de 1.000 millones de usuarios. Ello la convierte en un escaparate impresionante para que los artistas puedan dar difusión y visibilidad a sus obras. Pero ¿qué ocurre con la censura en esta red?

Desaprobación y eliminación

Instagram puede censurar de tres modos distintos: en el feed e stories; en su tienda y/o en sus anuncios dinámicos (campañas publicitarias). Varias de nuestras publicaciones han sido de una forma u otra literalmente censuradas por mostrar cuerpos desnudos y/o semidesnudos. Entre ellas se encuentran por ejemplo estas obras de arte queer presentes en nuestra galería:

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«Un día después» de Jean Carlos Puerto. Óleo sobre contrachapado de abedul. 2020. 44.5 x 39.5 cm
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«Yerma o la imposibilidad de ser madre-Fernando» de Nacho Hernández Álvarez. Óleo sobre lienzo. 2019. 200 x 140 cm
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«El Deseo» de Pablo Rodríguez. Lápiz y acrílico sobre papel Fabriando 200g. 2020. 32 x 42 cm
cuadros modernos para salon comedor
«Balcony 2020» de Fernando Romero. Óleo sobre lienzo. 2020. 50 x 61 cm
Pintura de Bran Solo
«Fabio» de Bran Sólo. Acrílico sobre papel Canson 250g. 2019. 21 x 29.7 cm

Como se puede observar, estos retratos son una representación puramente artística. Una expresión de talento que busca educar en la tolerancia y en el respeto. Un instrumento reivindicativo capaz de derrumbar barreras ideológicas, religiosas e, incluso, políticas. Aun así, la nueva censura del siglo XXI ha desaprobado y eliminado estas obras de nuestra cuenta de Instagram.

Censura no sólo para artistas LGTBI

Debemos recordar que la censura en Instagram no sólo sucede contra la comunidad LGTBI o contra el arte queer enfocado a este tipo de público. Facebook Inc., propietaria de Instagram, argumenta de este modo en sus normas comunitarias las razones por las que el desnudo debe estar censurado en su red social:

“Limitamos la exhibición de desnudos o actividad sexual para proteger a determinadas personas de nuestra comunidad que muestren una especial sensibilidad ante este tipo de contenido”.

Desde Inéditad pensamos que este planteamiento resulta más que preocupante, especialmente si se pretende inculcar que aquello de lo que nos tenemos que proteger en nuestra sociedad es de contemplar un cuerpo desnudo.

Todas estas reflexiones nos han llevado a preguntar: ¿qué sucedería si las principales pinacotecas del mundo asociaran también el desnudo con la obscenidad?

El desnudo artístico alrededor del mundo

La censura al desnudo no es algo nuevo a lo que nos tengamos que enfrentar. De hecho, lleva siendo una cruenta batalla con la que los artistas llevan años lidiando. Diversas razones, culturales, ideológicas, religiosas y/o políticas, han llevado a considerar la representación del cuerpo desnudo como algo obsceno y pecaminoso.

El artista italiano Amedeo Modigliani supo bien a lo que nos estamos refiriendo. Algunos de sus retratos que representaban a una mujer desnuda mostrando su vello púbico, causaron revuelo en la galería Berthe Weill de París. Su exposición de hecho fue clausurada, causando un gran revuelo en la sociedad de la Belle Époque francesa.

Amadeo Modigliani_Desnudo reclinado_1917_ Liu Yiquian Collection
«Desnudo reclinado». Amedeo Modigliani. 1917.

Otro ejemplo lo encontramos en el pintor austríaco Egon Schiele que, en 1912, tuvo que pasar 24 días en la cárcel por delitos de inmoralidad al relacionársele con cientos de bocetos que representaban figuras desnudas.

Desnudos destacados en los museos

Pero, en un contexto aparentemente tan puritano, ¿cómo es posible que las obras de desnudo ocupen un lugar tan destacado en las pinacotecas más importantes del mundo?

La mitología griega y romana (dioses, guerreros, atletas…) e incluso algunas representaciones religiosas (como los martirios, con desnudos parciales o totales) han podido ‘librarse’ de la censura al representar las figuras bajo un halo de divinidad o haciendo uso de la corporalidad para mostrar dolor o sufrimiento, como es el caso de algunas escenas bíblicas.

Podemos citar algunos ejemplos:

  • ‘David’ (1501-1504), de Miguel Ángel. Galleria dell’Accademia, Florencia

Mito y guerrero. Así es una de las esculturas más famosas del mundo donde Miguel Ángel plasma la fuerza sobrehumana y el atractivo masculino en una obra icónica que ha traspasado la barrera del tiempo.

  • ‘Marte’ (1638), de Diego de Velázquez. Museo del Prado (Madrid)

Realizada en la España del Barroco, Velázquez la pintó para Felipe IV. El Dios de la Guerra se muestra semidesnudo en una expresión de melancolía sin precedentes rompiendo la rigidez e idealización de las figuras clásicas. Estos puntos le valieron para ‘librarse’ de la censura donde, de hecho, la obra se expuso en el pabellón de caza del Rey.

El Dios Marte_Diego de Velazquez
  • ‘El nacimiento de Venus’ (1445 – 1510) – Botticelli. Galería Uffizi, Florencia

Símbolo de la pintura italiana. El nacimiento del Amor y de la Belleza espiritual como fuerza motriz de la vida. Este es el significado que representa esta creación de Sandro Botticelli. El hecho de mostrar a una diosa mitológica que se cubre sus ‘partes pudendas’ con el pelo y la mano, haría que la expresión artística reinara por encima de la desnudez.

  • ‘La maja desnuda’ (1795 – 1800) – Goya. Museo del Prado, Madrid

Un caso muy peculiar de la pintura patria es el de ‘La maja desnuda’. Se trata de la primera pintura de la historia donde una mujer de carne y hueso aparece retratada mostrando su vello púbico. Toda una declaración de intenciones y de sexualidad que tuvo en la época algún que otro encontronazo con la Santa Inquisición.

La historia dice que Manuel Godoy, el valido del rey Carlos IV, era un experto en arte además de aficionado al sexo y al arte erótico. Por ello, le encargó a Goya una representación de una ‘Venus’ recostada.

Pero, ¿por qué hay una versión vestida? Según cuenta la historia, Godoy quería situarla delante y descubrirla desnuda mediante un mecanismo de cuerdas y poleas. Toda una obra de ingeniería erótica para la época.

La maja desnuda de Goya

Alternativas a la censura de Instagram

Twitter es una de las pocas alternativas que les queda a los artistas al se una red “permisiva con el desnudo explícito”.

Al limitar la visibilidad de este tipo de género artístico, se está provocando en gran parte una producción de obra totalmente coaccionada por estas normas censoras. Un hecho realmente grave, ya que pone a los artistas y a las galerías en la tesitura de crear o de exponer trabajos que sean publicables (y por ende vendibles), aunque ello implique no estar realmente satisfecho con el resultado final.

Este hecho provocó que por ejemplo en el 2019, el exprogramador informático y actual artista Inéditad Bran Solo, creara su proyecto reivindicativo Xplicit. Una plataforma social enfocada en la difusión artística donde el erotismo y el desnudo están 100% libres de censura.

Y por supuesto, no podríamos terminar este artículo sin invitarte a que visites nuestra sección Gay Art y disfrutes del arte queer sin restricciones.

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Gay Art. Visibilizar para normalizar.

Cuando Inéditad arrancó como galería de arte a finales de enero del 2020 , tuvo muy claro que uno de sus objetivos iba a ser extender la idea de que hay un arte para todos y un arte para cada uno. Este planteamiento trasciende también al concepto de que lo que para algunos es diferente, resulta que no lo es tanto cuando se hace inclusivo y constituye una pieza integrada de forma natural en la sociedad.

Carlos Enfedaque artista
«Abrazo I» de Carlos Enfedaque
Óleo sobre lino
196 x 120 cm

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«Un día después» de Jean Carlos Puerto
Óleo sobre madera
40 x 35 cm

Desde nuestra galería queremos apoyar y reivindicar los derechos LGTBIQ+, poniendo en valor el trabajo de artistas de nuestro espacio que contribuyen con su talento a visibilizar tanto la igualdad como el respeto, más allá de heteronormas y binarismos. Te proponemos que visites nuestra sección de Gay Art donde podrás comprar arte online reivindicando aspectos tan fundamentales como la diversidad y las distintas identidades de género. En definitiva, arte como instrumento de cambio y de transformación social.

ilustraciones online
«El Deseo» de Pablo Rodríguez
Lápiz y acrílico sobre papel emplacado sobre bastidor
32 x 42 cm

«Resistencia» de Alex Domènech
Impresión en papel Hahnehmühle Studio Enhanced con laminado de metacrilato sobre base Dibond y bastidor de aluminio
120 x 80 cm

Es un ORGULLO y nunca mejor dicho, poder contar en Inéditad con piezas originales y únicas de algunos de los artistas queer más representativos de nuestro país como es el caso de Abel Carrillo, Daniel Jaen, Elia Tomás, Bran Sólo, Carlos Enfedaque, Alex Domènech, Fernando Romero, Marco Laborda, Jamalamaja, Jean Carlos Puerto, Jack Smith, Pablo Rodríguez, Pérez Caula, Juan Castaño, Claudio Petit-Laurent, Pablo Sola o Víctor Brenes.

Queer Art
«STAR73» de Fernando Romero
Acrílico y óleo sobre lienzo
116 x 89 cm

obras de Claudio Petit-Laurent
«En la cama I» de Claudio Petit-Laurence
Óleo sobre lienzo
30 x 30 cm

Cuando en el ámbito de la cultura se elude o se obvia este tipo de representaciones artísticas se está ejerciendo sobre ellas una violencia simbólica en forma de violencia cultural, cuyo resultado contribuye a la invisibilidad sistemática de la diversidad en nuestra sociedad. Ese “yo no aparezco” lo que provoca es una reproducción de la desigualdad mediante la sobrerrepresentación de lo heteronormativo. Por todo ello, Visibilizar para Normalizar busca desnaturalizar esa subalteridad y empoderar este tipo de arte desde un punto de vista integrador combatiendo la exclusión y el estigma social.

Marclo Laborda Proyecto Blossom
«Blossom Symphony I» de Marco Laborda
Fotografía en papel Epson Enhanced Matte 200g
110 x 75 cm

arte online Ineditad Galeria Daniel Jaen
«Refracted Head # VIII» de Daniel Jaen
Óleo sobre lienzo
30 x 30 cm

Dejemos de pensar que la excepción hace la norma. En este sentido el arte es sin duda una expresión de denuncia fundamental y un modo de dar voz a los que no pueden hablar a causa de la opresión a la que están sometidos. Por todo ello, hemos querido acompañar este artículo con algunas de las obras que están incluidas en el apartado Gay Art de nuestra galería y que han sido censuradas en la tienda de Instagram. Desde aquí puedes contemplarlas y enlazar con su página de compra clickando sobre ellas.

«Cambio» de Abel Carrillo
Técnica mixta, collage, gouache
40 x 30 cm
arte gay en galería inéditad
«La soledad del errante espacial» de Jamalamaja
Grafito, lápices de colores, tinta china y acrílico sobre papel Canson de 370gr
44 x 32.5 cm

queer art
«Running on water» de Jack Smith
Acrílico sobre papel
72 x 52 cm

Entrevista a Fernando Romero

Fernando Romero.»Lo que hago ahora es centrarme en el presente.»

Hace tiempo que sigo el trabajo de este artista que hoy centra la atención de este post. Mucho antes incluso de que Inéditad se transformara en una galería de arte online, su estilo y su técnica pictórica ya eran mi debilidad cuando me cruzaba con sus obras en Instagram.

Con él se volvió a hacer realidad una de mis expresiones favoritas: “arthunter”. No tenía ninguna duda que en el momento en el que este proyecto cobrara vida, él tenía que formar parte de él. Y tuve suerte, por que su talento se dejó cazar.

Construir un escenario donde comprar arte online no es sencillo, especialmente cuando aún este modelo se ve con cierta reticencia incluso por una parte importante del propio sector. Por este motivo, conseguir rodearse de propuestas de gran nivel como las que nos ofrece este artista barcelonés es simplemente una satisfacción (personal y profesional).

En esta entrevista quiero que os dejéis seducir por su filosofía de vida, por su inspiración artística y por su reinvención constante. Un nuevo artista Inéditad al que “desnudamos” al completo. Bienvenid@s a la prometedora genialidad de Fernando Romero:

Inéditad entrevista a Fernando Romero
Foto: Lucas Amillano para Inéditad

-Fer, ¿qué has aprendido a nivel personal e incluso profesional de estas semanas de confinamiento?

Estoy aprendiendo a adaptarme a la situación: no sólo vivo de la pintura, y como no puedo ejercer mi otra actividad profesional, lo que estoy haciendo es pintar, pintar y pintar. Aprovechando la situación dedico la mayoría del tiempo a la pintura, que espero que sea parte del colchón donde se apoyará mi (sufrida) economía cuando volvamos a la normalidad.

– ¿Qué acciones has llevado a cabo para conseguir que estos días de encierro se te hayan hecho menos duros?

Además de pintar intento hacer todo tipo de actividades: deporte, he retomado mi estudio del alemán, leo, escucho música, miro películas… la clave está en tener horarios y disciplina para seguirlos.

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«Sunflowers». Óleo sobre lienzo. 2020.

– Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?

Como decía antes: crear, crear y crear. Eso a nivel artístico. A nivel gubernamental los políticos deberían ayudar al sector, pero desgraciadamente esa no es nuestra decisión.

– Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?

Yo me estoy «reinventando» porque lo que estoy haciendo en casa no lo hacía antes. Estoy trabajando solamente con óleos y en formatos más pequeños. En definitiva, usando y disfrutando de lo que más tenemos ahora y que es algo que a veces nos falta a los artistas: el tiempo.

– ¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?

Sinceramente no lo sé…

Entrevista a Fernando Romero
Foto: Lucas Amillano para Inéditad

– Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?

Como resumen de lo que ya he dicho, estoy buscando lo positivo de esta situación: ahora tengo más tiempo que nunca, puedo dedicar toda mi energía a lo que más me gusta, y además estoy buscando nuevas formas de expresar lo que pinto y cómo lo pinto. A pesar de que no sé qué pasará en el futuro y ya temiendo en cómo esta situación nos afectará a todos, lo que hago ahora es centrarme en el presente.

– Hablando de tus trabajos, ¿cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?

Más que un mensaje lo que intento transmitir es un estado emocional. Quiero que mi obra haga preguntas, provoque dudas, cree empatía, o incluso que genere angustia. Quiero que quien mire mis obras tenga de necesidad de dejar todo lo que esté haciendo y dedique un (largo) momento a experimentar lo que está viendo.

Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?

Mis musas es todo aquello que llame mi atención y me emocione, puede ser una mirada que acaricia, unas manos que hablan o una lengua que se insinúa. En cuanto a referentes, son muchos y muy variados los artistas que me gustan: Velázquez y su tenebrismo, la ingenuidad de Klimt, el misticismo de Rothko… ¿Cuál es el punto en común de todos?  La emoción que me provocan sus obras.

Pintura al óleo de Fernando Romero
«Rojo». Acrílico y óleo sobre lienzo. 2018.

Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?

La situación en nuestro país es pésima para artistas emergentes porque el mercado del arte es muy limitado aquí. Para mí el problema es cultural, en este país la gente no gasta dinero en arte, prefiere gastar dinero en un buen coche o una televisión más grande. En este sentido la educación es fundamental, se debería inculcar desde niños el (nunca mejor dicho) “amor al arte”.

¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?

“El beso” de Klimt, pero diría cualquiera de sus obras, porque es el único artista que me ha hecho llorar en un museo.

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«Bye Corona». Óleo sobre lienzo. 2020

¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?

Mi opinión es muy buena porque es un escaparate prefecto para cualquier artista. Instagram es la única que utilizo.

Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?

“Il cielo in una stanza” de Mina.

El arte de Fernando Romero
Foto: Lucas Amillano para Inéditad

¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?

Belvedere en Viena, por Klimt.

¿Y un libro que todo el mundo debería leer?

La Biblia. Es broma. “Brave New World” de Aldous Huxley.

¿La botella medio llena o medio vacía? Llenándose.

La Sonrisa de Fernando Romero
«La Sonrisa». Acrílico sobre lienzo. 2020.

¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?

Sigue e insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste…

¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?

Hasta poder dedicarme 100% al arte.

¿El futuro es…?  Fe.

Entrevista a Fernando Romero
Foto: Lucas Amillano para Inéditad

Fernando Romero (Barcelona, 1980) inició su formación artística hace 10 años en Da Vinci Escuela de Arte (Barcelona) donde comenzó a tomar contacto con la pintura al óleo y el estudio de las naturalezas muertas. También en este momento se inició en el perfeccionamiento del modelo desnudo.  Posteriormente en Núria Duran Taller d’Art de Barcelona empezó a experimentar tanto con la pintura acrílica como con las técnicas mixtas, collages y grabados.

Sus obras han logrado ser finalistas en varios concursos como la XXX Edición de Pintura Sanviens (2016) o el Premio Vila Casas en el Museo Can Framis en el mismo año.

Siempre firma sus trabajos como Fe.