Cuerpos disidentes que por no encajar en la normatividad de género se han catalogado como “incivilizados”. Inspirada en los preceptos de la filósofa y teórica queer Judith Butler (Ohio, Estados Unidos, 1956), Inéditad Gallery inaugura el próximo 30 de junio en colaboración con Espai Fàbrica la exposición Deshacer el Género.
Abel Carrillo, Alberto Muñoz, Alex Domènech, Alfonso del Moral, Carlos Corredera, Carlos Mín, Claudio Petit – Laurent, Dani Torrent, Daniel Jaen, Elliot Manresa, Fabro Tranchida, Francesco Brunetti, Jamalamaja, Javi Cohen, Jean Carlos Puerto, Ismael Cervantes y Walther Sánchez, todos ellos artistas referentes del arte queer a nivel nacional e internacional, pondrán el foco a través de sus obras en la validación de aquellos cuerpos que no encajan en el binarismo y en la norma social.
Walther Sánchez. Isaac. Óleo sobre papel encolado. 67.5 x 37.5 cm. 2023
El acto de inauguración contará con una charla – coloquio abierto al público sobre cultura queer e identidad de género de la mano de Miquel Missé (sociólogo y divulgador, experto en género y sexualidad) y Emilio López (divulgador, escritor y artivista LGTBIQ+) que tendrá lugar en el patio de la Fábrica Lehmann. Una charla moderada por Luis López, director de Inéditad Gallery, que contextualizará la visita a la exposición que abrirá sus puertas a continuación.
Alex Domènech. Listen. Reproducción a partir de negativo 24 x 36 mm en blanco y negro. 2019
Fabro Tranchida. Con la guía de Virgilio. Acrílico y técnica mixta sobre tela. 50 x 40 cm. 2026
En una conferencia que dio Judith Butler en el CCCB el 5 de noviembre de 2015 bajo el título Cuerpos que aún importan, manifestó que el colectivo LGTBIQ+ ha salido de la sombra y se ha hecho visible haciendo escuchar sus vidas, vidas que tienen los mismos derechos que otras a vivir, a perder, a celebrar y a amar.
En este sentido Inéditad Gallery y Espai Fàbrica hacen suyas estas palabras para demostrar el poder transformador que tiene el arte queer en nuestra sociedad, no solo ocupando el lugar que le corresponde en el circuito del arte contemporáneo, sino rompiendo con la violencia simbólica que supone eludir el trabajo de sus artistas y fortaleciendo la idea de colectividad y resistencia.
Alfonso del Moral. Anthon. Óleo sobre tela. 65 x 46 cm. 2026
Claudio Petit – Laurent. Masculino en Flor 2. Óleo sobre madera. 21 x 30 cm. 2024
Exposición Deshacer el Género
Organiza Inéditad Gallery en colaboración con Espai Fàbrica
30 junio- 6 julio 2026
Inauguración 30 de junio a las 19:00
Consell de Cent 159 – Barcelona
Horario: 11:00 – 14:00 / 18:00 – 21:00
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2026/06/Walther-Sanchez_Isaac_oleo-sobre-papel-encolado_2023_portada_web.jpg8001200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2026-06-07 16:41:232026-06-07 16:41:25Deshacer el Género: la exposición de arte queer inspirada en Judith Butler llega a Barcelona
¿Hacia dónde se dirigen el coleccionismo y la gestión de arte? Analizamos el estado de salud del arte contemporáneo gracias al informe The Art Market Under 50000$elaborado por Affordable Art Fair x ArtTactic.
En primer lugar, lo relevante de este informe es que en lugar de centrarse en los titulares de subastas millonarias, analiza el tramo del mercado donde realmente se mueve gran parte de su volumen: las obras de arte por debajo de los 50.000 USD. Por eso, sus conclusiones son especialmente interesantes tanto para galerías emergentes como para aquellos artistas contemporáneos que venden en rangos accesibles. Y sobre esta lectura nos gustaría poner especial énfasis, por eso aprovechando la publicación de este informe consideramos importante poner de manifiesto que una buena programación con piezas entre 1.000 y 15.000 €/$, puede representar crecimiento si efectivamente existe una comunidad, un relato y una captación constante.
En segundo lugar, este informe pone el foco en datos reveladores sobre el nuevo coleccionismo. ¿Cómo se comportan los coleccionistas de la la Generación Z o Millennials respecto a la generación Boomer? Vamos a analizarlo:
Stand de Inéditad Gallery en la 6ª edición de By Invitation. Solo Project de Gastón Lisak
¿Dónde descubren arte los coleccionistas?
Sobre esta pregunta el informe recoge la siguiente información:
– 86 % en ferias de arte
– 69 % a través de galerías
– 36% en RRSS
– 33% en estudios de artistas
– 32% en plataformas online
– 28% amigos y el boca oreja
– 20% subastas
* Pero OJO a este dato! Solo el 58% de los compradores de la Gen Z usan las galerías como canal de descubrimiento, con lo que está claro que las galerías deben ponerse las pilas si no quieren perder el nicho que supone esta generación.
¿Qué motiva a los jóvenes coleccionistas?
Apoyar a los artistas es el segundo motivo por el cual los coleccionistas de la Generación Z y de los Millennial adquieren arte (55% y 57% respectivamente), mientras que dicho motivo solo lo es para un 36% de la generación Boomer.
Coleccionismo y gestión de arte en la compra de arte contemporáneo
– El 92 % de los coleccionistas encuestados compran una obra por motivos emocionales.
– El reconocimiento social es el motivo con menor porcentaje (10%).
Solo Project del fotógrafo Alex Domènech. Stand de Inéditad Gallery en la XIIª edición de Art Photo Bcn
¿Influyen las RRSS en sus decisiones de compra?
– Sí para un 47% de los coleccionistas de la Gen Z.
– Sí para un 38% de los coleccionistas Millennials.
¿Dónde compran arte las nuevas generaciones de coleccionistas?
El 42% de los coleccionistas encuestados de la Gen Z y Millenial compran arte directamente online (frente a un 32% de los coleccionistas en general).
¿Cuáles son los hábitos de compra en el coleccionismo y gestión de arte?
– El 47% de los compradores encuestados manifiestan que no han comprado un mayor número de obras respecto a los dos años previos.
– Un 32% confirma que sí está comprando más arte, arrojando un nuevo dato positivo sobre el coleccionismo y la gestión de arte.
El coleccionismo y la gestión de arte apuesta por el arte contemporáneo y los artistas vivos.
– El 81% del coleccionismo está centrado principalmente en arte contemporáneo (artistas nacidos entre 1930 y 1979).
– El 76% en arte ultra contemporáneo (artistas nacidos a partir de 1980).
– Con un porcentaje mucho menor se encuentra el coleccionismo de postguerra (18%); el arte moderno (23%); el arte impresionista (11%) y piezas de grandes maestros (5%).
¿Qué tipo de arte se colecciona?
– La pintura sigue siendo el medio dominante, coleccionada por el 92% de los encuestados.
– El 55% adquiere grabados y ediciones limitadas, junto con obras sobre papel (47%).
– Escultura (46%) y fotografía (38%) son las siguientes disciplinas que se adquieren.
– Prints y ediciones limitadas tienen interés por parte de la Generación Z (68%).
Coleccionistas frente a la obra «La Garza» de Jose Antonio Bernad. Stand de Inéditad Gallery en Art Madrid 26
¿Cuál es el presupuesto de compra que manejan los coleccionistas de arte?
La mayoría de los coleccionistas encuestados operan con precios asequibles:
– El 82 % gasta menos de 5000$ por obra.
– El 62 % menos de 2500$.
– Menos del 5 % supera los 10 000$ por pieza.
¿Cuántas obras adquieren anualmente los coleccionistad de arte?
– El 78 % compran entre una y cinco obras de arte al año.
– El 43 % adquiere entre dos y cinco obras anualmente y
– El 34 % compra una sola obra.
¿Cómo evolucionan las galerías de arte?
– La mayoría de las galerías siguen operando con un único espacio (56%).
– El 26 % opera sin un espacio fijo, dependiendo de modelos exclusivamente online, temporales o itinerantes.
– Solo el 18 % de las galerías encuestadas se ha expandido más allá de un solo espacio (y apenas el 5 % ha dado el paso de gestionar tres o más.)
Esta distribución pone de manifiesto un sector en el que la expansión física es la excepción y no la norma en cuanto a trabajar el coleccionismo y la gestión de arte.
¿Cuántas personas componen las galerías de arte?
– Casi la mitad, el 48%, de las galerías operan como autónomos (definidos como galerías que operan con un solo empleado, el galerista).
– El 37% emplea solo dos o tres personas a tiempo completo.
– Solo el 15% emplea a cuatro o más personas, y apenas el 3% cuenta con equipos de diez o más personas.
Inauguración exposición «Scopophilia» de Alex Domènech
¿Cuáles son los canales de venta de las galerías de arte?
Las galerías del segmento de arte con obras de menos de 50.000 dólares emplean una amplia variedad de canales de venta y comunicación con el objetivo de trabajar el coleccionismo y la gestión de arte:
– El 85% de las galerías mencionó las ferias de arte.
– Las exposiciones (60%) también siguen siendo fundamentales.
– Los canales digitales están firmemente integrados en esta combinación: el 48% de las galerías vende a través de sus propios sitios web.
– El 49% cita las redes sociales como un canal clave de comunicación.
– Los mecanismos más tradicionales, como las consultas por correo electrónico (39%) y el boca a boca (36%), siguen desempeñando un papel importante.
Es evidente que Affordable Art Fair tiene interés en demostrar a través de este informe, que las ferias y el mercado accesible funcionan. En cualquier caso, este hecho no lo invalida, pero sí que conviene leer el coleccionismo y la gestión de arte bajo esa perspectiva.
En conclusión, The Art Market Under 50000$ lanza una tesis importante: El futuro del mercado del arte no está solo arriba, también abajo. El crecimiento sostenible del sector pasa por ampliar la base compradora y no solo por vender récords, algo sobre lo que Inéditad Gallery por ejemplo toma buena nota, haciendo de la omnicanalidad online / offline y del arte figurativo emergente sus pilares principales.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2026/04/Ineditad-Gallery_Art-Madrid-26.jpg8001200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2026-04-25 18:05:422026-04-25 18:05:43Coleccionismo y gestión de arte. ¿Cuál es su futuro?
Arranca Happiness Journey, nuestra nueva exposición de arte contemporáneo en Barcelona que parte de una pregunta absolutamente transcendental, ¿sabríamos, en estos tiempos que nos ha tocado vivir, reconocer la felicidad si nos cruzásemos con ella?
Desde esta premisa hemos pedido a 32 artistas de Inéditad Gallery, representantes del nuevo arte figurativo, que creasen una obra que redefiniese el concepto de felicidad, el cual cabe decir que como sociedad hemos permitido que se pervierta hasta convertirse en un producto de consumo no apto para todos los públicos.
El concepto de la felicidad en el arte contemporáneo
El objetivo final es proponer a la audiencia a través del arte contemporáneo, y más en concreto a través del arte figurativo, tanto en fotografía, pintura, dibujo, escultura e incluso vídeo arte, que inicie un viaje que le transporte a ese sentimiento que nunca deberíamos haber perdido y que tenemos derecho a recuperar.
Zona de Paso de Jose Antonio Bernad. Óleo sobre tabla. 50 x 86 cm. 2025
Este proyecto, además de la trascendencia social de su temática, es una representación de como el arte figurativo puede ser un instrumento para reinterpretar esa satisfacción perdida. De este modo, entre las múltiples propuestas con las que probablemente nos sentiremos identificados están la nostalgia y los recuerdos como refugio donde abrazar la felicidad quebrantada, tal y como nos plantean las obras de Jamalamaja, Pepa Salas Vilar y Alex Domènech.
Redescubrirla en la sencillez de los momentos cotidianos, como recrean las escenas de Eduardo Urdiales, Jean Carlos Puerto y Bruno Ciancio; buscarla internamente y no tan externamente, como nos invitan las piezas de Abel Carrillo, Nil Masip y Carlos Min; reflexionar sobre el áurea de materialismo con el que a menudo la disfrazamos, acompañado de inconformismo y ambición, aspectos que revisan las creaciones de Chamo San y Adrián GoMa.
Detalle de la obra Golden Ticket de Chamo San. Bolígrafo y pastel al óleo sobre libreta Moleskine. 58 x 106 cm. 2025
También estará patente la falsa idea de felicidad que se expone continuamente a través del móvil, así como la dependencia y frustración que generan las redes sociales. Las obras de Fabro Tranchida y Damián Pissarra darán buena fe de ello en contraposición al lenguaje irónico que proporcionan los memes en la lectura que hace Gastón Lisak.
Verlas Venir de Eduardo Urdiales. Grafito, carboncillo y tinta china sobre papel fijado a tabla. 70 x 101 cm. 2025
La relación entre felicidad y la buena fortuna o la felicidad y la espiritualidad se confirma en las pinturas de Elliot Manresa y Uturuo. Reinterpretarla también a través de metáforas mitológicas basadas en el cuerno de la abundancia, presente incluso en distintas alegorías en la Historia del Arte, nos hacen reflexionar en las esculturas de Nuria Torres y en los dibujos de Juanjo Martínez Cánovas sobre el brillo inmediato y la necesidad de reconocimiento.
Las obras de Irene López León, Javier Aldarias y Claudio Petit-Laurent manifiestan como la conexión entre el ser humano y la naturaleza fortalece ese ecosistema de pertenencia que nos hace sentir vivos, aportando un concepto de la felicidad mucho más vitalista. La fantasía, como elemento necesario para que el deleite cobre sentido, es el punto de partida de lo que nos sugieren los artistas Alfonso del Moral y Juan Antonio Bernad. En sus propuestas recrean la felicidad como protagonista de un mundo onírico donde nosotros actuamos subidos a una especie de escenario mágico.
Obra A bundance de Nuria Torres. Talla en piedra. Ónix blanco, mármol negro, alabastro, porcelana y pan de oro. 2025
El contrapunto a esta percepción de ensoñación lo ponen las obras de Sergio de la Flora y de Fernando Romero, en las que la búsqueda de la felicidad se convierte en un objetivo literal para quienes se juegan la vida cruzando el Mediterráneo, o la rescatan de entre las ruinas provocadas por una guerra. Y sí, la felicidad también es emoción a flor de piel, y allí es donde la colocan los trabajos de Dani Torrent, Nora Beltrán, Daniel Jaen, Txar, Gyuk, Irene Pérez y Pau Marinel.lo.
COLORS 14 de Pau Marinel.lo. Óleo sobre tela. 110 x 120 cm. 2025
¿Puede el arte ayudarnos a comprender la felicidad?
Happiness Journey tendrá lugar en el espacio de La Galería By Lastcrit, en la calle Méndez Núñez nº 7 de Barcelona, el cual alquilamos para materializar esta exposición que podrá visitarse desde el 18 al 29 de noviembre con inauguración oficial el jueves día 20a partir de las 18:00 con el soporte de Vallformosa.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2025/11/Sergio-de-la-Flora_Vidas-7_Oleo-y-resina-sobre-madera_146x195cm_2025_web.jpg9581500ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2025-11-20 00:17:082025-11-20 00:17:09El arte contemporáneo explora la felicidad: Happiness Journey
Entre el 9 y el 16 de octubre de 2025 va a celebrarse la 8ª edición de Kronos Art Bcn, el cual estrena sede en el espacio de Utopia 46, en el Carrer Sant Pere Més Alt 46 en Barcelona.
¿Qué es Kronos Art Bcn?
Kronos Art Bcn es un festival internacional de arte contemporáneo que busca además de su faceta artística, generar reflexión actuando socialmente y sirviendo, a su vez, de plataforma para artistas tanto emergentes como consagrados.
Parte de los beneficios obtenidos con la venta de las obras durante el festival irá destinado a ONG’s e iniciativas de apoyo social.
Irene Pérez junto a su obra «El juego del futuro», participante en Kronos Art Bcn 2025
Su eje temático central girará nuevamente entorno al concepto del Tiempo, contextualizando las obras propuestas en “Pasado”; “Presente” y “Futuro”.
La programación de este año recogerá trabajos en pintura, fotografía, instalaciones, videoarte y performance, realizados por más de 25 artistas como Carlos Spogo, Eva Alonso, David Moreno, Laia Nuñez entre otros.
Inéditad Gallery colabora en esta edición con las obras de los artistas Alex Domènech, Eduardo Urdiales, Irene Pérez y Stefano Mussato.
Arte contemporáneo actual
Alex Domènech, Irene Pérez, Eduardo Urdiales y Stefano Mussato serán también protagonistas de esta 8ª edición de Kronos Art Bcn como representantes además del panorama del arte contemporáneo más actual.
El talento del fotógrafo Alex Domènech (Santpedor, Barcelona, 1986) se reafirma continuamente en su habilidad para elevar lo íntimo a la categoría de arte. Para ello transforma lo injustamente prohibido en poesía visual e invita al espectador a compartir sentimientos fruto del deseo, del dolor y de la esperanza.
«OBSESSION» de Alex Domènech. Obra que se expondrá en Kronos Art Bcn
“OBSESSION” (imagen digital impresa en fine art con tintas pigmentadas en papel fotográfico Epson Enhanced Matte 190g/m2) será la obra que llevará su firma en este festival.
El poder de la imagen en la obra de Eduardo Urdiales (Roquetas de Mar, Almería, 1999) reside en la atracción por ese carácter teatral que refleja en sus creaciones. Sus composiciones se nutren de iluminaciones dirigidas a exaltar sus personajes, densas atmósferas que producen ambientes emocionales a la par que dramáticos. Recursos que traslada al lenguaje del dibujo a favor de un discurso que no solo depende de la representación literal, sino también del contexto.
Su obra “Pulsar START y dejarse corroer” dibujada en grafito y carboncillo sobre papel fijado a tabla (55 x 65 cm), ha sido creada expresamente para esta edición de Kronos Art Bcn.
La obra de Irene Pérez (Santander, 1996) busca transmitir ese cúmulo de emociones y sentimientos que todos guardamos en nuestro interior, y que no siempre somos capaces de exteriorizar. Su técnica cabalga entre el realismo más figurativo y lo abstracto, abrazando lo que más le aporta de cada estilo, un equilibrio entre lo controlable y lo espontáneo que se refleja también en su obra “El juego del futuro” (óleo y técnica mixta sobre lienzo, 130 x 105 cm) y que se expondrá de forma inédita.
El trabajo de Stefano Mussato (Turín, Italia, 1990) nos habla de lo espiritual, del hecho de terminar un ciclo y empezar otro, de movernos entre el pasado y el futuro. Una forma de alejarnos del peso estático que tiene la pintura en su propia naturaleza, para convertirla en un espacio de observación constante, donde desaparece la idea clásica de representación detenida en el tiempo.
Siguiendo esta línea en esta edición de Kronos Art Bcn participará con 3 obras: “Lívido Amniótico” (óleo sobre madera, 136 x 68 cm); “Intus Motus”, un cubo de 60 x 60 x 60 cm con pinturas al óleo sobre madera en sus seis caras y montadas en estructura de metal, mismo formato que su última obra “Amic”, que con un tamaño en este caso de 21 x 21 x 21 cm representa el implacable paso del tiempo a través del deterioro de un osito de peluche que pertenece al artista desde su infancia.
«Intus Motus». Obra de Stefano Mussato. Escultura metálica formada por pinturas al óleo en cinco de sus caras
«Amic». Obra de Stefano Mussato. Cubo geométrico de pintura al óleo sobre madera montado en estructura de metal
Kronos Art Bcn podrá visitarse con entrada gratuita desde el 9 al 16 de octubre en el espacio de Utopia 46:
Carrer Sant Pere Més Alt 46, Ciutat Vella, Barcelona.
Horario de visita: de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00.
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2025/10/Irene-Perez-en-Kronos_web.jpg9601200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2025-10-06 18:47:002025-10-06 20:04:32KRONOS ART BCN celebra su 8ª edición
¿Hay crisis en el arte contemporáneo español? Ante una pregunta de este calado, hemos optado por acudir a dos fuentes absolutamente distintas. Por un lado, se la hemos lanzado a la IA, en concreto a ChatGPT, quien nos ha proporcionado una serie de puntos los cuales no son en absoluto nada baladí:
El papel de las instituciones públicas y privadas
– Muchas galerías pequeñas y medianas en España tienen dificultades para sostenerse económicamente.
– Las ayudas estatales y autonómicas existen, pero no siempre se distribuyen de forma estratégica para fortalecer al sector.
– El sistema de museos y centros de arte contemporáneo es rico, pero muchas veces carece de presupuesto suficiente o estabilidad en su programación.
Sobre el más que mejorable apoyo institucional
– Reducción de presupuestos culturales tras la crisis económica
– Escasa educación artística en la sociedad española
– Dependencia del mercado internacional
Nuevos modelos de difusión y consumo del arte
– La concentración de coleccionismo en pocas ciudades y la falta de una red sólida de compradores privados limita el crecimiento.
– Existe un nuevo coleccionista, el cual no necesita cruzar físicamente la puerta de una galería para comprar, al que hay que prestar su debida atención.
La precariedad del sector cultural
– Muchos artistas tienen que complementar su práctica con otros trabajos, o incluso emigrar, por la precariedad del ecosistema español.
– El arte contemporáneo todavía arrastra en España una percepción de elitismo o desconexión con el gran público.
¿Deberíamos entonces hablar más que de crisis, de un momento de cambio o transformación?
– Hay un auge de ferias, proyectos online y modelos alternativos (espacios híbridos, galerías nómadas, marketplaces digitales).
– Hay una generación muy potente de artistas cuyo talento se difunde gracias a la internalización.
– La mediación, la digitalización y las redes sociales están ayudando a crear nuevas audiencias, aunque quede todavía mucho camino por recorrer.
A falta de otros muchos elementos que se podrían añadir, estos puntos destacados por la IA nos han parecido bastante interesantes como para ser revisados por una audiencia real. Por este motivo, desde Inéditad Gallery hemos lanzado a nuestro público en Instagram (constituido por galerías, artistas, comisarios y amantes del arte en general) si pensaban que el arte contemporáneo español está en crisis o en transformación.
La respuesta ha sido que un 25% considera que está en crisis y un 75% en transformación.
¿Y vosotros qué opináis?
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2025/09/Inauguracion-Scopophilia-003ab_web.jpg8001200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2025-09-08 11:30:122025-09-08 11:30:14Crisis del arte contemporáneo español
Con motivo del programa Orgullo que Espacio Movistar va a organizar este año, su equipo se puso en contacto con nuestra galería para comisariar en su espacio de Gran Vía 28 de Madrid una exposición inmersiva de arte LGTBIQ+, en la que las distintas identidades y expresiones de género fueran las protagonistas.
Una mirada artística a la identidad y al arte LGTBIQ+
La perspectiva de diversidad de género continúa siendo subrepresentada en muchos espacios. Incluir propuestas con una mirada crítica hacia los sistemas de poder, hacia la desigualdad y hacia la diversidad de identidades aporta una dimensión conceptual y política al circuito del arte contemporáneo, enriqueciéndolo y alineándolo con debates absolutamente necesarios. Bajo esta premisa se gesta «Con Orgullo«.
¿Qué es “Con Orgullo”?
«Con Orgullo» es el primer proyecto expositivo de Inéditad Gallery en colaboración con Espacio Movistar, en el que 16 artistas de la galería proponen, a través del arte contemporáneo, reconstruir una realidad donde vivir en tolerancia y respeto no sea una ensoñación si no un hecho consumado.
Las obras de Abel Carrillo, Alex Domènech, Alfonso del Moral, Claudio Petit-Laurent, Cristóbal Tabares, Daniel Jaen, Dani Torrent, Elliot Manresa, Fabro Tranchida, Fernando Romero, Jamalamaja, Jean Carlos Puerto, Nicolò Canova, Pepa Salas Vilar, Stefano Mussato y UtüRūo ocuparán del 28 de junio al 4 de julio las pantallas del Cubo Inmersivo, la primera sala inmersiva de 5 caras LED de Madrid y 3 de las pantallas Tótem.
Abel Carrillo. Estancia en el Corredor. Pintura digital. 2019
El significado de la diversidad en el arte LGTBIQ+
De esta forma, en un momento en el que la diversidad está continuamente cuestionada, Inéditad Gallery da un paso más para convertir el arte LGTBIQ+ en un instrumento capaz de combatir la exclusión y el estigma social.
Deseamos que el público disfrute de esta experiencia visual en Espacio Movistar con la que buscamos poner en valor la importancia de incorporar la perspectiva de diversidad de género en nuestra sociedad.
El jueves 10 de abril del 2025 Inéditad Gallery participa con una obra de Abel Carrillo sobre Lorca en “Los recomendados”, una exposición colectiva organizada por Studio Arriaza en Madrid. Un proyecto en el que 15 galerías invitadas proponen cada una de ellas el trabajo de un artista al que representan. En nuestro caso lo hacemos con un tríptico de Abel Carrillo homenaje a la figura del poeta granadino titulado “Desplome” (collage intervenido con pintura y tinta).
Detalle de la pieza central de «Desplome». Obra de Abel Carrillo
Abel Carrillo: un artista contemporáneo con voz propia
Utilizar su talento como herramienta de denuncia social abordando temas relacionados con la intolerancia y la falta de libertad, poniendo el foco en la LGTBIfobia y en el rechazo contra las expresiones de género no normativas. Abel Carrillo (Murcia, 1992) es un artista visual, diseñador gráfico y director de arte cuyos proyectos nos invitan precisamente a la reflexión y al diálogo. Para ello emplea magistralmente técnicas que van desde el collage a la pintura digital. Artista integrante de Inéditad Gallery, ha expuesto en Madrid, Málaga y Barcelona además de participar en ferias de arte como Hybrid Art Fair.
Abel Carrillo explicando su proyecto para Hybrid Art Fair 2023
La obra de Abel Carrillo que rinde homenaje a Lorca: simbolismo y técnica
“Desplome” es la pieza central de un tríptico que representa la caída de Federico García Lorca tras ser asesinado en la madrugada del 17 de agosto de 1936. La diana hace alusión precisamente al blanco de tiro de su fusilamiento, marcada por los dos disparos que recibió de uno de sus cinco posibles asesinos, y que según el historiador Miguel Caballero, así lo verbalizó Juan Luis Trescastro, uno de esos cinco miembros de las escuadras negras de Falange de Granada, con la frase “le pegué dos tiros en el culo por maricón».
Las circunferencias concéntricas de la diana de esta obra de Abel Carrillo sobre Lorca están constituidas por palabras creadas con sello y tinta, letra a letra, correspondientes al poema “Llagas de Amor”. Un poema del poeta granadino que nos habla del amor prohibido y cuyos versos se extienden a las dos obras laterales, “Bala 1” y “Bala 2 “(collage intervenido con pintura y tinta, 20 x 20 cm), representados por dos miradas de juicio e intolerancia que asoman por cada una de las dos heridas provocadas por ambos disparos.
Cuando el arte se convierte en memoria: el diálogo entre Carrillo y Lorca
Este magnífico proyecto artístico de Abel Carrillo nos recuerda lo importante que es rememorar la historia para que los errores y las atrocidades del pasado no se vuelvan a repetir.
“Hoy, aunque en contextos diferentes, podemos ver paralelismo. Vemos cómo, a nivel global, las tensiones entre movimientos sociales, que promueven el cambio y la justicia, y fuerzas que buscan mantener el statu quo, cada vez son mayores.
En el mundo actual lleno de información, redes sociales y comunicación instantánea, aún existen gobiernos y regímenes que intentan silenciar las voces disidentes, recordándonos la tragedia del poeta granadino, asesinado por su orientación sexual y sus ideas políticas.” (Abel Carrillo, 2024)
Exposición “Los Recomendados”
Del 10 de abril al 10 de mayo del 2025
Studio Arriaza. Calle Arriaza nº 11 Madrid
Horarios: Jueves y Viernes de 19:00 a 21:00 / Sábados de 12:00 a 14:00
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2025/04/Abel-Carrillo_Desplome_mockup3_Recomendados_a_web.jpg8001200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2025-04-07 17:08:412025-04-07 17:08:42Obra de Abel Carrillo sobre Lorca: arte y memoria
¿Es el arte figurativo contemporáneo lo suficientemente crítico? ¿Estamos realmente prestando atención a la forma en que los y las artistas se entienden con el mundo?
Un posible grito de rebelión. El arte retomando su papel como agente testimonial de lo que nos está ocurriendo como sociedad. Este es el leit motiv de la exposición CRÍTICO, comisariada por Inéditad Gallery y su director Luis López, que se inaugura el 7 de noviembre en el MEAM Museum de Barcelona.
Chamo San. «Even the Darkness». Bolígrafo sobre papel. 42 x 30 cm
Una imponente exposición colectiva que supone la primera colaboración de nuestra galería con un museo, en concreto, con una institución referencia del arte figurativo a nivel internacional. Un proyecto con un hilo conductor común: distorsionar lo que se considera “normal”, interpelar la realidad y plantear nuevos puntos de vista demostrando que no hay realidades incómodas sino incomprendidas. Una exposición que demuestra que uno de los factores que mejor puede impulsar los proyectos culturales es la colaboración entre diferentes entidades.
José Antonio Bernad. «Bienvenido a casa». Óleo sobre lino. 89 x 70 cm
El arte figurativo protagonista
Transformar nuestra percepción sobre dichas realidades es la columna vertebral de esta muestra que reivindica el museo como un lugar de legitimación, dando representación, como apunta la investigadora y especialista en arte Marián Cao, a colectivos que han sido vulnerados, ofreciéndoles la oportunidad de empoderarse y de comunicarse a través de dichos espacios mediante el arte figurativo. Un punto de partida hacia una transición lenta pero que irremediablemente debe producirse en términos de justicia social, simbólica y cultural, tal y como en este sentido apunta la socióloga Nancy Fraser.
Javier Aldarias, Raúl Álvarez Jiménez, José Antonio Bernad, Albert Bonet, Nicolò Canova, Abel Carrillo, Bruno Ciancio, Sergio de la Flora, Alfonso del Moral, Alex Domènech, Carlos Enfedaque, Adrián GoMa, Gyuk, Daniel Jaen, Jamalamaja, Gastón Lisak, Irene López León, Elliot Manresa, Pau Marinel.lo, Juanjo Martínez Cánovas, Stefano Mussato, Irene Pérez, Claudio Petit-Laurent, Jean Carlos Puerto, Pepa Salas Vilar, Chamo San, Fabro Tranchida, Dani Torrent, Núria Torres, Eduardo Urdiales y UtüRūo son los 31 artistas integrantes de esta exposición que hacen de su trabajo un valioso testimonio de la época que nos ha tocado vivir. Representantes todos ellos de un nuevo arte figurativo reflejo de nuestra sociedad y con un enorme poder para transformarla.
Alfonso del Moral. «Nuestra amante». Óleo sobre lienzo. 100 x 73 cm
Para ello en esta muestra se abordarán aspectos tan vitales como la injusticia social, el feminismo, la discriminación de la diversidad sexual y de la libre identidad de género, la precariedad de la vivienda, la crisis migratoria o la degradación (individual o colectiva) a la que nos vemos sometidos para encajar en un sistema que merece ser cuestionado.
Eduardo Urdiales. «Ophelia». Grafito y carboncillo sobre papel fijado a tabla. 90 x 60 cm
Unas propuestas que nos ayudarán a reconstruir estructuras que no perpetúen la desigualdad, pasando a la acción de la mano de unos artistas que pretenden agitar conciencias y ejercer de catalizadores ante unos visitantes invitados a la reflexión, al diálogo crítico y por supuesto, a la autocrítica. Un papel participativo, el del espectador, que lo convierte en testigo de cómo el talento trasciende a la estética y centra su belleza en el activismo artístico.
Adrián GoMa. «La coherencia de la hermana Grávida». Óleo sobre tabla entelada. 61 x 51 cm
CRÍTICO
Una exposición de Inéditad Gallery en el MEAM Museum
Del 7 al 19 de noviembre de 2024 (Espacio Princesa)
Inauguración 7 de noviembre a las 18:00
Carrer Barra de Ferro 5 08003 Barcelona
Horario de martes a domingo de 11:00 a 19:00
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2024/10/Chamo-San_Even-The-Darkness_Boligrafo-sobre-papel_42x-30cm_2020_portada.jpg7651147ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2024-10-25 10:27:302024-10-25 10:34:37Arte figurativo contemporáneo en nuestra exposición CRÍTICO
Que el arte puede suponer un desafío no es ningún secreto. Lo que sí que puede resultar revelador es descubrir obras de arte con mensaje que hacen uso de él como instrumento de cambio y de transformación social. Un testimonio vital de todo aquello que está sucediendo a nuestro alrededor, y que además, nos sirve para conocer otras realidades, que, en muchas ocasiones, no están tan lejanas.
Bajo esta premisa tres galerías que además tenemos en común el concepto de omnicanalidad online / offline, hemos decidido dar voz a este tipo de arte tan necesario como crítico. Fue en la última edición del festival Obertura Carabanchel, en noviembre del pasado año, donde coincidimos Beatriz Pereira, directora de la Galería Beatriz Pereira, Daniel Ortiz, director de ArtQuake Gallery y un servidor representando a Inéditad Gallery. Allí nos dimos cuenta de que tenemos muchas cosas en común: los tres dirigimos galerías nómadas sin espacio físico propio, ya de por sí algo fuera de lo común, y los tres tenemos una forma de entender el arte basada en el compromiso, la entrega y la pasión. Fruto de toda esta sinergia surgió la idea de organizar en el futuro un proyecto expositivo conjunto. Pues bien, ¡ese momento ha llegado!
El arte como crítica
DESAFÍO(S) es el nombre de la exposición que hemos creado Galería Beatriz Pereira, ArtQuake Gallery e Inéditad Gallery poniendo el foco en el arte como herramienta reivindicativa capaz de, no sólo ampliar nuestros horizontes, sino también de incentivar nuestro pensamiento crítico.
Para llevarlo a cabo hemos propuesto a algunos de nuestros artistas que desarrollen un proyecto específico basado en obras con mensaje social el cual será presentado en exclusiva en esta muestra colectiva. Dichos artistas son: Aisha Ascóniga, Aneoa y Belén Lei Lei por parte de ArtQuake Gallery; Isabel Flores, María JL Hierro, Pilar del Puerto y Virginia Rivas por parte de Galería Beatriz Pereira; y Albert Bonet, Alex Domènech, Sergio de la Flora, Stefano Mussato y Eduardo Urdiales por parte de Inéditad Gallery.
De hecho, nuestra galería tiene en su ADN la capacidad de elevar el arte a su categoría más incisiva y esta ocasión no va a ser una excepción:
Albert Bonet. La traición de la Menina. Óleo sobre tela. 130 x 162 cm. 2024
Artistas artivistas
Albert Bonet (Riba-Roja d’Ebre, Tarragona, 1996) vuelve a demostrar con su transgresión que es un enfant terrible deconstruyendo pictóricamente los cánones de belleza establecidos. Dos de sus últimas obras serán el testimonio de su sorprendente técnica, donde el realismo se fusiona con el romanticismo (e incluso con lo grotesco) para dejar al espectador totalmente impactado. Sin duda, una muestra de obras de arte con mensaje (y con más de uno.)
Albert Bonet. Marisa. Spray y óleo sobre tela. 120 x 120 cm. 2024
Queer Man / Chemsex es el nuevo proyecto del fotógrafo Alex Domènech (Santpedor, Barcelona, 1986) a través del cual busca dar visibilidad a la problemática del Chemsex. Para ello propone una serie de retratos tomados con múltiple exposición directa en cámara, obteniendo unas imágenes de gran impacto emocional exentas de estigmas y juicios morales.
Alex Domènech. Trascendence. Reproducción fotográfica a partir de negativo de 120mm (múltiple exposición directa en cámara) impresa en papel Hahnehmühle Photo Rag baryta 308gr .50 x 40 cm 2024
Además, Alex Domènech une su talento al del artista Stefano Mussato (Turín, Italia, 1990) gracias a la intervención al óleo que éste último ha realizado en tres de sus obras, y que también presentaremos en exclusiva en esta exposición.
Alex Domènech feat. Stefano Mussato. Disasociate. Reproducción fotográfica a partir de negativo de 120mm (múltiple exposición directa en cámara) impresa en papel Hahnehmühle Photo Rag baryta 308gr e intervenida en óleo. 50 x 40 cm 2024
El drama de la crisis migratoria del Mediterráneo es el hilo conductor del proyecto VIDAS del artista Sergio de la Flora (Torrejón de Ardoz, Madrid, 1990). En él nos muestra momentos de gran dramatismo que irremediablemente riñen con la belleza de su técnica figurativa. Unas obras con mensaje que hablan por sí solas y que sin duda invitan al espectador a la reflexión.
Sergio de la Flora. Vidas 17. Óleo sobre resina y madera. 50 x 50 cm. 2024
Eduardo Urdiales (Roquetas de Mar, Almería, 1998) hace uso de su habilidad técnica con el grafito y el carboncillo para tratar, a través del dibujo contemporáneo, el agotamiento, la frustración y el desgaste emocional que viven los jóvenes en la actualidad. Una serie de obras en las que la precariedad es el trasfondo de unas escenas aparentemente cotidianas pero cargadas de mensaje.
Eduardo Urdiales. Matemáticas avanzadas. Grafito y carboncillo sobre papel fijado a tabla. 40 x 40 cm. 2024
¡Os esperamos del 24 de septiembre al 06 de octubre en la sede de Galería Nueva de Doctor Fourquet nº 10 de Madrid!
Inauguración oficial jueves 26 de septiembre a las 19:00
Horarios:
Lunes a Sábado de 11:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:30
Domingo de 11:00 a 17:00
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2024/09/Albert-Bonet_La-Traicion-de-la-Menina_Oleo-sobre-lienzo_2024_162-x-130-cm_HD_web.jpg9771200ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2024-09-17 17:59:342024-10-10 09:33:31Obras de arte con mensaje en la exposición DESAFÍO(S)
De un modo u otro todos nos hemos convertido en san sebastianes sometidos, resilientes de una sociedad que en muchas ocasiones nos resulta implacable. Éste es uno de los puntos de partida de San Sebastianes en un Mundo Caótico, la primera exposición colectiva en Barcelona que reinterpreta, mediante una mirada absolutamente contemporánea, la figura de San Sebastián, el santo más representado de la Historia. Un ambicioso proyecto sin precedentes organizado por Inéditad Gallery en colaboración con la BAA Gallery que pretende trasladar y reinterpretar al contexto del siglo XXI lo que los grandes maestros del Renacimiento o del Barroco como Botticelli, Rafael, Caravaggio o Guido Reni no representaron en su momento, más centrados quizás en la belleza/paganismo y en el sufrimiento/martirio del personaje.
Claudio Petit-Laurent. San Sebastián en Flores. Óleo sobre lienzo. 90 x 60 cm. 2023
Biografía del santo más pintado
Ejemplo de resistencia frente a la opresión. Auténtica metáfora de cualquier reivindicación social. Un acto de valentía contra la represión y una entereza marcada por el encanto y el martirio. Pocas escenas son capaces de representar dos elementos tan opuestos, como la belleza y el sufrimiento. Quizá por todo ello se haya convertido en el santo más representado de la Historia del Arte. Andrea Mantegna, Giovanni Mazzi, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci o Rafael en el Renacimiento; y Caravaggio, Guido Reni o José de Ribera en el Barroco, son sólo algunos de los grandes maestros que han destacado precisamente este contraste entre la serenidad de su rostro y la intensidad de su tormento.
¿Pero quién fue en realidad San Sebastián? Veamos lo que cuenta la Historia:
Aunque se sabe relativamente poco sobre su vida, se considera uno de los santos más venerados de la tradición cristiana. Se dice que nació en Narbona, una ciudad de la antigua Galia (hoy en día Francia), en el siglo III. Se unió al ejército romano y llegó a ser capitán de la guardia pretoriana durante el reinado del emperador Diocleciano. A pesar de su posición, Sebastián era un cristiano devoto y se dice que ayudaba a los cristianos perseguidos proporcionándoles apoyo. Cuando el emperador inició en el año 303 un feroz asedio contra ellos, Sebastián fue descubierto animando a sus compañeros de armas a aferrarse a la fe cristiana, por lo que fue condenado a muerte y sometido a un martirio cruel. Fue atado a un árbol o poste y atravesado por flechas. A pesar de las heridas, la tradición cuenta que Sebastián sobrevivió milagrosamente, y que fue atendido por una mujer romana llamada Irene, quien lo cuidó y lo curó. Sin embargo, poco después, se presentó ante el emperador para reprocharle su paganismo y su cruzada contra los cristianos. Enfurecido, Diocleciano ordenó que lo lapidaran hasta la muerte y que su cuerpo fuera arrojado a la conocida como Cloaca Máxima de Roma. Posteriormente su devoción se extendió por toda la Europa medieval, especialmente a causa de la pandemia de la peste negra, convirtiendo al santo en intercesor en tiempos de plagas, enfermedades y conflictos.
Flechazo. Pepa Salas Vilar. Óleo sobre lienzo. 70 x 50 cm. 2023
Sergio de la Flora. San Sebastián Mártir. Óleo sobre resina y madera. 100 x 100 cm. 2023
Cuadros de San Sebastián
El arte contemporáneo ha adoptado su iconografía para abordar temas relacionados con la identidad de género y la sexualidad, pero también como imagen de lucha contra la opresión. Estas reinterpretaciones han dado lugar a nuevas visiones y significados asociados con su figura, como es el caso de los fotógrafos Pierre et Gilles, Gérard Rancinan o Chris Knight. Ejemplos de que más allá de su simbología homoerótica, asociada activamente a la cultura queer; su imagen nos obliga a destacar el coraje del personaje frente a la represión.
Éste es el objetivo principal de la exposición Sebastianes de hoy en un mundo caótico. Hacer una lectura de su figura en un momento en el que nuestra sociedad está altamente polarizada, inmersa en la desconfianza que genera un futuro incierto y en el que todos, de un modo u otro, nos hemos convertido en sebastianes sometidos, e incluso torturados, resilientes frente una realidad despiadada. Rebeldes que como él también plantamos cara al opresor, provocando su temor mientras que ahuyentamos nuestro miedo. Aquellas flechas se siguen lanzando, aunque ya no nos atraviesan de la misma manera.
Adrián Goma. Y nadie contestó. Óleo sobre tabla entelada. 70 x 53 cm. 2023
Pau Marinel.lo. A Contemporary San Sebastian. Óleo sobre madera. 59 x 49 cm. 2023
En palabras del Dr. en Historia del Arte Sergio Fuentes Milà, encargado de llevar a cabo el texto curatorial de esta exposición: El hecho que se celebre la mencionada muestra pone de manifiesto que la figura de San Sebastián continúa de actualidad, siendo todavía hoy una cantera inagotable para nuevos planteamientos plásticos y reflexiones en torno a cuestiones relacionadas con la sexualidad o la identidad de género, entre otras muchas. En un momento en que la sociedad occidental es cada vez más hostil frente a la otredad, está más polarizada y potencia el conflicto convirtiéndolo en espectáculo.
Javier Aldarias, Raúl Álvarez, Albert Bonet, Martínez Cánovas, Sergio de la Flora, Carlos Enfedaque, Silvia Flechoso, Adrián Goma, Gyuk, Pau Marinel.lo, Stefano Mussato, Claudio Petit-Laurent, Jean Carlos Puerto, Pablo Rodríguez, Pepa Salas Vilar y Eduardo Urdiales son los dieciséis artistas de Inéditad Gallery que presentarán, cada uno de ellos, una obra hecha expresamente para este proyecto.
Jean Carlos Puerto. Sobran los motivos. Óleo sobre tela. 73 x 54 cm. 2023
Gyuk. S.SBSTN. Acrílico sobre panel de madera. 100 x 70 cm. 2023
San Sebastianes en un Mundo Caótico es la primera colaboración entre Inéditad Gallery y la BAA Gallery (Barcelona Academy of Art Gallery). La BAA Gallery es un nuevo espacio en el seno de la Barcelona Academy of Art que incorpora en él toda la infraestructura de una galería de arte para que, tanto galerías nómadas como galerías de fuera de Barcelona, puedan tener la posibilidad de desarrollar sus propuestas expositivas en la Ciudad Condal.
Una exposición de Inéditad Gallery en la BAA Gallery
26 de octubre – 09 de noviembre 2023
Ausias Marc 42 Barcelona
Cartel Exposición San Sebastianes en un Mundo Caótico. Obra Underwater San Sebastian de Raúl Álvarez Jiménez. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cm. 2023
https://ineditad.com/wp-content/uploads/2023/10/Raul-Alvarez_Underwater-San-Sebastian_100x81-oleo-lienzo-2023_portada_web.jpg7501000ineditadhttps://ineditad.com/wp-content/uploads/2019/09/logo.pngineditad2023-10-16 14:06:342023-10-17 09:49:39San Sebastián en la Historia del Arte
