El proyecto LIO (Los Ilustrados de Ornamante) surgió en el año 2015, cuando la pareja de diseñadores Ornamante decidió crear, coincidiendo con la fecha de su aniversario, unas ediciones especiales de sus piezas en colaboración con varios artistas.
En esta su 7ª edición, Luis López, director de Galería Inéditad, propuso a Xavi Ferrer y a Francisco Aguilera, los fundadores de Ornamante, que once artistas representados por su galería fueran este año los protagonistas que intervinieran sus animales irreales humanizados.
RoBURNstiana de Rául Álvarez. Acrílico, espuma de poliuretano, masilla epoxi y fibra de vidrio sobre pieza realizada con diferentes resinas. 73 x 42 x 24 cm. 9 kg. 2022
Hipocalipsis de Adrián Goma. Acrílico sobre doble imprimación de gesso grueso lijado sobre pieza realizada con diferentes resinas. 43 x 23 x 20 cm. 5 kg. 2022
Mare Reme Nostrum de Martínez Cánovas. Grafito y grafito acuarelable sobre pieza realizada con diferentes resinas. 42 x 20 x 32 cm. 5 kg. 2022
Arte y diseño se dan la mano. Ornamante x Inéditad
Raúl Álvarez, Albert Bonet, Juanjo Martínez Cánovas, Abel Carrillo, Dresu, Núria Farré Abejón, Adrián Goma, Irene Pérez, Pablo Rodríguez, Jaime Sancorlo y Cristóbal Tabares, son los artistas de Inéditad Galería que se han enfrentado al reto de utilizar como soporte una de las piezas de Ornamante y desarrollar sobre ellas sus respectivas técnicas. Las únicas condiciones han sido que emplearan su propio estilo y que sacasen el máximo provecho a la tridimensionalidad de la figura.
Tras cuatro meses de trabajo, el resultado final es más que sorprendente. Once piezas literalmente únicas e irrepetibles que además de contar por primera vez con el aval de una galería, dan fe de como la fusión entre el arte y el diseño puede generar creaciones tan impresionantes como originales.
Hipólito y su Burbuja Vital de Pablo Rodríguez. Acrílico sobre pieza realizada con diferentes resinas. 43 x 23 x 20 cm. 5 kg. 2022
La Reme en La Mancha de Dresu. Spray, acrílico y óleo sobre pieza realizada con diferentes resinas. 42 x 20 x 32 cm. 5 kg. 2022
Hipólito Born to Kiss de Jaime Sancorlo. Pintura acrílica y alquídica en spray sobre pieza realizada con diferentes resinas. 43 x 23 x 20 cm. 5 kg. 2022
Además de exhibirse online, estas once piezas también se mostrarán en vivo el sábado 17 de diciembre a las 18:00 en Yoko Art Gallery(Villarroel 144 de Barcelona). Con esta exposición se culmina por un lado este proyecto, y por otro, se pone de manifiesto la importancia de generar un espíritu colaborativo en el sector, que en este caso engloba las sinergias creadas entre una galería online como es el caso de Inéditad, con una firma de diseñadores, como es la empresa Ornamante y una galería física, como es el caso de Yoko. Las tres ubicadas en Barcelona y las tres con un potente espíritu emprendedor.
La Descamación de Marcelino de Abel Carrillo. Acrílico, pintura digital y collage sobre pieza realizada con diferentes resinas. 46 x 22 x 28 cm. 5 kg. 2022
Ceferino, el Visitante de Cristóbal Tabares. Pintura acrílica sobre pieza realizada con diferentes resinas. 44 x 22 x 27 cm. 5 kg. 2022
Reme in Movement de Núria Farré Abejón. Imprimación acrílica, pintura al óleo y barniz mate sobre pieza realizada con diferentes resinas. 42 x 20 x 32 cm. 5 kg. 2022
Fran Aguilera, interiorista y artista plástico, junto a Xavi Ferrer, interiorista y diseñador, iniciaron, hace más de siete años, un proyecto sobre el cual han volcado toda su ilusión y creatividad. Nacía Ornamante su idea de materializar una “irrealidad animal humanizada” a través de piezas artísticas elaboradas completamente a mano y sobre las que han sabido depositar su talento mediante un diseño personal y único.
Inéditad Galería de arte en Barcelona
Inéditad se define como una galería errante donde la omnicanalidad es uno de sus pilares fundamentales. Fundada por Luis López en enero del 2020, entiende el arte como instrumento de cambio y transformación social. Por eso apuesta por artistas que fusionen en sus obras una excelente técnica y un profundo mensaje reivindicativo. Crear sinergias y conectar talento es también uno de sus sellos de identidad.
Robustiana Mikilina de Albert Bonet. Óleo y resina epóxica sobre pieza realizada con diferentes resinas. 43 x 22 x 24 cm. 5 kg. 2022
Ceferino Triunfante de Irene Pérez. Texturas a base de acrílicos y esmaltes fusionados sobre pieza realizada con diferentes resinas. 44 x 22 x 27 cm. 5 kg. 2022
Effigies no va a ser una exposición cualquiera. Es un proyecto que tiene como objetivo enfrentarnos a esa parte de nosotros mismos que ocultamos y que no deseamos ver. En Inéditad buscamos tratar en ella el conflicto de identidad que actualmente sobreviene entre nuestro yo real y nuestro yo virtual, esa imagen que proyectamos en redes sociales y que no siempre está sintonía o no se corresponde con la que exhibimos cuando el teléfono móvil no nos ve.
La cocinera. Albert Bonet. Óleo sobre lienzo. 75 x 62 cm. 2022
Mirror, mirror. Jaime Sancorlo. Óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. 2022
Desde el martes 15 de noviembre y hasta el sábado 22 de noviembre (con inauguración el jueves 17 de noviembre a las 19:00) se podrá ver en vivo esta muestra en el espacio que nuestra galería ha alquilado en la sede de Galería Nuevaubicada en la Calle Doctor Fourquet nº10 de Madrid.
Los protagonistas de esta exposición son siete artistas en alza que trabajan precisamente el retrato desde su propia contemporaneidad. Albert Bonet, Martínez Cánovas, Adrián Goma, Irene Pérez, Pepa Salas Vilar, Jaime Sancorlo y Cristóbal Tabares han hecho obras exclusivas para esta ocasión, tanto en pintura como en dibujo en pequeño y gran formato, con el propósito de despertar los ángeles y/o demonios que llevamos dentro. Pretendemos que sea todo un reto para el espectador.
Las marcas del arco iris. Pepa Salas Vilar. Óleo sobre lienzo. 40 x 50 cm. 2022
El final del camino. Irene Pérez. Óleo y técnica mixta sobre lienzo. 146 x 114 cm. 2022
A través de esta exposición seremos conscientes de que usamos máscaras con diferentes nombres. Una se llama familia, otra Instagram, otra trabajo, otra amigos, otra pareja… ¿pero cuál es el nombre de la que llevamos cuando nos colocamos frente al espejo? En la soledad de ese reflejo no sabemos quiénes somos. Nos miramos y no nos reconocemos. La desnudez de nuestro rostro nos angustia. ¿Por qué ese reencuentro con nosotros mismos nos espanta? Nos hemos acostumbrado a impostarnos, especialmente por dentro, para mitigar ese miedo, ese temor. Quizá haya llegado el momento de enfrentarnos a lo que no queremos ver, porque probablemente aquello que pretendemos expulsar sea lo más genuino que tenemos, lo que nos hace diferentes.
Anatometa (Nervus vago fig.B). Adrián Goma. Óleo sobre tabla entelada. 60.5 x 40 cm. 2022
Fingere I. Martínez Cánovas. Grafito sobre papel Arches 300gr satinado. 31 x 23 cm. 2022
Free Sor Rata de Callejón. Cristóbal Tabares. Óleo sobre lienzo. 116 x 89 cm. 2022
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2022/11/Estrategias-para-cerrar-la-caja-de-Pandora-II_Portada.jpeg7391100ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2022-11-08 14:08:362022-11-19 12:15:55Effigies - Arte para quitarse la máscara
La idea de llevar a cabo esta exposición surgió cuando estaba cursando la asignatura de Los espacios de intervención cultural en el Máster de Gestión Cultural. Ahí tuve la oportunidad de escuchar en Youtube una conferencia de la especialista en arte y feminismo Marián López Fernando Cao. En dicha conferencia, me di cuenta que muchos de los aspectos reivindicativos que ella apuntaba sobre el arte realizado por mujeres, eran puntos perfectamente aplicables al arte queer: reivindicar mayor presencia en espacios culturales, luchar contra la violencia simbólica sobrevenida por el hecho de «no aparecer» o ser «invisibles»; y por último, ofrecer una alternativa a la sobrerrepresentación histórica de lo heteronormativo.
Arte y Género
La abogada, investigadora y docente Paula Viturro, a la cuestión sobre si ¿es posible hablar de arte trans? tiene la teoría de que cualquier intento de acercamiento a la cuestión trans en el arte debe comenzar por analizar sus conexiones teóricas, políticas y estéticas con la historia del concepto de género y con el arte feminista. En este caso vamos a sustituir en nuestro argumento el arte trans por el arte queer de forma global.
El Abrazo. Carlos Enfedaque. Óleo sobre lino. 196 x 120 cm. 2022
Resistencia. Alex Domènech. Fotografía en papel Hahnemühle Studio Enhanced. 2022
En este contexto, conocí en paralelo a Beatriz Pereira en septiembre de 2021. Ella participaba también con su galería en el festival Obertura Carabanchel. Congeniamos muchísimo, no sólo porque su galería fuese online como es el caso de Inéditad, si no porque ella desarrolla su actividad bajo la perspectiva de género, dando visibilidad únicamente al trabajo realizado por mujeres, Un aspecto que me pareció muy interesante, especialmente por confirmar que hay una generación de galeristas que apostamos por dar difusión a un tipo de arte que agite conciencias.
Perspectiva de (Diversidad) de Género
A partir de ahí fue cuando tras unir todas estas piezas que os he comentado se me ocurrió proponerle organizar una exposición en Madrid que uniera tanto la perspectiva de género, a través de seis de sus artistas, como la perspectiva de diversidad de género representada en esté último caso por seis artistas queer de mi galería. La idea de desarrollar una muestra conjunta entre Galería Beatriz Pereira y Galería Inéditad le pareció fantástica. Acto seguido le propusimos el proyecto al director de Galería Nueva, Daniel Silvo, que sabíamos que dispone de un espacio en la calle Fourquet destinado a organizar exposiciones externas, y a él también le sedujo muchísimo este proyecto.
Por parte de Inéditad, Silvia Flechoso, Jean Carlos Puerto, Carlos Enfedaque, Pablo Rodríguez, Alex Domènech y Fernando Romero expondrán en esta exposición sus últimos trabajos proponiendo al espectador conocer una realidad que va más allá de heteronormas y binarismos.
Solve et Coagula. Silvia Flechoso. Óleo sobre lienzo. 2022
La Ausencia. Pablo Rodríguez. Acrílico sobre lienzo redondo. 60 cm. 2022
La Galería Beatriz Pereira presentará los trabajos de las artistas Clara Barquín, Isabel Flores, María JL Hierro, Marina Benito, Paula Rosell y Pilar del Puerto como muestra de la visión y de la relación de las mujeres en el arte.
Immobile. Paula Rosell. Impresión en papel Hahnemühle Matt Fibre 200 gr. 2018
A fragment of sensation II. Isabel Flores. Acramina ecológica sobre Georgette de seda y forja. 2022
Arte queer y arte hecho por mujeres
Mujeres artistas y artistes queer tienen muchos puntos en común en cuanto a la exclusión a la que se han visto sometidos sus discursos. Cuando en el ámbito de la cultura se elude o se obvia la obra realizada por mujeres o por artistas LGTBIQ+, se está ejerciendo sobre unas y otres una violencia simbólica en forma de violencia cultural cuyo resultado contribuye a la invisibilidad sistemática en la sociedad de la diversidad, vehículo de las diferentes perspectivas e identidades. Ese “yo no aparezco” lo que propicia en realidad es una reproducción de la desigualdad mediante la sobrerrepresentación de lo heteronormativo o de lo propiamente masculino.
Súbete a mi silla. Fernando Romero. Acrílico y óleo sobre lienzo. 92 x 73 cm. 2022
El Clavel Verde. Jean Carlos Puerto. Óleo sobre madera. 60 x 48 cm. 2022
Por ello esta exposición busca desnaturalizar esa subalteridad y empoderar tanto el arte hecho por mujeres como dignificar en paralelo las obras realizadas por artistas queer. Todo ello desde un punto de vista integrador capaz de combatir la exclusión y el estigma social.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2022/10/Carlos-Enfedaque_Abrazo-I_Ineditad-web.jpg18001103ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2022-10-04 23:26:022022-10-12 22:41:59Arte Queer y Arte Feminista. Exposición Perspectivas e Identidades
Comprar obras de arte en verano es como llevarte a casa un pedacito de esta atípica estación. Una forma de trasladarte a otros lugares gracias al poder y a la magia de las artes visuales.
En nuestra galería de arte online os hemos preparado una selección de obras que te invitarán a viajar simplemente sumergiéndote en ellas. Porque las obras de arte contemporáneo, como las bicicletas, ¡también son para el verano!
Emiliano con Limonada de Jack Smith. Acrílico sobre lienzo. 30 x 40 cm. 2022
Galería online de arte
Inéditad somos una galería online expertos en enviar sensaciones artísticas puerta a puerta. En esta ocasión vamos a proponerte comprar obras de arte con las que por ejemplo puedas zambullirte en aguas marinas a través de las pinturas de Raúl Álvarez; compartir una tarde playera con tus amigos gracias a las series “Momentos de Playa” de Jack Smith; darte una ducha refrescante en un jardín propio del Edén como hace el protagonista de la obra “Terra” de Javier Aldarias; recurrir a la camiseta mojada para combatir el calor con el proyecto “Wet T Shirt” de Carlos Enfedaque o disfrutar de un inusual “Desayuno en la Barceloneta” de la mano del artista Albert Bonet.
Blue de Raúl Álvarez Jiménez. Óleo sobre lienzo. 50 x 50 cm. 2021
Terra de Javier Aldarias. Óleo sobre lienzo. 100 x 80 cm. 2019
Wet T Shirt IV de Carlos Enfedaque. Óleo sobre lino. 53 x 43 cm. 2021
Desayuno en la Barceloneta de Albert Bonet. Óleo sobre lienzo. 162 x 130 cm. 2021
Tereré en la playa de Jack Smith. Acrílico sobre lienzo. 38 x 61 cm. 2022
Comprar cuadros originales online
Cuando se trata de comprar obras de arte en verano el destino lo pones tú. Nosotros nos encargamos de que el cuadro que selecciones te llegue a la dirección que tú nos digas, estés o no de vacaciones. Esa es nuestra misión, ponértelo lo más fácil posible.
Tijuana Lady de Gyuk. Acrílico sobre lienzo. 77.5 x 59.5 cm. 2021
Primera Cita de Dresu. Óleo sobre lienzo. 50 x 50 cm. 2021
Pórtico – Elisa de Ana Patitú. Acrílico sobre papel Hahnemühle 450g. 50 x 32.5 cm. 2020
Por eso nuestras obras veraniegas como “Tijuana Lady” de nuestro artista Gyuk; “La Espera I” del ilustrador digital Juan Castaño; Lurra III de Irene Cruz; “Primera Cita” de Dresu; “Pórtico-Elisa” de Ana Patitú o “Pietro” de Bran Sólo, te llegarán con su correspondiente certificado de autenticidad y además con la garantía de que la puedas devolver si no te convence una vez que la hayas recibido. Comprar obras de arte en internet es totalmente seguro y nuestra galería te ofrece para ello un contacto permanente y personalizado durante todo el proceso, desde el momento de la compra hasta que la entrega se haya hecho efectiva.
¡Feliz Verano!
La Espera I de Juan Castaño. Ilustración digital en edición limitada 1/5 sobre papel Hahnemühle 310g. 40 x 30 cm. 2021
Lurra III de Irene Cruz. Fotografía impresa en papel RC210. Edición Limitada 1/8. 60 x 40 cm
Pietro de Bran Sólo. Grafito sobre papel Canson 160g. 30 x 21 cm. 2021
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2022/07/Tereré-at-the-beach_web.jpeg7421200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2022-07-11 02:32:312022-07-11 08:04:35Comprar obras de arte también en verano
Nuestra galería de arte online ha participado por segundo año consecutivo en la feria de arte contemporáneo Art Madrid. Desde el 23 al 27 de marzo Inéditad ha vuelto a apostar por el impacto visual del estilo figurativo con un proyecto que ha puesto el acento en el arte como instrumento de cambio y de reivindicación social.
Pasados unos días desde que finalizó la Semana del Arte, ha llegado el momento de hacer balance.
Stand de Inéditad Galería en la reciente edición de Art Madrid
Art Madrid se consolida como un referente en las ferias de arte contemporáneo
Diecisiete ediciones son las que acaba de cumplir esta feria anclada en un espacio único. La Galería de Cristal del Palacio de Cibeles ha vuelto a acoger las propuestas seleccionadas para este 2022. Treinta y cinco galerías han demostrado que el arte contemporáneo es capaz de sobrevivir a una pandemia y que los amantes del arte estaban deseosos de reencontrarse con una semana como las de antaño. Así lo ha demostrado el éxito de convocatoria y el elevado número de asistentes que han acudido en el transcurso de los cinco días que ha durado este evento.
Inéditad ha aprovechado nuevamente la oportunidad que le ha brindado esta feria para demostrar que una galería de arte online tiene también su espacio en eventos culturales y artísticos de primer nivel.
El artista Jordi Díaz Alamà junto a Luis López, Director de Inéditad
Arte contemporáneo en Madrid
Una de las características que avalan el arte figurativo es la inmediatez con la que puede conectar con el espectador. Bajo esta premisa, el proyecto que hemos presentado en Art Madrid ha querido hacer uso de este nexo. Jordi Díaz Alamà, Núria Farré Abejón, Raúl Álvarez Jiménez, Lautaro Oliver, Jaime Sancorlo y Albert Bonet son los seis artistas que han colaborado con nuestra galería para demostrar que hay un arte capaz de agitar conciencias y de hacernos reflexionar sobre el mundo que nos rodea. Todo ello a través de unas obras que cuentan con un alto nivel técnico y una excelente ejecución que colocan al estilo figurativo en su merecido lugar dentro del arte contemporáneo español.
Comprar arte online y offline desde una galería de arte online
En nuestra apuesta por la omnicanalidad, Inéditad ha querido aprovechar esta cita tan relevante con el arte contemporáneo para poner en valor la accesibilidad simultánea del arte online y del arte offline. Por este motivo, todas las obras que hemos expuesto en la 17ª edición de Art Madrid podían adquirirse tanto físicamente como online, gracias a un código QR habilitado en cada cartela que dirigía al usuario a nuestra web. Allí se podía además obtener más información tanto de nuestros artistas propuestos como de la obra en cuestión.
Personas amantes del arte
Dicen que lo mejor de un viaje es la gente que uno se cruza en el camino. Estos días en Art Madrid han sido para nuestra galería de arte online un maravilloso punto de encuentro con amigos, artistas, coleccionistas y apasionados del arte.
Ha sido un placer para nosotros recibir en nuestro stand a Víctor Gutiérrez, actual Secretario LGTBI del PSOE, que fue testigo de excepción de la presentación en la feria de la obra “Egolatríada” de Jordi Díaz Alamà. Nos visitaron también Ester Capella, Delegada de la Generalitat de Catalunya en la Comunidad de Madrid; Lluís Bassat y Carmen Orellana, creadores de la Fundació Carmen & Lluís Bassat; Bernardo Pajares y Juanra Sanz, artífices del magnífico podcast Arte Compacto; además de muchos de nuestros artistas y amigos que aprovecharon esta gran ocasión para vernos y abrazarnos 😊
Víctor Gutiérrez, Secretario LGTBI del PSOE junto a Luis López, Director de Inéditad
Queremos dar las gracias a todas aquellas personas que se han llevado un pedacito de Inéditad a casa. En esto tiempos tan convulsos, es una gran satisfacción rodearse de personas que apuestan por el arte y lo consumen a pesar de las circunstancias. A todos ellos ¡muchísimas gracias!
En el siguiente enlace te hemos preparado una selección de las obras que han quedado disponibles tras la finalización de la feria y que ya puedes adquirir en nuestra galería online:
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2022/03/Blog-009.jpg8001200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2022-03-09 19:16:042022-03-10 09:47:17Una galería de arte online en Art Madrid
Juan Francisco Gómez-Cambronero(Madrid, 1976) ya tenía muy claro en su adolescencia que quería ser o bien ingeniero o bien pintor. Tras realizar la selectividad, se decantó por el camino que él consideró en aquel momento el más fácil. Así fue como se licenció en ingeniería técnica de Obras Públicas. Pero lejos de abandonar su pasión artística, los sistemas de representación y el dibujo técnico que aprendió durante la carrera condicionaron en cierto modo su relación con la pintura.
Cuando recibimos en Inéditad su propuesta para colaborar con nuestra galería de arte online en mayo del pasado año no lo dudamos ni un instante. Contar con el talento y la técnica de un artista de su categoría es para nuestro emprendedor proyecto artístico todo un privilegio.
Como el privilegio es que hoy tengamos la oportunidad de publicar esta entrevista con el objetivo de que vosotrxs también seáis partícipes de sus inquietudes, de sus retos y de sus propósitos para afrontar esta etapa tan incierta.
¿Juanfra, ¿qué has aprendido a nivel personal e incluso profesional de las semanas de confinamiento?
Sobre todo, que el ritmo de vida actual que llevamos, el estrés, las prisas y la necesidad de aparentar, anula todo lo sencillo y natural que nos hace personas, así como la capacidad de escucharnos a nosotros mismos. Con la pandemia hemos podido vivir esto en primera persona. Hemos descubierto que podemos ser creativos cuando no tenemos tantos medios a nuestra disposición y que realmente no los necesitamos tanto. Hemos descubierto el valor que tiene un simple gesto como un abrazo, un apretón de manos y muchas otras cosas que damos por hechas a diario. En lo profesional, la pandemia se ha convertido en una oportunidad para mí. Gracias a ese tiempo disponible, he retomado proyectos más arriesgados que no me atrevía a llevar a cabo antes, he experimentado con nuevas técnicas y he podido difundir mi obra fuera de España a través de redes sociales y participaciones en certámenes online. Eso me ha abierto puertas para próximas exposiciones que ya están programadas en el extranjero. En todas las crisis siempre hay oportunidades y creo que he sabido encontrarlas.
¿Qué acciones has llevado a cabo para conseguir que aquellos días de encierro se te hicieran menos duros?
En lo familiar, pude pasar y recuperar con mis dos hijos y mi mujer ese tiempo que le robamos a veces con el exceso de trabajo y ha servido para afianzar y reforzar nuestra relación y lazos familiares. En lo profesional estuve trabajando en obras de técnica mixta y collage con cuerdas, y clavos para crear paisajes geométricos y también he estado experimentando sobre la aplicación de acuarela sobre tabla de madera. También he hecho algunas obras de retratos a carbón en gran formato con un aire moderno para sacar esta técnica del clasicismo al que generalmente está sometida. También he grabado y editado un video mostrando mi estudio y algunas de mis obras.
Juan Francisco Gómez Cambronero posa con su obra «Mensaje Nocturno» disponible en nuestra galería online.
Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?
Creo que es importante que sigamos contando al resto del mundo la importancia que tiene la cultura en la sociedad y el arte como medio de expresión y como medio histórico de contar lo que sucede en un espacio de tiempo determinado. Debemos exigir a las administraciones encargadas de la gestión cultural que apuesten fuerte por ella y la promuevan, organizando exposiciones, concurso, residencias, becas, etc, en vez de borrarlas como está sucediendo en la actualidad. Finalmente, el colectivo de artistas debe permanecer más unido para ser más fuerte en vez de hacer cada uno la guerra por su lado. Por otro lado, el artista debe afrontar un cambio inevitable hacia lo digital (redes sociales, venta online, etc) si quiere permanecer en el mercado.
Se habla mucho en estos momentos del término «reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir. ¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te gustaría compartir?
Por supuesto. Adaptarse a los tiempos en los que vivimos es necesario y casi una obligación si se quiere ir al mismo ritmo y en la misma dirección. El pintor, para vender debe mostrar sus trabajos. Antes se invitaba a coleccionistas y posibles clientes a su estudio y hacia acuerdos con galerías físicas para dar visibilidad a sus obras y aumentar las posibilidades de venta, a parte de la participación en exposiciones y certámenes. Eso, hoy en día hay que seguir haciéndolo, pero no hay que olvidar la oportunidad que nos brinda internet y las redes sociales. Tenemos en nuestras manos un escaparate al mundo. La venta online a través de galerías especializadas como Ineditad, son imprescindibles para el pintor de hoy en día. También hay otras herramientas que hay que aprovechar como Youtube, para publicar videos de nuestro estudio, de algún proceso de una obra, una entrevista, etc, o las redes sociales como Facebook e Instagram que permite tener informado de todas las novedades a un grupo de seguidores afines e interesados por el arte… La reinvención del pintor pasa por adaptar su proceso y su manera de mostrar su obra hacia lo digital.
«Night Lights I» de Juan Francisco Gómez Cambronero. Óleo sobre bastidor. 2020
¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase todo esto?
En nada o casi nada. El hombre es egoísta y olvidadizo por naturaleza. Ya lo hemos visto tras la crisis económica del 2008.
Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué lectura positiva se puede extraer de esta crisis?
Que siempre hay oportunidades hasta en los peores momentos si se saben ver y que la gente es capaz de unirse y colaborar cuando las cosas se ponen feas.
“el colectivo de artistas debe permanecer más unido para ser más fuerte en vez de hacer cada uno la guerra por su lado.”
¿Cuál es el mensaje (o mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?
En
las pinturas y dibujos de hace unos años, mostraba mi lado más crítico con la
sociedad a través de obras de corte expresionista y deformaciones de la
realidad. El alcoholismo, la desproporción de las ideas, la excesiva ambición
humada, la violencia… eran temas recurrentes.
Con el paso de los años, he moderado mi mensaje de crítica y estilo pictórico, virando hacia un estilo figurativo realista con tintes creativos, espontáneos y sueltos. Mis temáticas se suelen centrar en momentos y gestos sencillos y cotidianos pero importantes y generadores de sentimientos como puede ser una mirada o una sonrisa. Pero también en temas urbanos y nocturnos en los que las luces de la noche o el reflejo de los faros de un coche en una calle mojada evocan situaciones emotivas.
«Night Lights II». Juan Francisco Gómez Cambronero. Óleo sobre tabla. 2020
Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?
No estudié Bellas Artes y por lo tanto no nadé en algunas aguas que podrían haberme marcado más en cuanto a referentes. En mi proceso de aprendizaje de la técnica me he valido de muchos cursos que unido a la conexión de las redes sociales y que me ha llevado a tener como referentes a muchos pintores actuales de distintas edades. Extranjeros me gustan Shaun Othen, Casey Baugh o Cesar Santos. Nacionales, sin lugar a dudas, Antonio López.
Si te propusieran colaborar con un artista para llevar a cabo una obra conjunta, ¿quién se te vendría a la mente y por qué?
Puestos a pedir, pues evidentemente del que más sabe, que es Antonio López. Su trayectoria, sus experiencias acumuladas y su visión del mundo del arte, sin duda serían valiosísimas y enriquecedoras. Él ya ha pasado por muchos destinos a los que yo aun no he llegado.
“La reinvención del pintor pasa por adaptar su proceso y su manera de mostrar su obra hacia lo digital.”
Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?
En España no se acaba de valorar la pintura. Tener un oficio de pintor es el equivalente a tener una profesión de segunda o tercera división. Dignas todas ellas, pero a otro nivel. A los pintores no se les acaba de ver bien en España. El dedicarnos a algo que no es de primera necesidad nos relega al sótano, aparte de tener que soportar a veces estereotipos asociados a ser vagos o «perroflautas». También hoy en día, en muchas ocasiones, es más importante una firma que la obra en sí, o la capacidad que tengas de influir sobre otras personas, lo cual resta seriedad a la profesión y la transforma en un mercadeo a merced de modas. Mucho de lo que arrastra este oficio nos lo hemos ganado a pulso. Por todo esto el pintor emergente lo tiene más complicado. O es bueno de verdad y gana algún premio importante que lo posicione en el mercado, o le espera por delante mucho trabajo para abrirse hueco.
¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa y por qué?
Siempre me ha gustado mucho Amadeo Modigliani. Puestos a elegir, el «Retrato de Jeanne Hébuterne con jersey amarillo». Fue de los primeros pintores que de joven me atrajeron y lo asocio a esa época de sueños de pintor y energía incombustible.
«Retrato de Jeanne Hébuterne con jersey amarillo». Amadeo Modigliani. 1918. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.
¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna de cabecera?
Una revolución en todos los sentidos. Una puerta abierta al mundo. He conocido muchos pintores y grandes trabajos a través de Facebook que es la que más utilizo y también de Instagram. Por poner algún ejemplo gracias, a las redes sociales, me han invitado a exponer en Budapest y en Estocolmo y también me han servido para vender alguna obra o realizar algún encargo.
Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras trabajas, ¿cuál sería?
Depende de la obra y temática. Si es grande y necesito energía, no me falta alguna de Led Zeppelin para arrancar. Cuando llego a partes más delicadas o son obras pequeñas bajo el ritmo y pongo a Sade, Eliane Elias o Jazz. Generalmente pinto siempre con música de fondo.
«Mensaje Nocturno». Juan Francisco Gómez Cambronero. Óleo sobre bastidor.2020
¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?
Hace unos años visité el Museo de Arte Abstracto Español Fundación Juan March de Cuenca. Siempre he sido un poco anti-abstracto o quizás no se valorarlo. Tras la visita a este museo, afiancé dos ideas. Una que ya tenía y otra nueva. La primera, que seguía sin saber valorarlo y reafirmaba mi teoría de que una firma vale más que una obra. La otra idea, que también hay arte abstracto bueno, de calidad y creativo. Me ayudé a abrir un poco la mente y a eliminar algunos prejuicios. Ir a sitios que te hacen replantear tus ideas siempre merece la pena.
¿Y un libro que todo el mundo debería leer?
«Un mundo feliz» de Aldous Huxley. A veces me da la sensación que la utopía que cuenta el libro la superamos por momentos…
“A los pintores no se les acaba de ver bien en España. El dedicarnos a algo que no es de primera necesidad nos relega al sótano.”
¿La botella medio llena o medio vacía?
Siempre medio llena. Eso marca la diferencia en la mayoría de las cosas. Los escalones se suben mejor viendo todo con positivismo, aunque cuando se aprende realmente es en las derrotas. Eso no se debe olvidar. Yo cada vez que tropiezo trato de alegrarme.
¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?
Únicamente diría que disfruten con lo que hacen y que sean constantes y trabajadores. El resto es futuro y ese está por llegar, y muchas veces en función de nuestros actos.
¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?
Al hacer una carrera universitaria la consecución de la Diplomatura o Licenciatura corresponde con el culmen de la misma. En la pintura no existen esos límites. No dibujo ningún paréntesis para acotar mi andadura. Voy a campo abierto. Está claro que algún premio importante o exponer en algún centro o museo reconocido es algo que la mayoría de los pintores queremos, pero tampoco mis objetivos van por ahí. Más bien hablan de conocer gente interesante, conocer países y lugares (una de mis pasiones es viajar) y exponer en Berlín o Paris sería algo increíble y todo con la pintura como telón de fondo. Tan solo quiero disfrutar de la pintura de aquellas cosas que puede ofrecerme, pero no busco el reconocimiento que algunos pintores ansían.
¿El futuro es…?
El futuro son nuestros hijos.
Juan Francisco Gómez Cambronero en su estudio
Nacido en Madrid en 1976, Juan
Francisco Gómez Cambronero reside actualmente en Daimiel (Ciudad Real).
Ingeniero Civil de profesión y artista de vocación, su entorno familiar estuvo
siempre envuelto en la pintura y el arte. Con exposiciones en galerías de Roma,
Suecia, Texas (Estados Unidos), Barcelona o Málaga, actualmente se perfila como
un pintor de gran proyección y con sello propio.
En Inéditad Galería tenemos la suerte de contar con tres obras nunca vistas ni expuestas anteriormente. ¡Disfrútalas!
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2021/03/Portada-Blog.jpg5001029ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2021-03-17 19:44:142021-03-17 20:00:43Juan Francisco Gómez Cambronero: “es importante que sigamos contando la importancia que tiene la cultura y el arte en la sociedad”
Hace tiempo que sigo el trabajo de este artista que hoy
centra la atención de este post. Mucho antes incluso de que Inéditad se
transformara en una galería de arte online, su estilo y su técnica pictórica ya
eran mi debilidad cuando me cruzaba con sus obras en Instagram.
Con él se volvió a hacer realidad una de mis expresiones favoritas: “arthunter”. No tenía ninguna duda que en el momento en el que este proyecto cobrara vida, él tenía que formar parte de él. Y tuve suerte, por que su talento se dejó cazar.
Construir un escenario donde comprar arte online no es
sencillo, especialmente cuando aún este modelo se ve con cierta reticencia
incluso por una parte importante del propio sector. Por este motivo, conseguir rodearse
de propuestas de gran nivel como las que nos ofrece este artista barcelonés es
simplemente una satisfacción (personal y profesional).
En esta entrevista quiero que os dejéis seducir por su filosofía de vida, por su inspiración artística y por su reinvención constante. Un nuevo artista Inéditad al que “desnudamos” al completo. Bienvenid@s a la prometedora genialidad de Fernando Romero:
Foto: Lucas Amillano para Inéditad
-Fer, ¿qué has aprendido a nivel personal e incluso
profesional de estas semanas de confinamiento?
Estoy aprendiendo a adaptarme a la situación: no sólo vivo
de la pintura, y como no puedo ejercer mi otra actividad profesional, lo que
estoy haciendo es pintar, pintar y pintar. Aprovechando la situación dedico la
mayoría del tiempo a la pintura, que espero que sea parte del colchón donde se
apoyará mi (sufrida) economía cuando volvamos a la normalidad.
– ¿Qué acciones has llevado a cabo para conseguir que
estos días de encierro se te hayan hecho menos duros?
Además de pintar intento hacer todo tipo de actividades: deporte, he retomado mi estudio del alemán, leo, escucho música, miro películas… la clave está en tener horarios y disciplina para seguirlos.
«Sunflowers». Óleo sobre lienzo. 2020.
– Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el
colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?
Como decía antes: crear, crear y crear. Eso a nivel
artístico. A nivel gubernamental los políticos deberían ayudar al sector, pero
desgraciadamente esa no es nuestra decisión.
– Se habla mucho en estos momentos del término
«reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir.
¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te
gustaría compartir?
Yo me estoy
«reinventando» porque lo que estoy haciendo en casa no lo hacía
antes. Estoy trabajando solamente con óleos y en formatos más pequeños. En
definitiva, usando y disfrutando de lo que más tenemos ahora y que es algo que
a veces nos falta a los artistas: el tiempo.
– ¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase
todo esto?
Sinceramente no lo sé…
Foto: Lucas Amillano para Inéditad
– Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué
lectura positiva se puede extraer de esta crisis?
Como resumen de lo que ya he dicho, estoy buscando lo positivo de esta situación: ahora tengo más tiempo que nunca, puedo dedicar toda mi energía a lo que más me gusta, y además estoy buscando nuevas formas de expresar lo que pinto y cómo lo pinto. A pesar de que no sé qué pasará en el futuro y ya temiendo en cómo esta situación nos afectará a todos, lo que hago ahora es centrarme en el presente.
– Hablando de tus trabajos, ¿cuál es el mensaje (o
mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?
Más que un mensaje lo que intento transmitir es un estado
emocional. Quiero que mi obra haga preguntas, provoque dudas, cree empatía, o
incluso que genere angustia. Quiero que quien mire mis obras tenga de necesidad
de dejar todo lo que esté haciendo y dedique un (largo) momento a experimentar
lo que está viendo.
– Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes.
¿Cuáles serían los tuyos?
Mis musas es todo aquello que llame mi atención y me emocione, puede ser una mirada que acaricia, unas manos que hablan o una lengua que se insinúa. En cuanto a referentes, son muchos y muy variados los artistas que me gustan: Velázquez y su tenebrismo, la ingenuidad de Klimt, el misticismo de Rothko… ¿Cuál es el punto en común de todos? La emoción que me provocan sus obras.
«Rojo». Acrílico y óleo sobre lienzo. 2018.
– Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de
banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te
merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica
harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?
La situación en nuestro país es pésima para artistas emergentes
porque el mercado del arte es muy limitado aquí. Para mí el problema es
cultural, en este país la gente no gasta dinero en arte, prefiere gastar dinero
en un buen coche o una televisión más grande. En este sentido la educación es
fundamental, se debería inculcar desde niños el (nunca mejor dicho) “amor al
arte”.
– ¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa
y por qué?
“El beso” de Klimt, pero diría cualquiera de sus obras, porque es el único artista que me ha hecho llorar en un museo.
«Bye Corona». Óleo sobre lienzo. 2020
– ¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna
de cabecera?
Mi opinión es muy buena porque es un escaparate prefecto para
cualquier artista. Instagram es la única que utilizo.
– Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras
trabajas, ¿cuál sería?
“Il cielo in una stanza” de Mina.
Foto: Lucas Amillano para Inéditad
– ¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?
La Biblia. Es broma. “Brave New World” de Aldous Huxley.
– ¿La botella medio llena o medio vacía? Llenándose.
«La Sonrisa». Acrílico sobre lienzo. 2020.
– ¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?
Sigue e insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste. Insiste.
Insiste. Insiste…
– ¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?
Hasta poder dedicarme 100% al arte.
– ¿El futuro es…? Fe.
Foto: Lucas Amillano para Inéditad
Fernando Romero (Barcelona, 1980) inició su formación artística hace 10 años en Da Vinci Escuela de Arte (Barcelona) donde comenzó a tomar contacto con la pintura al óleo y el estudio de las naturalezas muertas. También en este momento se inició en el perfeccionamiento del modelo desnudo. Posteriormente en Núria Duran Taller d’Art de Barcelona empezó a experimentar tanto con la pintura acrílica como con las técnicas mixtas, collages y grabados.
Sus obras han logrado ser finalistas en varios concursos
como la XXX Edición de Pintura Sanviens (2016) o el Premio Vila Casas en el Museo
Can Framis en el mismo año.
Siempre firma sus trabajos como Fe.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2020/06/Fernando-Romero-Portada-Blog-1.jpg10601885ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2020-06-11 00:13:312020-06-11 15:45:26Fernando Romero."Lo que hago ahora es centrarme en el presente."
Me crucé por primera vez con la obra de este artista
malagueño en octubre del 2018 en Barcelona. Fue en la inauguración de su
exposición “Silence” en el Hotel Axel. Su concepto del retrato me
pareció absolutamente rompedor. Sin perder una dosis de realismo e incorporando
elementos propios de nuestra sociedad actual, logra seducir al espectador y hacerle
partícipe de ese momento íntimo que preservan sus modelos.
Esa habilidad tan suya de hacer contemporáneo un estilo tan trabajado en la Historia del Arte como es el retrato, me empujó sin duda a lanzarle la propuesta de que se uniera al equipo de artistas de Inéditad Galería. Y para satisfacción para quien os escribe aceptó ?
Hoy lo convertimos en protagonista de esta entrevista. De la misma manera que lo hacen los personajes de sus obras, Pablo Rodríguez emerge también desde su espacio más íntimo para mostrarnos cuales son sus emociones, sus temores y sus esperanzas. En tiempos de incertidumbre, podemos aprender mucho de creadores como él.
– Pablo, ¿qué estás aprendiendo a nivel personal e
incluso profesional de estas semanas de confinamiento?
Esta etapa es un momento para recapacitar, sobre lo que uno
hacía, lo que hace y lo que podremos hacer.
– ¿Qué acciones llevas a cabo para conseguir que estos
días de encierro se te hagan menos duros?
Mis días se componen de diferentes actividades, leer, dibujar, ver cine y hacer deporte, no se me está haciendo duro.
«Realidad Consciente 10». Lápiz y acrílico sobre papel emplacado. 2019.
– Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el
colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?
Sinceramente, no lo sé, pues vienen tiempos muy muy
complicados. Quizás seguir siendo perseverante con el concepto de arte para
todos los públicos, y seguir apostando por ello.
– Se habla mucho en estos momentos del término
«reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir.
¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te
gustaría compartir?
Sí o sí nos tendremos que reinventar, no quedará de otra, y
creo que también será positivo.
– ¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase
todo esto?
Puf, no sé, pero quiero pensar que esto servirá para replantearnos el modo de vida que llevábamos y llevamos.
«Realidad Consciente 5». Lápiz y acrílico sobre papel emplacado. 2019.
– Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué
lectura positiva se puede extraer de esta crisis?
Pues ahora mismo la única lectura positiva es pensar en que cada
individuo está en un momento de introspección, y que ello traerá unos
resultados positivos a nivel individual y a nivel colectivo.
– Hablando de tus trabajos, ¿cuál es el mensaje (o
mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?
Haciendo una síntesis de la lectura de mi obra, mi trabajo se centra en la búsqueda
permanente de la retórica entre obra y espectador, en el concepto del
sentimiento que subyace en la idea de retrato como mera representación de
nuestro ego, creando un discurso en una era en la que tal disciplina es símbolo
de la exaltación del narcisismo, un debate entre nuestro yo vanidoso y nuestro
yo real, una obra que en realidad representa la fragilidad del individuo, de la
vulnerabilidad de la raza humana.
– Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes.
¿Cuáles serían los tuyos?
Ferdinand Hodler, Gustav Klimt, Alfons Mucha, entre otros.
– Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de
banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te
merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica
harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?
La situación actual de los artistas emergentes es bastante
complicada, es difícil llegar al público y entrar en el mercado, hay grandes comerciantes que son los que
dictan que es supuestamente bueno y que no lo es, en realidad hoy en día en muchos casos no
prima la calidad de la obra ni su significado, si no el discurso que el
galerista = comerciante quiera vender y ya está, “obras” que te dejan
indiferente pero que tienen un discurso vendible.
– ¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa
y por qué?
La Noche Ferdinand Hodler, una obra impactante tanto
en continente como en contenido. Las Cabinas Telefónicas de Richard
Estes, un ejemplo espectacular del fotorrealismo, y que incluso va más allá de
la realidad. Cualquier escultura de Jeff Koons, por la controversia de su obra,
figuras imnóticas que te transporta a la niñez, y que están hechas de acero,
algo que aparentemente es frágil pero que en realidad no lo es.
– ¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna
de cabecera?
Las redes sociales hoy en día son una herramienta que bien usada,
van muy bien , nos permiten mostrar un poco más de nosotros, de nuestro
trabajo. Yo en mi caso las uso para mostrar mi obra, lo que hago en mi estudio.
– Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras
trabajas, ¿cuál sería?
“Cry to me”, Solomon Burke.
«Realidad Consciente 9». Lápiz y acrílico sobre papel emplacado. 2019.
– ¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?
«Realidad Consciente 7». Lápiz y acrílico sobre papel emplacado.
– ¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?
Que trabajen muchísimo y disciplina.
– ¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?
A poder vivir al 100% de mi trabajo.
– ¿El futuro es…?
Futuro incierto.
A Pablo Rodríguez (Málaga, 1982) le gusta dibujar desde que tiene uso de razón. Empezó dibujando a lápiz y de ahí ha ido experimentado con diferentes técnicas, como pintura acrílica, tintas, acuarelas u óleo.
Para captar a sus modelos hace uso de la fotografía. Personas
anónimas que inmortaliza en actitudes cotidianas. Unas actitudes que le sirven además
para hacer crítica en aspectos tales como el egocentrismo propio de nuestra
sociedad actual, y/o la sobreexposición de nuestra vida más íntima.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2020/04/Pablo-Rodríguez-Portada-Entrevista.jpg6061078ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2020-04-26 22:04:562020-04-26 22:04:59Pablo Rodríguez. "Quiero pensar que esto servirá para replantearnos el modo de vida que llevábamos y llevamos."
Cuando vi por primera vez el trabajo de este joven fotógrafo en su perfil de Instagram entendí lo que significaba la expresión “cazar talento”. En un momento en el que justamente estaba construyendo el elenco de artistas con el que Inéditadcomo galería iba a dar sus primeros pasos, fue realmente motivador que él quisiera postularse como candidato a formar parte de este emprendedor proyecto. En cierto modo, había conseguido cazar algo de su talento.
Positivo en lo personal y autoexigente en lo profesional,
para él el Arte es un canal de comunicación donde poder contar historias y
sentirse libre.
Hoy a través de esta entrevista descubrimos a la persona que hay detrás del pseudónimo artístico de Gente Bastarda. ¿Qué está descubriendo de sí mismo en este periodo de confinamiento? ¿Qué lectura positiva extrae de toda esta situación nunca antes vivida? Realmente apasionante todo lo que Víctor Brenes nos tiene que contar sobre el mensaje de su obra, sobre sus referentes y sobre sus perspectivas de futuro.
– Víctor, ¿qué estás aprendiendo a nivel personal e
incluso profesional de estas semanas de confinamiento?
Me doy cuenta de la importancia del otro, de que realmente
nos necesitamos los unos a los otros para poder ser felices.
Me doy cuenta también de la importancia del abrazo y sobre
todo de que todos somos frágiles, y que esta situación no deja a nadie ileso.
– ¿Qué acciones llevas a cabo para conseguir que estos
días de encierro se te hagan menos duros?
Intento estar ocupado, pero no me obsesiono con ser
productivo. Creo que estamos abusando de las actividades virtuales y trayendo a
nuestro día a día el mismo estrés de que huíamos antes de todo esto. Es hora de
estar con nosotros mismos, pero eso nos da miedo.
A nivel artístico crear me está ayudando mucho a canalizar mis emociones y así en parte ir digiriendo lo que está pasando.
«Naturaleza muerta». Fotografía digital 50 mm sobre papel Hahnemühle Photo Rag. 2016
– Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el
colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?
Yo pienso que es hora de ser generosos, de compartir, de
aportar nuestro granito de arena para que todo esto sea un poco más llevadero.
– Se habla mucho en estos momentos del término
«reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir.
¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te
gustaría compartir?
Los artistas debemos tener siempre un compromiso con
nosotros mismos y con lo que creamos. Debemos reinventarnos para poder ofrecer
lo más verdadero que existe dentro de nosotros. En cierta forma, todo esto nos
hace salir de nuestra zona de confort, y una vez fuera, no queda otra que
reinventarse.
– ¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase
todo esto?
Se acercan tiempo duros, sobre todo para el sector del arte. Hay gente que está pasando la cuarentena pero que la cuarentena no pasará por ellos. Me gustaría confiar en un cambio sobre todo humano, un cambio que hiciera cuestionarnos qué somos y qué hemos estado haciendo todo este tiempo atrás. Pero sinceramente, ahora mismo todo es incertidumbre.
«Buscarte». Fotografía doble exposición sobre papel Hahnemühle Photo Rag. 2018
– Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué
lectura positiva se puede extraer de esta crisis?
Todo cambio a fin de cuenta es evolución. Ojalá aprendamos
de todo esto para poder ser mejores artistas, pero sobre todo mejores personas.
– Hablando de tus trabajos, ¿cuál es el mensaje (o
mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?
Normalmente mis trabajos son un canto a la soledad, una
reflexión sobre cómo vivimos y qué hemos olvidado.
– Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes.
¿Cuáles serían los tuyos?
Todo lo que me rodea me inspira, desde una buena película, un poema o la cajera del supermercado de debajo de mi casa.
«Buenos días». Fotografía doble exposición sobre lienzo. 2018
– Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?
El mercado actual artístico es elitista, clasista y totalmente
hermético.
La emergencia es usada más como estrategia de marketing que como
una verdadera ayuda a la gente que “comenzamos”.
– ¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa
y por qué?
“El beso de Klimt”. Me relajan sus colores y me intriga su
historia.
– ¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna
de cabecera?
Las redes sociales son una hermosa ventana al mundo del arte
contemporáneo. A mí me han servido para conocer e intercambiar ideas con gente
muy talentosa. Suelo estar más activo en Instagram.
– Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras
trabajas, ¿cuál sería?
“More than Words» de Extreme.
«El otoño que muerde». Fotografía digital 50 mm sobre papel Hahnemühle Photo Rag. 2018
– ¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?
«Frágiles». Fotografía digital 50 mm sobre papel Hahnemühle Photo Rag. 2019
– ¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?
Haz.Haz.Haz. El secreto del éxito es hacer cosas todo el rato e
irradiar luz cada segundo y en cada una de tus creaciones.
– ¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?
Me gustaría seguir haciendo lo que hago, y si puedo emocionar a
alguien con ello, ya todo tendrá sentido.
– ¿El futuro es…?
La nada.
Víctor Brenes (Sevilla, 1986) se inicia en la fotografía de manera autodidacta. Relacionado con el arte desde pequeño, encuentra en la cámara la perfecta herramienta para crear mundos que no existen. Fusiona en sus trabajos la literatura, la poesía, el teatro y todo un mundo visual que nace de lo más profundo de sus emociones. Obsesionado con contar historias a través de sus intrigantes imágenes, consigue crear una atmósfera onírica y surreal que emana de sus propias vivencias.
Texto: Inéditad.
Imágenes: Víctor Brenes Gente Bastarda.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2020/04/victor-brenes-entrevista.jpg10601885ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2020-04-24 00:32:352020-04-24 10:05:14Víctor Brenes."Crear me está ayudando mucho a canalizar mis emociones."
La primera vez que le vi en persona fue hace algo más de cinco años. Fue en Madrid, justamente en Preciados esquina con Callao. Me acuerdo perfectamente que iba acompañado por El Dibujo y que fue precisamente él quien me lo presentó. A partir de aquel momento empecé a explorar su obra y me encontré con una fusión prácticamente perfecta de sensualidad, simbolismo y emotividad. Un estilo alegórico en el que la figura masculina era continuamente reinterpretada en un lenguaje que conseguía atraparte sin casi darte cuenta.
Por aquel entonces Inéditad funcionaba tan sólo como blog, e intentaba difundir el arte que le seducía a través de artículos y publicaciones en las redes sociales. Muchas han sido las ocasiones en las que su trabajo ha sido protagonista de sus posts, siguiéndole la pista a través de las exposiciones en las que participaba y soñando que algún día, cuando Inéditadse transformara en galería, él estuviera dispuesto a formar parte del proyecto. Y por suerte para mí, el sueño se hizo realidad.
Hoy con esta entrevista me gustaría que os conquistase personal y artísticamente del mismo modo que lo hizo conmigo. Que os sumergierais con él en su mundo interior y que bucearais entre utopía y realidad para hacer fácil lo imposible. Muchxs le conocéis, pero probablemente no de este modo. Gracias Bran Sólo por unirte a este viaje.
– Bran, ¿qué estás aprendiendo a nivel personal e incluso
profesional de estas semanas de confinamiento?
De alguna manera ya estaba acostumbrado a estar en casa. Mi
casa es mitad estudio y mitad casa, así que trabajo aquí y paso mucho tiempo en
el mismo sitio. Sí que echo de menos poder salir a hacer deporte fuera, o a
hacer alguno de mis viajes para exponer o dar talleres, pero me está sirviendo
para pensar un poco más en cómo avanzar en mi obra. Tengo un poco más de tiempo
para organizarme y reflexionar.
– ¿Qué acciones llevas a cabo para conseguir que estos
días de encierro se te hagan menos duros?
No soy una persona de rutinas. De hecho, si soy capaz de
prever lo que voy a hacer durante el día se me dispara el trastorno de ansiedad
y me paso todo el día con náuseas. Tengo que hacer que cada día sea
absolutamente diferente e impredecible, ni siquiera como a las mismas horas
(suelo comer entre las tres y las cinco de la tarde). Así que estar encerrado
sin una rutina, pero en un espacio en el que dispongo de un estudio para
trabajar, un gimnasio que me ha llevado años montar en casa, y una terracita
donde tengo mis plantas y mi rincón de relajación al sol… me da mucho margen
de actividad variada 🙂
No tengo ninguna prisa por volver a la calle. Igual me quedo un poco más que vosotros.
«Fabio». Acrílico sobre papel Canson. 2019.
– Bajo tu perspectiva, ¿cómo deberíamos afrontar el
colectivo artístico la difícil etapa a la que nos enfrentamos?
Se avecina una crisis económica importante donde, como
siempre, los pobres serán más pobres y los ricos seguirán siendo ricos.
Mi visión del arte, y mi intención, es acercarlo a la gente.
Destruir la idea impuesta por los gurús contemporáneos de que el arte es algo
cifrado e inaccesible, además de estratosféricamente caro. Ahora que las
economías medias no van a preocuparse, ni van a poder permitirse invertir en
arte, es posible que vivamos un último empujón que hará que el arte sea
considerado más aún un lujo, en lugar de un medio de comunicación y cultura.
Creo que es el momento de hacer más hincapié en conseguir
que el arte sea accesible, comprensible, cercano y asequible.
– Se habla mucho en estos momentos del término
«reinventarse» como forma de adaptación ante lo que está por venir.
¿Crees que es necesario? ¿Has pensado en alguna estrategia determinada que te
gustaría compartir?
No creo que haya que reinventar lo que uno hace, sino que
quizás tengamos que reinventar el cómo uno vive de lo que hace. En mi opinión,
tanto para el arte como para cualquier otro ámbito, creo que en general
tendremos que aprender a adaptarnos más y escuchar y cuidar más a los demás.
– ¿En qué crees que cambiará nuestra sociedad cuando pase
todo esto?
Me temo que esta es sólo una primera bofetada, y necesitaremos muchas más para empezar a cambiar cosas. Volveremos a las prisas, a los tumultos, a la contaminación… a que nada y nadie importe salvo uno mismo. De momento la sociedad es así. Siempre he pensado que la sociedad se comporta y madura en la misma línea que lo hace un sólo individuo. Para mí, es posible que como sociedad global seamos el equivalente a un niño de unos 15 o 16 años, momento en el que empezamos a darnos cuenta de una manera un poco más consciente de que nuestra individualidad excesiva y ruptura con el mundo que nos rodea no nos beneficia en absoluto, pero aún no sabemos qué hacer. Aún nos queda mucho por madurar como grupo.
– Dicen que no hay mal que por bien no venga. ¿Qué
lectura positiva se puede extraer de esta crisis?
Después de todo esto vamos a tener que ayudarnos más entre
nosotros. Vamos a ver a personas que lo han pasado muy mal, que han perdido
trabajo, familia… Yo creo que vamos a ser más conscientes, más empáticos y,
en definitiva, más humanos.
– Hablando de tus trabajos, ¿cuál es el mensaje (o
mensajes) que principalmente pretendes lanzar a través de tu obra?
Suelo trabajar con las cosas que me preocupan: el amor, el
desamor, la tristeza, la soledad… Lo que todos sentimos alguna vez, y unos
pocos sentimos todo el rato. Las emociones que nos marcan suelen ser las más
negativas, y yo trato de hacerlas ver en una manera tranquila, melancólica,
pero ligeramente optimista. Tengo esperanza, y me gustaría que los demás la
tuvieran también.
– Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes.
¿Cuáles serían los tuyos?
Siempre lo digo, y me da vergüenza porque parece una ofensa
a los demás artistas, a los que me han precedido y permiten que yo hoy pueda
estar aquí. No tengo un referente.
Me llega, o me emociona, la obra de artistas como Francis
Bacon, Kokoschka, Egon Schiele, Odilon Redon… me hace pensar la soledad de
Hopper, la técnica de Hockney o la visión de Magritte o Escher. Me interesa la
pantomima de Picasso o Dalí, y el legado histórico-fantástico de Lorca… Sin
embargo, nunca los he visto como referentes, a ninguno.
Son objetivos que superar.
«Me quedo sintigo». Grafito y tinta sobre papel Canson. 2019.
– Decía Oscar Wilde “En los almuerzos de
banqueros se habla de Arte, en los de artistas, de dinero”. ¿Qué opinión te
merece la situación de los artistas emergentes en nuestro país y qué crítica
harías sobre el mercado del arte contemporáneo actual?
Estamos engañados. Todos. La gente va a un concierto y sabe si la
música que escucha es buena o no. Van a un restaurante y saben si la comida es
buena. Van al cine, y saben si la película es buena o no. Sin embargo, cuando
van a una galería de arte (si van) o a un museo (o bien porque les obligan o
porque ese día es gratis) salen de allí sin saber si lo que han visto es bueno
o no, porque piensan que tienen que entender algo que no conocen, que sólo los
magnates del arte contemporáneo pueden decidir.
Todo falso.
El arte es bueno si a uno le llega, le gusta, le emociona o le
decora la casa. Si no, por muchos millones que cueste, no será bueno.
No hay más criterio que éste, pero el mercado del arte
contemporáneo se ha encargado desde Warhol de convencernos a todos de lo
contrario. Han destruido el arte.
Por eso, hoy en día es muy complicado ser artista, que los demás
valoren tu trabajo, lo compren porque les gusta… Además, en España no tenemos
un sistema que nos apoye, que verdaderamente se haya constituido sabiendo cuál
es nuestra labor y nuestro trabajo diario.
Yo pago 300€ todos los meses por ser artista, pero no vendo todos
los meses.
Ser artista es imposible. Pero aquí estoy.
– ¿Qué obra de arte universal colgarías de la pared de tu casa
y por qué?
Ya la tengo colgada. Reflejo (autorretrato) de Lucian Freud.
Obviamente no tengo el original, pero es un retrato que me tranquiliza. Es como
algún tipo de figura paternal que vela por mí desde su rincón, y evalúa mi
trabajo artístico constantemente.
Ahí está, vigilándome, de vez en cuando le digo algo, y durante un
tiempo hasta le puse unas gafas, por si no me veía bien, como yo a él por mis
problemas de visión.
No me gusta por lo que es. Me gusta por lo que la he hecho ser.
– ¿Qué opinión tienes sobre las redes sociales? ¿tienes alguna
de cabecera?
Es una herramienta esencial para mover el trabajo de un artista,
pero también pueden llegar a ser demasiado absorbentes, o frustrantes.
Hoy en día la red por excelencia para compartir imágenes en
Instagram, sin embargo, la gente no utiliza Instagram para ver arte, lo usan
para ligar y ver carne sin tener que realizar ningún esfuerzo ni pagar ninguna
cena.
Actualmente, mis publicaciones con contenido sexual rondan los
1500 Me gusta. Mis otras obras, no llegan a veces a los 200… y tengo 25mil
seguidores, de los que sé que al menos un 10% me ve diariamente.
Es triste, pero es así. La gente no quiere cuadros. La gente
quiere dejar de sentirse sola.
– Si tuvieras que escoger una canción de fondo mientras
trabajas, ¿cuál sería?
Soy adicto a la música, ya que ni bebo ni fumo, algo tenía que
ser.
Escucho música siempre, para todo, y conozco muchísimos artistas.
Si tengo que poner solamente una, sería Mreyte ya Mreyte de Khaled (مرايتي يا مرايتي – خالد مزنر) en la que estoy basando una serie completa de pintura.
– ¿Un museo que nadie se debería perder y por qué?
Ojalá pudiera leer más, con mi condición visual. Lo último que leí
hace ya unos diez años fue Monalisa Acelerada, de William Gibson. Me
gusta soñar con el futuro. Si no, aunque me tachen de cliché, El Romancero
Gitano de Lorca (que nada tiene que ver con lo anterior) es uno de mis
textos preferidos. Lo leía una y otra vez, y cada vez que lo hacía creía
interpretar mejor que los estudiosos lo que quería decir toda aquella
simbología oprimida.
– ¿La botella medio llena o medio vacía? Mi botella vacía, la tuya llena.
«Por los pies». Acrílico sobre lienzo. 2019.
– ¿Cuál sería tu consejo para aquellos artistas que empiezan?
Nunca terminar de empezar.
Trabajar siempre, nunca rendirse. Ser muy pesado. Al final te
verán.
– ¿Hasta dónde te gustaría llegar artísticamente hablando?
Me gustaría que se me conociera en todo el mundo, igual que se
conoce a un personaje de la música, o del cine. Quisiera ser realmente
influyente, que los demás estuvieran al fin conmigo, para ser un instrumento de
presión y poder cambiar el mundo en el que vivimos, aunque fuera pintando desde
un rincón.
– ¿El futuro es…?
Azul.
Tanto en lo personal como en lo profesional le preocupa lo mismo: ser buena persona. Bran Sólo (Abarán, Murcia, 1985) trata de ayudar a los demás en todo lo que puede, sin los celos típicos de la profesión, y considera que todo lo que hacemos en la vida es menos importante que el hecho de establecer un vínculo fuerte y agradable con las personas que nos rodean. “Para ser buen pintor, hay que ser bueno en más cosas que pintando”.
Estudió programación informática, y gracias a ello hoy dispone de los medios online suficientes para llevar su trabajo a todo el mundo. Después de eso, lo abandonó todo y estudió en la Escuela de Arte de Murcia, para dedicar todo su tiempo al arte.
Texto: Inéditad.
Fotografías: Bran Sólo.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2020/04/Bran-Solo-Portada-2.jpg11231996ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2020-04-21 13:19:592020-04-21 13:20:02Bran Sólo. "Mi visión del arte, y mi intención, es acercarlo a la gente."
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